«15 художественных движений, вы должны знать?»
ПОСЛЕДНЕЕ ОБНОВЛЕНИЕ: 1-3-2017
15 художественных движений, вы должны знать? , символический рассказ, обычно неизвестного происхождения и по крайней мере отчасти традиционный, который якобы связывает фактические события и особенно связан с религиозными убеждениями. Он отличается от символического поведения (культового, ритуального) и символических мест или объектов (храмов, икон). 15 художественных движений, вы должны знать?ы - это конкретные рассказы о богах или сверхчеловеческих существах, участвующих в чрезвычайных событиях или обстоятельствах за время, которое неуточнено, но которое понимается как существующее помимо обычного человеческого опыта. Термин « мифология» означает изучение мифа и тела мифов, принадлежащих к определенной религиозной традиции.
Этот фильм 1973 года, выпущенный Encyclopædia Britannica Educational Corporation, исследует греческий миф как первобытную фантастику, как скрытую историю, и как результат доисторического ритуала.
15 художественных движений, вы должны знать?ологическая фигура, возможно, Диониса, верховая езда на пантере, эллинистическая эмблема опус-тесселлату из Дома масок в Делосе, Греция, 2-го века.
Этот фильм 1973 года, выпущенный Encyclopædia Britannica Educational Corporation, исследует греческий ...
Encyclopædia Britannica, Inc.
15 художественных движений, вы должны знать?ологическая фигура, возможно, Диониса, верховая езда на пантере, эллинистическая эмблема осессела ...
Димитри Пападимос
Как со всеми религиозными Символизм , есть ... (100 из 24 735 слов) года.
. 15 художественных движений, вы должны знать? ЗАПРОСИТЬ ПЕРЕПЕЧАТКУ ИЛИ ОТПРАВИТЬ ИСПРАВЛЕНИЕ
#8592; История Г 15 влиятельных художественных и дизайнерских движений, которые вы должны знать
1 месяц назад Картина 22
0
АКЦИЙ
Поделиться на Facebook 0Твиттер 0Google+ 0
Почистите свои знания об этих основных периодах в истории искусства и дизайна.
Как дизайнер, вдохновение может исходить из любого места. Но иногда влияние, отношения и подходы сходятся, чтобы сформировать последовательное движение, имеющее эффект постукивания по всему миру.
На протяжении столетий насчитывалось сотни художественных и дизайнерских движений разных размеров и значимости - некоторые из них были сосредоточены на стиле или подходе конкретного коллектива художников в определенном месте, другие, охватывающие многие творческие дисциплины, и гораздо более органичные с точки зрения интерпретации ,
Были ли они 150 лет назад или 30 лет назад, влияние многих из них по-прежнему ощущается сегодня - вы, возможно, даже почувствовали их влияние, не зная об этом. Эти вещи часто движутся в циклах, особенно с современной тенденцией ретро-эстетики. Таким образом, небольшое знание истории искусства имеет большое значение.
Как и 25 имен, которые должен знать каждый графический дизайнер , есть определенные движения в искусстве и дизайне, которые должны быть знакомы с объявлениями. Читайте дальше для нашего всестороннего руководства по 15 наиболее влиятельным художественным и дизайнерским движениям 20-го века.
Мы поставили их в хронологическом порядке, с примерами на стр. 2 и стр. 3, наиболее важными для графических дизайнеров, а те, что на этой странице и стр. 2, могут вдохновить больше художников и иллюстраторов. Используйте меню быстрых ссылок, чтобы перейти прямо к разделу, который вы хотите изучить первым, или прокрутите, чтобы прочитать их по порядку.
01. Импрессионизм и пост-импрессионизм
Закат на реке в Лавакуре, Зимний эффект (1882) демонстрирует талант Клода Моне для захвата света и цвета
Развиваясь прежде всего во Франции в конце 19-го века, импрессионизм был изобразительным искусством, в котором небольшая группа художников избегала тогдашнего традиционного акцента на историческом или мифологическом предмете в пользу изображения визуальной реальности и, в частности, переходного характера света, цвет и текстура.
