15 вещей, которые вы должны знать оЛучшие 5 причин Все, что вам нужно знать о Ранняя музыка Muse размышления о средневековой, ренессансной и традиционной музыке Что такое средневековая музыка? - История, церковная музыка и композиторы Глава 2 / Урок 1 расшифровка видео викторины Курс добавить в добавить в добавить в Хотите посмотреть это позже? Войдите или зарегистрируйтесь, чтобы добавить этот урок к пользовательскому курсу. Войти или зарегистрироваться График Автовоспроизведение Просмотров 94K Создайте учетную запись, чтобы начать этот курс сегодня Попробуйте бесплатно 2 дня! Рекомендуемые уроки и курсы для вас Связанные уроки Связанные курсы Средневековая церковная музыка: григорианский песнь и плащ Средневековая церковная музыка: григорианский песнь и плащ Средневековые композиторы: Хильдегард фон Бинген, Гийом де Махау, Леонин и Перотин Средневековые композиторы: Хильдегард фон Бинген, Гийом де Махау, Леонин и Перотин Школы Ренессанса Композиторы: английский и итальянский Школы Ренессанса Композиторы: английский и итальянский Трубадур: определение, музыка и инструменты Трубадур: определение, музыка и инструменты Стенограмма урока Инструктор: Лиз Алмаз-Мандокус Лиз преподавала музыку для K-12 и за ее пределами. Имеет степень магистра в области медиаобразования и дизайна. В этом уроке вы узнаете о характеристиках средневековой музыки. Вы узнаете о влиянии и силе церкви в музыке и композиторах, которые иллюстрировали эти идеалы, а также тех, кто вывел музыку из церкви и на улицы и королевства по всей Западной Европе. Падение Рима, Восстание Западной Европы Что вы делаете после падения Рима? Вы вечеринка! (Церковный стиль, конечно.) Средневековый период длился примерно с 500-1450 года н.э. и был временем тяжелого церковного влияния. Музыка была, очевидно, до этого времени и имела различные разработки, но в средневековье использование и создание музыки регулировалось церковью. Музыка для Церкви Почему церковь может внезапно навязать правила для такого вольного искусства? Деньги и страх. Церковь была главным покровителем искусств, включая музыку. Многие музыканты обучались в церкви, и у церкви были финансовые средства для покупки таких экстравагантных предметов, как бумага, где в конечном итоге была записана музыка. Наша нынешняя система нотной записи даже уходит корнями в развитие средневековой церкви! Церковь также была полна богобоязненных христиан, которые были преданы служению Богу и не злились на него, и это, конечно же, включало только создание музыки, которая соответствовала бы этой цели. Ранняя средневековая церковная музыка Из-за этих обстоятельств средневековая церковная музыка имела очень специфические правила, в том числе то, что было приемлемо для воспевания молитв. Повторение этого периода времени называется гладиатором и иногда упоминается как григорианское пение , так как папа Григорий стандартизовал воспевание литургии. Он был стандартизирован, чтобы способствовать объединению церквей по всей Европе и избавить прихожан от их надоедливых языческих тенденций. Папе Григорию на самом деле приписывали немало вещей, которые он мог или не мог сделать, включая диктовку этих песнопений от голубя, который спустился с небес и взгромоздился на его плечо. Даже его писарь не совсем поверил ему и должен был заглянуть за экран, чтобы убедиться в этом сам. В любом случае, папа Григорий остается легендарным переписчиком этих песнопений. Сама музыка была монофонической , а это была одна мелодия без гармонии, в результате чего появилась только одна музыкальная часть. Монахи будут петь молитвы вместе в унисон, так что это звучит так. Вы должны заметить, что нет фоновых исполнителей или инструментов. Средне Средне Средневековая церковная музыка Примерно в 900 году была разрешена простая гармония двух вокальных партий. Возможно, это потому, что пение одной части все время скучно или потому, что некоторые монахи не могли петь в мелодии. Этот тип простой двухчастной средневековой гармонии называется органом . Гармония была сделана одним из двух способов: иногда гул, или низкий, непрерывный нот, исполнялся, когда основная мелодия исполнялась одновременно. Сегодня дроны все еще часто используются в музыке волынщиков. В других случаях слова песни будут исполняться на двух разных площадках одновременно. Одним из композиторов средневековой музыки была монахиня по имени Хильдегард фон Бинген . Хильдегард была немецкой монахиней, которая написала более 70 произведений гладиатора. Она известна тем, что написала песни, которые были нехарактерно мелодичными в течение периода времени. Ранняя музыка Muse Индекс статей Около Инструменты для продажи Продажа CD Свадебная музыка Учебные семинары Видео Магазин связи Средневековая музыка: быстрый путеводитель по средневековью Ян Питтавей Кантигас-де-Санта-Мария , ранняя музыка , гиттерн , средневековая , средневековая , Мири , Шумер - 9 июля 2015 г. Кантигас-де-Санта-Мария , ранняя музыка , средневековая , средневековая , Мири , монофония , полифония , Шумер - 1 Комментарий medievaldancers110r_0 Средние века охватывают период в тысячу лет - и все же большая часть его музыкального производства для нас является загадкой. Однако мы не совсем в темноте, поэтому цель этой статьи - дать широкое руководство для начинающих по принципам светской средневековой музыки. Когда были средние века? Откуда мы знаем, как звучит музыка? Каковы были самые ранние сохранившиеся песни? Какова была его танцевальная музыка? Почему средневековая музыка звучит так сильно, как сегодня? Как гармонично сочетались средневековые музыканты? В этой статье представлены 3 иллюстративных видеоролика средневековой музыки и несколько ссылок на другие статьи (нажмите на зеленый текст). Когда были средние века? Средневековый или средневековый период или средневековье охватывает огромный отрезок времени, начиная с 476 г. н.э., после падения Римской империи, до начала ренессанса в 14-15 веках, так что около тысячи года. Франческо Петрарча или Петрарка, 1304-1374, один из создателей, возможно, оригинальный создатель идеи итальянского ренессанса, написанный Андреа дель Кастаньо, c. 1421-1457. Франческо Петрарча или Петрарка, 1304-1374, один из создателей, возможно, оригинальный создатель идеи итальянского ренессанса, написанный Андреа дель Кастаньо, c. 1421-1457. Некоторые историки заняли разделение средневекового периода на две части: «темные века» до 10- го века (от англоцентрического взгляда, то есть до вторжения норманнов в 1066 году, когда язык в Англии был древнеанглийским); и «средневековье» с 11- го века (между нормандским завоеванием и возрождением, в течение которого язык развивался на средний английский язык). Этот раскол является аисторическим взглядом, в котором игнорируется, как термин «средневековье» первоначально был задуман теми, кто его отчеканил. Это были итальянцы 14 и 15 веков, прежде всего Франческо Петрарка или Петрарч, Леонардо Бруни и Флавио Биондо, которые определили себя и свое поколение как возрождение (возрождение) классической римской и греческой мудрости. Таким образом, для людей самоопределенного итальянского ренессанса, который обозначил «средние века», этот термин означал точно и явно то же самое, что и «темные века»: это был целый тысячелетие культурной темноты в середине периода между падением Римской империи и возрождение итальянской культуры ее сокровищ. Идея этого предполагаемого повторного открытия классического римского и греческого искусства и мудрости (это было не так прямолинейно, как это на самом деле) неуклонно распространялась через нацию, а затем распространялась на международном уровне через Европу. Это постепенное расширение идеи делает невозможным дать точную дату окончания средневековья и начала ренессанса, поэтому часто дается номинальная последняя дата около 1470 года. Восстановление средневековой музыки Доминиканские-blackyfriar-монахи Большая часть средневековой светской музыки - тайна. Большинство людей были неграмотными, поэтому большинство музыки не было записано, но прошло и научилось на слух, и, конечно же, мы потеряли его. Музыка, которая была записана, была чаще всего церковной музыкой, так как в основном это были духовенство и монахи, которые могли писать. Эта духовная музыка важна сама по себе, но ее преобладание в сохранившихся манускриптах дает частичный взгляд на создание музыки. Средневековая музыка не сразу доступна для современного музыканта. Были разные системы музыкальной нотации, ни одна из которых не указывала точный ритм до 12- го века. Квадратная нотация - теперь самая известная система, разработанная в этот период, и как только вы знаете квадратную нотацию, некоторые из них легко читаются. Иногда это было написано не очень точно, или было написано с бедной ручкой, и поэтому имели неопределенные или неразборчивые значения примечаний, что является адекватным, если вы знаете, как это должно звучать, что они и сделали, но мы не знаем, т. Нам очень редко приходится иметь представление о том, что предназначенный инструмент должен сопровождать голос (если вообще) или играть на танцах, поэтому мы должны сделать свой собственный выбор из скудной доступной информации и нашего собственного восприятия того, что звучит правильно. Но есть много сокровищ средневековой музыки. Одним из самых заметных является Кантигас-де-Санта-Мария , книга с 420 песнями в честь Девы Марии, составленная во время правления Альфонса X, «Мудрый», 1221-1284, который был королем восьми регионов в современный день Испании и один в Португалии. Во время своего правления Альфонсо сочинил, скомпилировал и отредактировал большое количество книг с предметами от искусства и литературы до научных текстов, переведенных на кастильский язык с арабских оригиналов. Мелодии Кантигаса были адаптированы из священных источников или популярных мелодий с обеих сторон Пиренеев, в том числе некоторые из песен трубадуров в Провансале и других, которые поражают сходства с арабской музыкой. Книга Cantigas , составленная в 1257-1283 годах, прекрасно иллюстрируется картинами музыкантов, давая нам много информации о инструментах дня, и ее музыкальная нотация превосходно понятна. CantigasMulti12 Инструменты, показанные в Cantigas de Santa María , 1257-1283 (нажмите, чтобы увидеть увеличенную версию). Верхняя строка, слева направо: неизвестно; двойные шары; арфы; трубы и табы; волынки. Нижняя строка, слева направо: симфонии; rebab и oud; трубы мочевого пузыря; волынка; псалтири. На Cantigas сильно повлияли лирика и музыка трубадуров , поэтов и певцов того, что сейчас южная Франция. С конца 11- го века до конца 13- го века трубадуры разработали несколько стилей песни, наиболее известную из причудливой лирики любви. Их влияние было широко распространено и значительным, простираясь далеко за пределы южной Франции и долгое время после жизни писателей трубадуров. Самые ранние песни на английском языке Светская средневековая музыка на английском языке нам совершенно неизвестна до первой половины 13- го века, когда была записана Мири ( Веселая ), и она жалуется на холодную зимнюю погоду. Хорошо помнить, слушая эту песню, насколько опасно в этом сезоне в 13 веке: неадекватное хранение