Семь живописцев были в центре этого чрезвычайно влиятельного движения: Клод Моне , Пьер Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, Арманд Гийомина и Фредерик Базиль, - и работали и выставлялись вместе.
Импрессионисты отказались от установленной палитры приглушенных зелени, коричневых и серых цветов для своих пейзажей в пользу более яркого, выразительного диапазона цветов, чтобы изобразить такие условия, как пятнистый солнечный свет и отражения на рифленой воде.
Вместо серых и чернокожих для теней они использовали целый ряд дополнительных цветов - и объекты были изображены с использованием мазков краски, а не с жестким контуром.
Икона постимпрессионистского стиля: Натюрморт Поля Сезанна, кувшин и фрукты (1894)
Постимпрессионизм охватывал многие принципы своего предшественника, в то же время отвергая некоторые из его ограничений. Художники, такие как Пол Сезанн , Жорж Сёрат, Пол Гоген, Винсент Ван Гог и Анри де Тулуз-Лотрек использовали аналогичные чистые, блестящие цветовые палитры и выразительные короткие мазки, но также стремились поднять работу на нечто менее временное и экспериментальное.
Вместо того, чтобы постоянно меняться условия естественного света и его влияние на цвет, Сезанн и другие пост-импрессионисты больше сосредоточились на твердых, постоянных объектах с натюрмортами, такими как «Питчер и плод Сезанна» и подсолнухи Ван Гога - Движение.
02. Искусство и ремесла
Известные обои Стволовых воров Уильяма Морриса - прекрасный пример эстетики искусств и ремесел
В качестве реакции на рост массового производства (и соответствующего упадка ремесленного мастерства) во время промышленной революции, возрождение интереса к декоративным искусствам в Европе во второй половине 19-го века - под названием «Искусство и ремесло» ,
В авангарде этого нового движения был реформатор, поэт и дизайнер Уильям Моррис, который сформировал коллектив сотрудников в 1860-х годах, чтобы попытаться пробудить качество ручной работы средневекового периода. Они производили красивые металлоконструкции, украшения, обои, текстильные изделия и книги.
К 1875 году этот коллектив стал известен как Моррис и Компания, а к 1880-м годам отношение и методы, которые они практиковали, вдохновили целое новое поколение дизайнеров, и появилось движение Arts and Crafts.
В то время как многие критиковали практичность таких сложных ремесел в современном промышленно развитом мире, влияние движения сохраняется и по сей день.
03. Модерн
Деталь из дома для любителей искусства в Глазго, разработанная Чарльзом Ренни Макинтошем в 1901 году, но построенная только в 1990-х годах
Следуя движению Искусств и ремесел, модерн был главным образом декоративным движением как в Европе, так и в США. Одной из отличительных особенностей стиля является использование органической, асимметричной линейной работы вместо твердых, однородных форм, применяемых в архитектуре, интерьерах и ювелирных изделиях, а также плакаты и иллюстрации.
Сложные железные изделия, витражи, керамика и декоративная кирпичная кладка использовались выразительно, причем линии свободной формы имели приоритет над любыми изобразительными элементами в дизайнах, которые часто были вдохновлены деликатными формами, найденными в природе, такими как цветочные стебли, виноградные лозы, лианы, усики и насекомые крылья.
Шотландский архитектор и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош был ведущим экспонентом движения в стиле модерн, а также чешским художником-графиком Альфонсом Мухой, а также знаковым испанским архитектором и скульптором Антонио Гауди, чей большой альбом «La Sagrada Família» в Барселоне более 130 лет.
Это яркое произведение искусства в стиле ар-нуво Альфонсом Мухой было использовано для продвижения печатной фирмы Ф. Чампенуа
Ошеломляющие произведения Мухи, многие из которых были коммерческими комиссиями для рекламирующих клиентов, объединили плавные органические линии и естественные мотивы стиля модерн с чувственными портретами женщин.
В то время как декоративный стиль выпал из моды после 1910 года, он увидел возрождение в 1960-х годах благодаря серии крупных выставок в Лондоне, Париже и Нью-Йорке, которые ретроспективно помогли поднять стиль, когда-то рассматриваемый как мимолетная причуда к статусу международное движение, которое повлияло на моду, дизайн музыки и рекламу.