зимних положений означало голод. Мири - это время, в то время как ожидание, датированное c. 1225, выполненный на средневековой арфе Ян Питтавей. В настоящее время стандартная версия не соответствует тому, что было написано в оригинальном единственном источнике, поэтому, если вы знакомы с песней из современных записей, многие из заметок и, действительно, открывающее слово, Мири, не будут тем, что вы «Слушал. В рукописи четко указаны примечания и слова в этой записи (включая три слога Мира-и-е). Музыка была написана в случайной руке с ручкой, которая имела толстый наконечник, поэтому некоторые из ритмов неясны, и суждения необходимы в местах. Остаются только слова и мелодия одной строки, поэтому аккомпанемент арфы - Ян Питтавей, созданный с использованием средневековых музыкальных принципов. Нажмите на картинку, чтобы начать видео - открывается в новом окне. Мири - это время, в то время как сумерки , датированные первой половиной XIII века, исполнялись на средневековой арфе Ян Питтавей. В настоящее время стандартная версия не соответствует тому, что было написано в оригинальном единственном источнике, поэтому, если вы знакомы с песней из современных записей, многие из заметок и, действительно, открывающее слово, Мири, не будут тем, что вы «Слушал. Для получения дополнительной информации о реконструкции этой песни нажмите здесь . За этим последовал Шумер, в котором ( летом пришло лето ) около 1250 года, другая песня о погоде, но в более счастливой ноте, радуясь зрелищам и звукам лета: бледность эу и бледность пупка (честно говоря, Я этого не делаю). Шумер - это icumen in, это две песни в одном, так как текст включает в себя христианскую песню Perspice christicola , к той же мелодии. Шумер - это иксен (лето пришло), в. 1250, примерно через 25 лет после Мири. Нажмите на картинку, чтобы начать видео - открывается в новом окне. Спектакль Шумера - это икмен в ( лето пришло ), написанное c. 1250, примерно в то же время, что и Мири . Средневековые танцы и танцевальная музыка Девичник с танцорами, начало 15 века. Там, как правило, были две разновидности средневековой танцевальной музыки: либо каждая секция начиналась так же и заканчивалась по-разному; или каждый раздел заканчивал то же самое и начинал по-другому. Это касается почти всех средневековых танцевальных форм: эстампы, гротта, трота, королевский танец, солярило. Часто мы обнаруживаем, что последующие разделы танца становятся длиннее, что указывает на стиль средневековых танцев. Но никакие танцевальные инструкции не выживают до рукописи Гресли в. 1500, найденный в Эшфорде, Дербишир в 1984 году, поэтому мы мало знаем о том, как исполнялись средневековые танцы, и о каких инструментах они предназначались для игры, поэтому мы должны принести свой художественный и творческий смысл, интерпретируя подсказки, найденные в иконографии и краткие разбросанные ссылки в письменной форме. Почему средневековая музыка звучит так сильно, как сегодня? Есть несколько причин, по которым средневековая музыка имеет такой отличительный звук, который отличается от современной музыки. Инструменты были разными. Струны были сделаны из кишечника (кишечника овец) или проволоки (латунь, железо, бронза, серебро или золото), а не сталь или нейлон, поскольку сегодняшние струны имеют тенденцию быть. Многие инструменты, такие как simfony, citole и gittern, не имеют современных эквивалентов. Даже инструменты, которые мы по-прежнему играем в версиях сегодняшнего дня - арфа и рекордер, например, и современный гобой, который происходит от шала, - были изготовлены по разным техническим характеристикам, что привело к совершенно другому тональному качеству. Ян ван Эйк (1395-1441), деталь из «Источника Жизни» Ян ван Эйк (1395-1441), деталь из «Источника Жизни», показывающего псалтири, луту и ​​брызжу. Масштабы или режимы были разными. Вкратце, все современные основные и второстепенные шкалы работают на одни и те же музыкальные принципы, с одинаковыми разрывами между 8 нотами шкалы, просто они разбросаны по-другому: так что майор и майор звучат одинаково, за исключением того, что D major запускает тон выше. Это не так с режимами. Отсутствие острых предметов и квартир в средневековой музыке (за некоторыми исключениями) означает, что связь между нотами для режима, начинающегося на D (дориане), отличается от режима, начинающегося с E (фригийского). Кроме того, в каждом средневековом режиме есть возвращающая записка, которая играет ключевую роль в мелодии, эта заметка известна как тенор , туба , доминанта , реперкусса или заметка ; и каждый режим имеет свои характерные фигуры или мелодичные кластеры заметок. Добавьте к этому тот факт, что некоторые режимы начались и закончились в одном и том же месте, известные как аутентичные режимы, и другие начали на одной ноте и закончились на другом, известном как плагиновые режимы, и мы видим, что средневековая концепция звука была непохожа на нашу. И поэтому гиполидийский режим, который начинается на C, на самом деле не похож на современную C-майку, так как это плагиальный режим, его финал или финальная нота - F, а также с характерными мелодическими фигурами и тенор или примечание A. Практически это означает, что средневековая псалтирь или арфа потенциально является проблемой для игрока современной музыки, поскольку они диатоничны, не имея постоянной доступности острых предметов и квартир. Но средневековый звуковой мир был другим, и диатонический инструмент идеально подходит для средневековой диатонической музыки. (Более подробное рассмотрение средневековых режимов будет вскоре опубликовано в отдельной статье). Средневековая гармония Гармонии тоже были разные. Сегодня «гармония» обычно означает единственную линию мелодии с другими примечаниями, дополняющими ее, чтобы сформировать поддерживающие аккорды. Средневековая гармония не срабатывала так: в средневековой полифонии каждый гармонизирующий голос имеет свою собственную индивидуальную мелодию. Средневековая музыка была (i) монофонией, единственной линией мелодии; или (ii) мелодия с гулом; или (iii) орган, который по-разному означает мелодию со второй строкой, которая отслеживает первый с длинными нотами с согласованными интервалами или с параллельной октавой, четвертой или пятой или двумя частями в противоположном движении или дополнительной линией с быстрым движением, работающие заметки; или, (iv) как с Шумером является icumen in , мелодия поверх наземного или наземного баса, короткая повторяющаяся фраза, которая продолжается по всей части. Не позволяйте термину «базовый бас» дать вам неправильную идею: это не «басовая партия» в современном смысле сопрано, альт, тенор и бас (SATB), но повторяющаяся фраза " основать "музыку. Шумер - это икумен в самом раннем сохранившемся примере английского раунда, где голоса поют одну и ту же линию, но начинаются в разное время, а это означает, что никто не поет «свинец», а линия каждого человека так же важна, как и другая. Этот же принцип равенства всех голосов относится к английскому танцу без названия в рукописи Harley 978, того же источника, что и Шумер , который имеет две дополнительные линии музыки, движущиеся в основном в противоположном движении, как мы слышим в видео ниже. Нажмите на картинку для воспроизведения видео - откроется в новом окне. Эта инструментальная двухкомпонентная полифоническая деталь - из Harley 978, folio 8v.-9, England, 1250-1275, и без названия в рукописи. В современных комментариях он часто называют ductia (нетекстурированные, фразы равной длины), но он также может соответствовать описанию ноты (нетекстовой, типа ductia, 4 фразы равной длины). Оба описания даны Йоханнесом де Грохио (или Грочео, или Жан де Груши), теоретиком Парижской музыки, в его музыке Ars ( Искусство музыки ), c. 1300. В этом спектакле мы слышим «низвержение канта» на гиттерне, сопровождаемое ребером-дроном, «авангардом» на ребе, сопровождаемом дроидом-гитлером, затем две части играли вместе, в основном, в противоположном движении. До конца средневековья полифонические части были расставлены близко друг к другу, их заметки иногда переплелись между собой. Только в композициях английского музыканта Джона Данстапле (или Данстебле) в 15- м веке у нас были голоса, разбросанные широко, новая практика, которая была чрезвычайно влиятельной и стала известна в Европе как «английское лицо», отмечая начало того, что должно было стать средневековым, возрожденным стилем музыки. История музыки 102: Средние века Традиции западной музыки можно отнести к социальным и религиозным событиям, которые происходили в Европе в средние века, примерно в течение примерно от 500 до 1400 нашей эры. Из-за господства ранней католической церкви в этот период священная музыка был наиболее распространенным. Начиная с Григорианского Песня , священная музыка медленно превратилась в полифоническую музыку, называемую органом, исполненную в Нотр-Дам в Париже в двенадцатом веке. Светская музыка также процветала в руках французских труров и трубадуров , пока этот период не достиг кульминации священных и светских композиций первого истинного гения западной музыки Гийома де Махаута . Музыка была частью цивилизаций мира в течение сотен лет до средневековья. Первобытные рисунки пещеры, рассказы из Библии и египетские гейроглифы свидетельствуют о том, что люди создали инструменты и веками занимались музыкой. изображение средневекового искусства греческой Музы Слово « музыка» происходит от древнегреческих муз , девяти богинь искусства и науки. Первое исследование музыки как художественной формы датируется примерно 500 г. до н.э., когда Пифагор экспериментировал с акустикой и математическими отношениями тонов. При этом Пифагор и другие установили греческие режимы : шкалы, состоящие из целых тонов и половинчатых шагов. С медленным появлением европейского общества из темных веков между падением Римской империи и преобладанием католической церкви десятки «мини-королевств» были созданы по всей Европе, каждый из которых возглавлялся лордом, который боролся за и выиграл землю. В основном из-за суеверного страха ранние католические лидеры смогли претендовать на абсолютную власть над этими феодалами. Церковь смогла диктовать прогресс искусств и писем в соответствии со своими собственными ограничениями и нанимала всех книжников, музыкантов и художников. В это время западная музыка была почти единственной собственностью католической церкви. ноты грегорианского песнопения Григорианский напев Ранняя христианская церковь извлекла их музыку из существующего еврейского и византийского религиозного пения. Как и вся музыка в западном мире до этого времени, гладилка была монофонической : то есть она включала одну мелодию без какой-либо гармонической поддержки или аккомпанемента. Множество сотен мелодий определяется одним из восьми греческих режимов , некоторые из которых очень сильно отличаются от основных / мелких масштабов, которые наши уши используются сегодня. Мелодии свободны в темпе и, похоже, мелодично блуждают, продиктованные латинскими литургическими текстами, на которые они установлены. Поскольку эти песнопения распространялись по всей Европе, они были украшены и развивались по разным направлениям