04. Кубизм
Работа Пабло Пикассо в 1907 году Les Demoiselles d'Avignon, возможно, является самым известным примером кубизма
Два художника сыграли важную роль в создании кубинского движения: Пабло Пикассо и Жоржа Брака. В отличие от выразительных попыток захвата природных условий в импрессионизме и пост-импрессионизме кубизм был о плоских, двумерных, искаженных объектах - жертвуя точную перспективу в пользу сюрреалистической фрагментации.
Название произошло от пренебрежительного замечания искусствоведа Луи Vauxcelles, который описал работы Брака 1908 года Дома в L'Estaque как «состоящие из кубов». Но это был «Les Demoiselles d'Avignon» Пикассо, написанный в предыдущем году, который приводил в движение колеса, изображая пять женских обнаженных людей как раздробленные угловые формы.
Поскольку Брак и Пикассо продолжали изучать, как абстрактные формы могут использоваться для определения знакомых объектов, период с 1910 по 1912 год часто называют аналитическим кубизмом. Отличительная палитра коричневого, коричневого, серого, кремового, зеленого и синего преобладала, а обычными предметами были музыкальные инструменты, бутылки, газеты и человеческое тело.
После 1912 года это превратилось в синтетический кубизм, где несколько форм объединялись в все более красочные произведения искусства, в которых использовались методы коллажа для изучения текстуры. Визуальный язык, определенный Браком и Пикассо, позже был охвачен многими другими художниками, а также повлиял на скульпторов и архитекторов, таких как Ле Корбюзье.
05. Футуризм
Изображая ощущения, полученные от наблюдения современной жизни, «Смех» Умберто Боччиони (1911) широко считается его первой действительно футуристической работой
Основанный в Италии в начале 20-го века, футуризм пытался захватить темп, жизненность и беспокойство современной жизни благодаря высокому выразительному искусству, которое в конечном счете прославило войну, фашизм и эпоху машин. Эстетический стиль позже распространился по всей Европе, и особенно в Россию.
Движение было официально объявлено в 1909 году, когда парижская газета Le Figaro опубликовала манифест итальянского поэта Филиппо Томмазо Маринетти, который придумал термин, чтобы описать, как его работа отмечала социальный прогресс и культурные инновации.
Передовые технологии, такие как автомобиль, были поставлены на пьедестал, в то время как традиционные ценности и исторические институты, такие как музеи и библиотеки, были агрессивно отвергнуты.
Bombardamento Aereo, Tullio Crali (1932) - это поздняя футуристическая работа, которая прославляет скорость и механику воздушной войны
Два из ведущих сторонников футуризма, Умберто Боччиони и Антонио Сант'Элии были убиты в бою в 1916 году. Однако эстетика продолжилась, чтобы быть выраженной в современной архитектуре, поскольку видения механизированных городов, определяемые высокими небоскребами, стали реальностью, в то время как художники, такие как Туллио Крали, сохранили свой стиль в 1930-х годах.
06. Конструктивизм
Отличительный стиль графического дизайна Александра Родченко украшал многие русские пропагандистские плакаты
Сильно под влиянием кубизма и футуризма конструктивизм был художественным и архитектурным движением, инициированным советским художником и архитектором Владимиром Татлиным, который в 1920 году выступил соавтором так называемого «Реалистического манифеста» со скульпторами Антуаном Певснером и Наум Габо.
Подобно футуризму, конструктивизм прославляет технологический и промышленный прогресс, с радикальной эстетикой, которая функционирует над формой. Как следует из названия, эстетика буквально о «конструировании» искусства из набора компонентов, таких как машина. Его отличительный стиль широко использовался для советских пропагандистских плакатов.
Бит белых с красным клином (1919) является пропагандистским плакатом Эль-Лисицкого, изображающим красных большевиков, победивших белое движение в гражданской войне в России
Ведущими фигурами в конструктивизме были графический дизайнер, фотограф и скульптор Александр Родченко и художник, дизайнер и архитектор Эль Лисицкий. Пока Татлин и Родченко остались в Советском Союзе, Габо и Певснер помогли распространить конструктивистскую эстетику в Германию, Францию, а затем Англию и США.
Между тем, Лисицкий повлиял на художников и архитекторов берлинского движения де Стидж, а также венгерского художника и фотографа Ласло Мохоли-Надь, профессора Баухауза.
07. Баухаус
Простые формы и основные цвета «стиля Баухауза» аккуратно подведены этим плакатом Герберта Байера
Основанный архитектором Вальтером Гропиусом, чрезвычайно влиятельная школа дизайна, архитектуры и прикладного искусства в Баухаузе работала в Германии с 1919 по 1933 год, когда она была закрыта нацистским режимом.
Школа стремилась преодолеть разрыв между искусством и техническими ремеслами - в отличие от цели движения «Искусство и ремесла», хотя Баухаус выступал за современное массовое производство над отдельными ремесленными методами.
Студенты прошли шестимесячный предварительный курс, в котором преподаватели, в том числе Йоханнес Иттен, Лионель Фейнингер, Йозеф Альберс, Герберт Байер и Ласло Мохоли-Надь дали им строгое образование как по ремеслу, так и по теории всего: от плотницких работ и металлообработки до текстиля, графики и типография.
В то время как результирующие работы были чрезвычайно разнообразны, преобладающий стиль, связанный с Bauhaus, - это простые, элегантные геометрические фигуры в сочетании с жирными основными цветами - эстетикой, которая распространялась по графическому дизайну, продуктам и архитектуре еще долго после закрытия школы.
08. Арт-деко
Эти яркие лондонские подпольные плакаты, написанные художником Эдвардом МакКайном Кауффером, воплощают в себе множество особенностей арт-деко
Крупнейшее международное движение в Западной Европе и США, Ар-деко принимает множество своих реплик из модерна, а также элементы Баухауза и кубизма. Она возникла в Париже, где в 1925 году экспозиция Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes дала ему свое название.
Стиль, элегантность и изощренность - это порядок дня в дизайне Art Deco, передаваемый через простые, обтекаемые формы; стилизованное, часто геометрическое украшение и продуманное использование дорогостоящих материалов, как натуральных, так и синтетических.
Архитектура, мебель, мода, скульптура и многое другое, Art Deco инкапсулирует декадентский дух 1930-х годов - и Рокфеллер-центр, Chrysler Building и Empire State Building были разработаны в стиле.
Несмотря на то, что в эпоху Второй мировой войны Art Deco немного вышла из моды, она вновь начала возрождаться с конца 1960-х годов и продолжает вдохновлять декоративное искусство, моду и ювелирные изделия по сей день.
09. Сюрреализм
Сальвадор Дали, основополагающая работа «Сохранение памяти» (1931) - сюрреалистический шедевр
Подобно ар-деко, сюрреализм процветал в промежуточный период между Мировыми войнами. Он вырос из движения «анти искусства» Дада в начале 20-го века, но вместо часто бессмысленные, сатирические Вибе Dada в - отрицательная реакция на ужас и бесполезности войны - это принесло гораздо более позитивное творческое выражение.
В своем 1924-м сюрреалистическом манифесте поэт и критик Андре Бретон утверждали, что сюрреализм состоял в воссоединении сознательного и бессознательного опыта; преодоление разрыва между фантастическим миром мечты и рациональной реальностью.
Ведущие художники-сюрреалисты: Жан Арп, Макс Эрнст, Андре Массон, Рене Магритт, Ив Танги, Сальвадор Дали, Пьер Рой, Пол Дельво и Джоан Миро, - все из которых имели уникальный характер движения и как искусство могло иногда выражать странные, иногда глубоко тревожные глубины бессознательного.
В отличие от относительно жесткого визуального языка современного кубистского искусства, сюрреалистическое искусство было гораздо более органичным и свободной формой, придавая особое значение символизму и содержанию, а не форме.
10. Аннотация Экспрессионизм
Американский художник Джексон Поллок был одной из центральных фигур абстрактного экспрессионизма
Начиная с 1940-х годов движение абстрактного экспрессионизма способствовало развитию современного искусства, как мы его знаем в течение следующего десятилетия. Нью-Йорк был центром, и ведущие художники, такие как Джексон Поллок, Виллем де Кунинг, Франц Клайн и Марк Ротко.