в разных регионах и в соответствии с различными сектами. Считалось, что папа Григорий I (царствовал 590-604) кодифицировал их в шестом веке, установив единообразное использование во всей западной католической церкви. Хотя его фактический вклад в этот огромный музыкальный материал остается неизвестным, его имя было применено к этой музыке, и оно известно как григорианский песнь . Грегорианское пение остается одним из самых духовно движущихся и глубоких музыкальных произведений западной культуры. Идея его чистой, плавающей мелодии можно услышать в пасхальном гимне Жертва пащали хвалится. Много лет спустя, композиторы эпохи Возрождения полифонии очень часто использовали гладильные мелодии в качестве основы для своих священных произведений. Нотр-Дам и Арс Антиква Когда-то в девятом веке музыкальные теоретики в Церкви начали экспериментировать с идеей пения двух мелодических линий одновременно с параллельными интервалами, обычно на четвертой, пятой или октавной. Получившаяся духовая музыка называлась органной и очень медленно развивалась в течение следующих ста лет. К одиннадцатому столетию один, два (и намного позже, даже три) добавили мелодические линии, которые больше не двигались параллельно, но противоречили друг другу, иногда даже пересекались. Первоначальная мелодия пения была спеть очень медленно на длинных удерживаемых нотах, называемых тенор (от латинского тенера , что означает « держать» ), и добавленные мелодии, которые были сплетены и украшали полученный дроун. Эта музыка процветала в соборе Нотр-Дам в Париже в двенадцатом и тринадцатом веках, а позже стала известна как Арс Антикэ или «старое искусство». Два композитора из Нотр-Дама, особенно известных в этом стиле, - Леонин (около 1163-1190) , который сочинил орган для двух голосов, а его преемник Перотин (в начале XIII века) , чье тело включало три и даже четыре голоса. Музыка Перотина - отличный пример этой очень ранней формы полифонии (музыка для двух или более одновременно звучащих голосов), что можно услышать в его настройке Принципы Sederunt. Эта музыка медленно вытеснялась более плавными контурами полифонической музыки четырнадцатого века, которая стала известна как Ars Nova . средневековая картина трубадуров вокруг фонтана Труавэр и Трубадуры Популярная музыка, обычно в форме светских песен, существовала в средние века. Эта музыка не была связана традициями Церкви, и она даже не была записана в первый раз до тех пор, как после десятого века. Сотни этих песен были созданы и исполнены (и позже обозначены) группами музыкантов, которые процветали по всей Европе в XII и XIII веках, самыми известными из которых были французские трубы и трубадуры . Монофонические мелодии этих странствующих музыкантов, к которым, возможно, добавили импровизированные аккомпанементы, часто были ритмично живыми. Предметом подавляющего большинства этих песен является любовь, во всех ее перестановках радости и боли. Один из самых известных из этих trouvères, известных нам (большая часть этих мелодий - вездесущим «Анонимным») - Адам де ла Галле (около 1237-1289) . Адам - ​​композитор одного из старейших произведений светского музыкального театра, известного на Западе, Ле Чжу де Робин и Марион . Он также был идентифицирован как писатель множества песен и стихов, некоторые из которых имеют форму мотета , часть, в которой два или более разных стиха (обычно с сильно контрастируемым содержанием и метром) сочетаются одновременно, без в отношении того, что мы сейчас рассматриваем как обычные гармонии. Такая штука De ma dame vient! от этого знаменитого trouvère. Хотя светская музыка, несомненно, игралась на инструментах в средние века, инструментальная танцевальная музыка не пришла в себя до позднего Возрождения . изображение средневекового искусства Гийом де Махау и Арс Нова Родился: регион Шампань во Франции, ок. 1300 Умер: Реймс, 1377 Получив духовное образование и взяв Святые ордена, карьера Макау поэта и композитора вылетела, когда он присоединился к суду Иоанна, герцога Люксембургского и короля Богемии около 1323 года, служил секретарем короля до смерти этого монарха в битве при Креси в 1346 году. Когда-то до этого Махаут поселился в Реймсе, где он оставался до своей смерти, служил в каноне в соборе. Его услуги в качестве композитора были найдены важными покровителями, в том числе будущим Карлом V Франции. Его поэзия была известна во всей Европе, и его поклонники включали Джеффри Чосера. Магату, вероятно, лучше всего помнят за то, что он был первым композитором, создавшим полифоническую обстановку Обыкновенной католической мессы ( Обыкновенный - те части литургии, которые не меняются, в том числе Кирие, Глория, Кредо, Санктус и Агнус Деи ) , Новый стиль четырнадцатого века, получивший название « Арс Нова » композиторами того времени, можно услышать в «Глории» от Махаута Messe de Notre Dame. Этот новый полифонический стиль уловил композиторов и проложил путь к цветению хоровой музыки в эпоху Возрождения . Несмотря на то, что сегодня месса, вероятно, является его самой известной работой, Махаут также сочинил десятки светских песен о любви, также в стиле полифонического «нового искусства». Эти песни олицетворяют придворную любовь, обнаруженную вокальным искусством прошлого века, и захватывают всю радость, надежду, боль и сердце придворного романса. Светские мотивы средневековья в конечном итоге превратились в великое излияние любовного лирика, воплощенного в музыке великих ренессансных мадригалистов . Гийом де Махаут - первый композитор в истории западной музыки, который, казалось, осознавал свои