Часто заполняя огромные полотна динамическими и мощными красками, которые вызывают все от насилия до чувственности и всего, что происходит между ними, художники-абхазы-экспрессионисты привлекли влияние различных художников-авангардистов, прибывших в США в конце 1930-х - начале 1940-х годов, спасаясь от нацистов - заняла Европа.
В отличие от хаотического, энергичного стиля Поллока, работы Марка Ротко, такие как White Cloud Over Purple (1957), более спокойны и структурированы, но не менее выразительны
В отличие от своих предшественников экспрессионизм и пост-экспрессионизм, абстрактный экспрессионизм не пытался изобразить наблюдаемый мир с какой-либо степенью реализма, а скорее передавать эмоциональный отклик. Хотя свободный, спонтанный, полностью абстрактный характер работы является общим фактором, однако, движение включало широкий спектр стилей и приемов.
Известный как живопись действия, один вариант - продемонстрированный Джексоном Поллоком - особенно рыхлый и динамичный, определяемый агрессивными, широкими мазками или частично случайными брызгами и капельками вязкой краски. На другом конце шкалы художники, такие как Марк Ротко, работали с гораздо более тонкими смесями краски, чтобы создать большие прямоугольники с мягким краем плоского цвета.
11. Международный стиль типографии
Эти прекрасно простые графические плакаты Йозефа Мюллера-Брокмана воплощают суть модернизма
Хотя модернизм в его самом широком смысле включает в себя многие авангардные движения в этом списке, которые нарушают границы традиционного художественного выражения, пик модернистского искусства и литературы произошел в годы между Первой и Второй мировыми войнами.
После Второй мировой войны (1945) графические дизайнеры в Швейцарии и Германии разработали сплоченное унифицированное модернистское движение, получившее название Swiss Design или International Typographic Style. Основываясь на рациональном подходе Баухауза, это движение, все еще охваченное многими графическими дизайнерами, связано с функциональностью и универсальностью.
Логические, модульные системы сетки обеспечивали структурированную структуру для выравнивания различных элементов, что сейчас считается важным для большинства форм графического дизайна. Непревзойденная, графическая точность фотографии была предпочтительнее более выразительной иллюстрации, наряду с нейтральными шрифтами без засечек, такими как Helvetica.
Одной из ведущих фигур был Йозеф Мюллер-Брокманн, чьи проекты для плакатов, публикаций и рекламных объявлений помогли определить эстетику Swiss Design - особенно благодаря его длинной серии концертных плакатов Цюриха, которая сочетала геометрические формы, смелые цвета и чистый, без засечек.
По мере развития 20-го века многие многонациональные корпорации приняли чистое единообразие международного типографического стиля для создания фирменных руководств для товарных знаков, цветов и шрифтов и помогали обеспечить последовательное применение на всех носителях.
12. Поп-арт
Один из очень любимых символов движения «Поп-арт»: знаковые отпечатки Энди Уорхола Мэрилин Монро
В первую очередь британский и американский культурный феномен, который приобрел силу в конце 1950-х и 1960-х годов, поп-арт был так назван арт-критиком Лоуренсом Дивайлом из-за того, как он прославлял популярную культуру и возвышал обычные, часто неприметные объекты до знакового статуса - например, суповые банки , дорожные знаки и гамбургеры.
Источники вдохновения варьировались от телевидения до комиксов до рекламы, отвергали притязания на «высокое искусство», а также выразительную, субъективную природу абстрактного экспрессионизма в пользу смелой графической печати.
Хотя многие критики современного искусства высмеивали Поп-арт как вульгарный и сенсационный, его инклюзивный, доступный и демократический характер похвалил других, - и он также оказал определенное влияние на движение Dada 1920-х годов, которое высмеило европейское высокое искусство после Первого Мировая война.
Используя цветные точки и плоские тоны коммерческой печати, стилизованные изображения комиксов Роя Лихтенштейна были еще одним штапелем поп-арта
Печатные репродукции Роя Лихтенштейна в сценариях комиксов были особенно ярким примером эстетики поп-арта, равно как и повторные шелкографические отпечатки Энди Уорхола от мыльных коробок до знаменитостей.
Работа этих американских художников была абсолютной и графической, по сравнению с их британскими коллегами поп-арта, такими как Дэвид Хокни и Питер Блейк, которые взяли более субъективный, почти романтизированный взгляд на поп-культуру со всего пруда.
13. Минимализм
Теперь, принадлежащий Фонду Гуггенхайма, Харран II (1967) Фрэнка Стеллы - завораживающее визуальное взаимодействие линии, формы и цвета
Характеризуемый чрезвычайной простотой формы и очень буквальным, объективным подходом, минимализм возник в Нью-Йорке в конце 1960-х годов, чему способствовало неудовлетворенность спонтанной, грязной субъективностью картины действий в абстрактном экспрессионизме.
Для минималистов этот стиль был слишком несущественным и личным - они считали, что искусство должно быть чистым и самодостаточным, без внешних ссылок. Твердые края, простые формы и чистые линии доминировали в преимущественно двумерных графических работах.
Аннотация Экспрессионизм все еще имел свою долю влияния на движение, но прежде всего более спокойные, более организованные цветные работы художников, таких как Марк Ротко, Барнетт Ньюман и Ад Рейнхардт.
Первый полностью абстрактный рельеф Эллсуорта Келли, Méditerranée (1952), основан на сетке из девяти цветных квадратов
В конечном счете, минимализм заключался в изучении основных элементов художественной формы, устранении посторонних деталей и эмоционального выражения в пользу объективных, чисто визуальных элементов, которые были открыты для интерпретации.
В самом широком смысле, минимализм получил значительное возрождение в таких областях, как брендинг, дизайн и упаковка пользовательского интерфейса, что в немалой степени повлияло на влиятельные глобальные компании, такие как Apple и Google, уделяя приоритетное внимание чистой эстетике, украшенной орнаментом и украшением.
14. Постмодернизм
Эта обложка для журнала WET (1979), написанная в апреле Грейманом и Джейме Одерсом, подводит итог эстетике постмодернизма
Модернизм отмечал социальный прогресс и идеалистическое стремление к утопии. Независимо от того, религиозные или научные, речь шла о том, как универсальные принципы могут осмыслить мир, а художники-модернисты уделяют больше внимания форме, технике и процессу, чем предметам своей работы.
Постмодернизм был реакцией на это отношение. Вместо идеализма и разума был скептицизм, подозрение и отрицание существования универсальных истин, которые могут описывать окружающий нас мир. Постмодернистские художники выступали за сложный индивидуальный опыт и интерпретацию по простой ясности абстрактных принципов, а получившая эстетичность была многослойной и часто противоречивой.
К концу 1970-х годов многие дизайнеры, работающие в модернистской традиции, чувствовали, что потеряли свой новаторский дух и стали устаревшими и академичными. Опрос жесткой «формы следует философии» международного стиля шрифтов, они были вдохновлены разрывать книгу правил и разбивать решетки, бросать вызов ожиданиям и вводить декоративные, подрывные, а иногда и эксцентричные элементы дизайна.
Апрель Грейман был особенно известным постмодернистским дизайнером, часто сотрудничая с фотографом Jayme Odgers над красочными моделями и инновационными типографскими экспериментами. Их журнал WET охватывает, например, коллажи цветных фотокопий с текстурированной бумагой и аэрографическим цветом.
Уильям Лонгхаузер положил постмодернистский поворот на имя архитектора Майкла Грейвса в этом плакате в 1983 году
Еще одним ведущим показателем стиля был Уильям Лонгхаузер, который работал с динамическими геометрическими шаблонами для создания стилизованных типографских аранжировок. В одном конкретном плакате с 1983 года он построил фамилию постмодернистского архитектора Майкла Грейвса из геометрических форм, которые ссылаются на фигуры, узоры и текстуры, найденные в зданиях Грейвса.