художественные достижения и свое место в истории. Чтобы убедиться в этом месте, Махаут увидел, что его работа была тщательно скопирована и искусно проиллюстрирована, первым известным примером композитора, таким образом сохраняя свою собственную работу для потомков. Средний возраст Традиция пения молитв и псалмов простирается в тени ранней цивилизации. Такое священное пение часто сопровождалось инструментами, и его ритмический характер был отмечен. Однако в синагоге поющие молитвы часто сопровождались без сопровождения. Ритуальный танец был исключен из синагоги, так как ритмичный характер сакральной музыки сдавал свои более чувственные аспекты. Даже в самих молитвах ритмический стих уступал место прозе. Исключение женщин, возвышение унисонного пения и исключение инструментов помогли установить четкую дифференциацию между музыкальным исполнением в синагоге и улицей. Традиция музыкального исполнения христианской церкви выросла из литургической традиции иудаизма. Мелодические формулы для пения псалмов и прочтения других прочтений в Священных Писаниях, очевидно, основаны на гебраических моделях. Музыка в римском Католическая литургия проводилась в основном для массы . Первоначально музыка исполнялась священником и конгрегацией, до тех пор, пока со временем из собрания не появилась особая группа певцов, хор , который принял на себя музыкальную роль ответа и противопоставления сольному пению священника. Женщины активно участвовали в музыкальных выступлениях в древней христианской церкви до 578 года, когда были восстановлены более старые иебраистические практики, исключающие их. С этого времени до XX века хоры Римско-католической церкви состояли исключительно из мужчин и мальчиков. Первая кодификация ранней церковной музыки, по общему мнению, была сделана Папой Римским Григорий I во время его правления (590-604). Коллекция Грегори была выбрана из уже существующих песнопений. Его кодификация назначила эти песнопения конкретным службам в литургическом календаре. В целом он укрепил простое, духовное, эстетическое качество литургической музыки. Музыка в этой коллекции служит образцом мелодического дизайна даже в 21 веке и считается одним из памятников западной музыкальной литературы. Эта школа унисонного литургического пения называется гладиатором, равниной или Григорианское пение . Конкретные подробности о том, как был выполнен пение, были утрачены. Есть предположения, что качество звука, которое певцы использовали, было несколько тоньше и носовым, чем у современных певцов. Подлинный ритмический стиль пения не может быть установлен . Существует теория, однако, что основные ритмические единицы имеют одинаковую долговременную ценность и были сгруппированы в нерегулярно чередующиеся группы из двух и трех. Уровни высоты и темпы, по-видимому, несколько отличались по этому случаю. Есть сохранившиеся рукописные обозначения, напоминающие певцам быть осторожными и скромными в их работе, указывая на то, что для даже самых ранних литургических музыкантов существовали соблазны невнимательности и чрезмерного вокального отображения. В то время как современные музыкальные традиции на Западе в значительной степени основаны на принципах античности, сохранившихся в нотной музыке ранней церкви, мирская музыкальная практика существовала; но из-за повсеместного влияния церкви разделительная линия между священными и светскими аспектами была тонкой на протяжении всей хорошей части средневекового периода. Несколько видов более поздней светской песни сохранились. Музыкальные нотации по большей части неадекватны, чтобы дать точное впечатление от музыки, но известно, что она сохранила существенный монофонический характер литургической музыки. Один любопытный тип светской песни, поведенческий , возник в самой церкви. Эта песня не использовала традиционные литургические мелодии или тексты, но была составлена ​​для пения в литургических драмах или для шествий. По этой причине он иногда касался предметов, не религиозных по своему характеру. goliard песни начиная с 11-ого столетия являются одними из самых старых примеров светской музыки. Это были часто непристойные латинские песни из странствующих богословских учеников, которые в период до основания больших университетских центров в XIII веке росли довольно неуважительно из школы в школу. Несколько других групп средневековых исполнителей разработали литературные и музыкальные жанры, основанные на местных текстах: jongleurs , группа путешествующих артистов в Западной Европе, которые пели, делали трюки и танцевали, чтобы зарабатывать себе на жизнь; трубадуры на юге Франции и trouvères на севере; и миннезингеры , класс художников-рыцарей, которые писали и пели любовные песни с оттенком религиозного пыла. Инструменты, такие как vielle , арфа, псалтырь, флейта, шалм, волынка и барабаны, использовались в средние века для сопровождения танцев и пения. Трубы и рога использовались благородством, а органы, как портативные (подвижные), так и позитивные (стационарные), появились в больших церквях. В общем, мало что известно о светской инструментальной музыке до XIII века. Сомнительно, что это сыграло важную роль, помимо аккомпанемента . Тем не менее, возможность сопровождения литургической музыки не устранена современными учеными. Средневековое музыкальное развитие с наиболее значительными последствиями для музыкального исполнения было связано с полифонией, непосредственно связанной, как указано выше, с опытом исполнения литургического пения. Для исполнителей и выступления, возможно, самые важные события после полифония были уточнениями