С конца 1990-х годов постмодернизм в какой-то степени выходил из моды, хотя подрывная эстетика «анти-дизайна» пользуется популярностью в некоторых областях, таких как музыка и инди-публикация. Однако, несмотря на различные попытки определить период с тех пор - в том числе пост-постмодернизм, транс-постмодернизм, пост-тысячелетие, псевдомодернизм и метамодернизм - ни одна из них не получила основной тенденции.
15. Мемфис
Секция мебели и предметов, разработанная коллекцией Memphis Group в 1980-х годах
Опираясь на многие из постулатов постмодернизма, эстетика дизайна в Мемфисе оспаривала нейтральный, заниженный, функциональный модернизм, который предшествовал ему. Основываясь на дизайне мебели, коллектив Memphis Group был основан итальянским дизайнером Этторе Сотсасом в 1980-х годах и существовал всего шесть лет.
Красочная, яркая мебель была в центре движения, но эстетика продолжала влиять на моду, графический дизайн и многое другое. Простые геометрические фигуры; плоские цвета, объединенные в жирные контрастные палитры; стилизованные графические узоры с черно-белыми полосками и абстрактными squiggles - это ингредиенты вдохновленного Мемфиса дизайна, под влиянием более ранних движений, таких как Pop Art и Art Deco.
Многие из движений в этом списке пользовались значительным долголетием в период их расцвета и влияли на миллионы объявлений по многим различным дисциплинам. Многие приводили к новым движениям, которые были либо взаимодополняющими, либо противоречивыми, поскольку новые отношения и подходы устояли.
Мемфис - один из самых нишевых примеров: несколько итальянских дизайнеров, которые 30 лет назад создали серию причудливых продуктов китча, оказывают влияние на совершенно новое поколение дизайнеров.«Голландская экономика в« золотом веке »(16-17 веков)». Энциклопедия EH.Net, под редакцией Роберта Уотла. 12 августа 2004 г. URL http://eh.net/encyclopedia/the-dutch-economy-in-the-golden-age-16th-17th-centuries/. Оглавление
Следующее Предыдущее Главная страничка
Tags: 15 художественных движений, вы должны знать?. Посмотрите видео ниже, где следовательно, как менялась ее наружность.
Источник:... .
.
.
15 художественных движений, вы должны знать?
.
.
.
.
.
15 художественных движений, вы должны знать?
грустные последствия что не замедлили отразиться..
«15 художественных движений, вы должны знать??»
МНЕНИЕ
15 художественных движений, вы должны знать? ЖИЗНИ
15 художественных движений, вы должны знать? 7 
«15 художественных движений, вы должны знать?»
ПОСЛЕДНЕЕ ОБНОВЛЕНИЕ: 1-3-2017
15 художественных движений, вы должны знать? , символический рассказ, обычно неизвестного происхождения и по крайней мере отчасти традиционный, который якобы связывает фактические события и особенно связан с религиозными убеждениями. Он отличается от символического поведения (культового, ритуального) и символических мест или объектов (храмов, икон). 15 художественных движений, вы должны знать?ы - это конкретные рассказы о богах или сверхчеловеческих существах, участвующих в чрезвычайных событиях или обстоятельствах за время, которое неуточнено, но которое понимается как существующее помимо обычного человеческого опыта. Термин « мифология» означает изучение мифа и тела мифов, принадлежащих к определенной религиозной традиции.
Этот фильм 1973 года, выпущенный Encyclopædia Britannica Educational Corporation, исследует греческий миф как первобытную фантастику, как скрытую историю, и как результат доисторического ритуала.
15 художественных движений, вы должны знать?ологическая фигура, возможно, Диониса, верховая езда на пантере, эллинистическая эмблема опус-тесселлату из Дома масок в Делосе, Греция, 2-го века.
Этот фильм 1973 года, выпущенный Encyclopædia Britannica Educational Corporation, исследует греческий ...
Encyclopædia Britannica, Inc.
15 художественных движений, вы должны знать?ологическая фигура, возможно, Диониса, верховая езда на пантере, эллинистическая эмблема осессела ...
Димитри Пападимос
Как со всеми религиозными Символизм , есть ... (100 из 24 735 слов) года.
«15 художественных движений, вы должны знать?»