ритмического обозначение, необходимое для сохранения синхронных независимых мелодических линий. Сначала использовался очевидный визуальный метод вертикального выравнивания; позже, когда верхние голоса стали более сложными по сравнению с более низкими (пессимированными) нижними, и, таким образом, сочиняя в баллах лишнее пространство, более символические методы обозначения ритма , наиболее важные в новом соборе Нотр-Дам и вокруг него в Париже , В 14-ом столетии, частично из-за снижения политической мощи церкви, установление новых событий в музыке перешло от священного поля к светскому, от церкви к суду. Этот сдвиг привел, в свою очередь, к инструментальная музыка и исполнение. Уже начались более низкие голоса на инструментах - как из-за того, что их длинные ноты затрудняли пение, так и потому, что их тексты (всего лишь нескольких слогов) стали бессмысленными за пределами их оригинальных литургических позиций. Теперь, когда светские князья стали все более важными покровителей композиторов и исполнителей - ситуация, которая будет продолжаться хорошо в XVIII веке - светская и инструментальная музыка процветала. Полифоническая музыка церкви слилась с поэтическим искусством трубадуров, а двумя самыми важными композиторами эпохи были слепой флорентийский органист Франческо Ландини и французский поэт Гийом де Махау , канон Реймса. Большая часть музыки этих композиторов, похоже, была предназначена для совместного вокально-инструментального исполнения, хотя это редко указывается в рукописях. У средневековых композиторов, вероятно, не было никаких жестких ожиданий в отношении средств массовой информации. До 17-го века и даже до 19-го в случае внутреннего исполнения выбор инструментов, вероятно, зависел бы от доступных исполнителей, как и от всего остального. Однако многие источники указывают на то, что средневековые музыканты склонны разделять инструменты на две группы: громкую и мягкую ( haut и bas , или, в общем, ветер и строка ) и предпочитают контрастные звучности в этих группах для максимальной дифференциации отдельных частей. Наружная или церемониальная музыка будет исполнена громкими инструментами (шалом, бомбардиром, тромбоном, органом); музыкальная комната с мягкими (лютня, скрипка, рекордер, арфа). Картины и рукописные иллюстрации того периода показывают, что в светской деятельности присутствовали как разнообразные колокола, барабаны, так и другие перкуссионные инструменты и инструменты с беспилотными волынками, скрипками, двойными рекордерами, hurdy-gurdies. Детали для этих инструментов никогда не встречаются в музыкальных источниках и должны быть реконструированы для современной работы. Нотация средневековой музыки часто вводит в заблуждение для современного исполнителя. Случайности (острые предметы и квартиры, называемые тогда musica ficta ) часто были опущены как понятые. Кроме того, кажется вероятным, что вариации, приукрашивание и импровизация были очень важными элементами средневековой работы. Известно, что фрагменты второй части вокальной музыки 15-го века были усилены третьей частью третьей части, в технике под названием fauxbourdon ; обозначение 15-го века basse danse состоял только из одной строки неизведанных длинных нот, очевидно используемых исполнительской группой из трех инструменталистов для импровизации, а также как диаграмма современного джазового комбо. Ренессанс Сама концепция импровизации как простой подкатегории в практике исполнения может возникнуть только после изобретения музыкальная печать , которая вначале имела мало заметного влияния на производительность. Экстремальное украшение полифонической музыки продолжалось и усиливалось в XVI веке в инструментальном, вокальном и комбинированном исполнении, как светском, так и священном. Позже в столетии литургическая музыка снова стала менее экстравагантной после Совет Трент (1545-63), который приказал, чтобы массы пели «четко и с правильной скоростью», и что пение « состоит в том, чтобы не доставлять пустое удовольствие слуху, но таким образом, чтобы слова могли быть ясно поняты всем ». Музыкальная печать сначала была слишком дорогой, чтобы серьезно изменить социальную структуру музыкальной деятельности; традиции хвастовства и исключительности, воплощенные в музыке, написанной Гийом Дюфай для бургундского двора начала 15-го века продолжался в великолепных музыкальных заведениях итальянских ренессансных князей и пап. Существуют подробные описания сложных музыкальных праздников, устроенных для свадеб и крещений сильной флорентийской семьи, Медичи . Печать увеличила распространение, а также выживание этих произведений; но, как и предыдущий бургундский шансон, и в отличие от современного парижского шансона, который был брошен в более популярную форму, они тем не менее были в основном предназначены для избранной группы дискриминационных исполнителей. Печать, как музыки, так и книг, документирует все возрастающее развитие и изощренность инструментальной музыки в течение 16-го века. Печатные описания инструментов датируются 16-м веком. Их обсуждения тюнинг и техника обеспечивала потребности профессиональных и непрофессиональных музыкантов. Растущая тенденция к созданию инструментов в семьях (целые супруги однородного тембра, высокого, среднего и низкого), тенденция, возможно, связана с недавним расширением на обоих концах музыкального масштаба: с большим количеством свободного пространства, контрапунктированные части больше не пересекаются так часто и не нуждалось в дифференциации, обеспечиваемой заметно контрастирующими тембрами средневековой «сломанной супруги». ПРЕДЫДУЩАЯ СТРАНИЦА Исторические стилистические события СТРАНИЦА 3 ИЗ 5 СЛЕДУЮЩАЯ СТРАНИЦА 17-го и 18-го веков Подробнее в этих связанных статьях Britannica: Крестьянский танец, масло на дереве Питера Брейгеля Старшего, c. 1568; в Художественно-историческом музее Вены. танцевальная музыка Многие термины, используемые в отношении танцевального ритма, такие как темп, динамика и ритм, происходят из музыки, поскольку большинство танцев либо настроено на музыку, либо сопровождается им. Особенно в тех случаях, когда хореограф устанавливает танец ранее ... Рисунок 1: Графические представления звуковой волны. (A) Воздух в равновесии, в отсутствие звуковой волны; (B) сжатия и разрежения, которые составляют звуковую волну; (C) поперечное представление волны, показывающее амплитуду (A) и длину волны (λ). звук: отражение ... концертного зала для музыкального исполнения или других функций. В случае световых волн, проходящих через воздух через стеклянную пластину, тщательный осмотр показывает, что часть света отражается на каждом из интерфейсов воздушного стекла, а остальная часть проходит через стекло. Это же явление происходит ... Египетские танцы, деталь из картины гробницы из Шейха Абд аль-Курны, Египет, c. 1400 bce; в Британском музее в Лондоне. Западный танец: танец в театре Американский музыкальный театр пользовался техникой театральных танцевальных форм. Хореографы балета и современного танца также создали произведения для музыкальной комедии. Агнес деМил хореографировал Родео (1942) для балета Руссе де Монте-Карло, а затем создал множество современных работ для Американского театра балета, ... хоровая музыка ... квартетом) позволяет многим любителям-музыкантам наслаждаться, как члены команды, музыкой, которая в противном случае могла бы избежать их знаний ... театральная музыка ... и его американская форма, музыкальная ... Подробнее о музыкальной деятельности 12 ссылок, найденных в статьях Britannica Ассортимент акустика В акустике: Время реверберации В звуке: Отражение хоровая музыка В хоровой музыке микрофоны В электромеханическом преобразователе: линейность и направленность каввали В qawwali театр В театральной музыке балет В театральной музыке: Музыка для балета танец В танце: музыка В западном танце: танец в театре мюзиклы В руководстве: Кастинг ПРОСМОТРЕТЬ БОЛЬШЕ Дополнительное чтение История статьи Авторы статей ОБРАТНАЯ СВЯЗЬ Поправки? Обновления? Помогите нам улучшить эту статью! Обратитесь к нашим редакторам с отзывами. ПОХОЖИЕ ТЕМЫ Музыкальное выражение Школа Нотр-Дама Карлос Сантана Акцент Хью Масекела рубато Музыкальная композиция пение импровизация Группа Дети Britannica ПОХОЖИЕ ТЕМЫ импровизация Евровидение Музыкальная композиция Музыка Клезмера Музыка в стиле соул тон рок 12-тональная музыка Индийская музыка Reggae ИЗБРАННЫЕ СТАТЬИ НА BRITANNICA ДЕМИСТИФИЦИРОВАННЫЙ / НАУКА Насколько смертоносным является Quicksand? Иллюстрация для Demystified «Насколько опасен Quicksand» СПИСОК / ИСТОРИЯ 7 монархов с неудачными прозвищами Карл II (1630-85), король Великобритании и Ирландии (1660-85), вошел в Лондон 29 мая 1660 года после восстановления монархии; без конца. ДЕМИСТИФИЦИРОВАННЫЙ / ТЕХНОЛОГИЯ В чем разница между эмози и смайликами? Набор смайликов. Набор значков улыбки. QUIZ / FOOD Шоколад Шоколад, завернутый в фольгу СПИСКИ И ВИКТОРИНЫ BRITANNICA Премьер-министр Уинстон Черчилль, президент Франклин Рузвельт и премьер-министр Иосиф Сталин выступают с ведущими офицерами-союзниками на Ялтинской конференции в 1945 году. Руководители «большой тройки» встретились в феврале 1945 года. Вторая мировая война, Вторая мировая война. ИСТОРИЯ WWII: союзники, оси или партнеры? Иммануил Кант (1724-1804), немецкий философ. Печать опубликована в Лондоне 1812 года. Профиль портрет, окруженный Ouroboros древний египетско-греческий символический змей с хвостом во рту, пожирающий себя, представляющий единство материального и духовного в вечном ци ФИЛОСОФИЯ И РЕЛИГИЯ Философы, чтобы знать, часть II Адольф Гитлер, давая нацистский салют. Право Гитлера - Рудольф Гесс. 1939. ИСТОРИЯ Адольф Гитлер Испанская гражданская война (1936-1939), лоялистские пулеметчики, 1937 год. СПИСОК ИСТОРИИ Сроки гражданской войны в Испании АКТУАЛЬНЫЕ ТЕМЫ Зевс Французская и индийская война Индонезия Прогулки по свободе Древний Рим комменсализм Христофор Колумб Список супергероев Политика одного ребенка Китай Дети Britannica СВЯЗЬ С BRITANNICA Введение Аспекты западной музыкальной работы Исполнитель как интерпретатор Средние показатели производительности Художественный темперамент Национальные особенности Исторические стилистические разработки Развитие западной музыкальной работы древность Средние века Ренессанс 17 и 18 веков XIX век 20-й век и далее Незападные музыкальные представления Южная Азия Юго-Восточная Азия Китай и Япония × subscribe_icon Дети Britannica ВЫУЧИТЬ БОЛЬШЕ ПРОДОЛЖАЙТЕ ИССЛЕДОВАТЬ BRITANNICA простофиля Анимация Анимация, искусство создания неодушевленных объектов, кажется, перемещается. Анимация - это художественный импульс, который ... Читать эту статью Rolling Stones в середине 1960-х. рок Рок, форма популярной музыки, появившаяся в 1950-х годах. Несомненно, что к концу ... Читать эту статью Il trovatore опера Опера, постановка драмы, созданная для музыки в полном объеме, состоящая из вокальных произведений с инструментальным сопровождением ... Читать эту статью ПРОСМОТРЕТЬ БОЛЬШЕ ОСТАВАЙСЯ НА СВЯЗИ О нас О наших объявлениях Партнерская программа Свяжитесь с нами политика конфиденциальности Условия эксплуатации © 2018 Encyclopædia Britannica, Inc. СОДЕРЖАНИЕ СТРАНИЦА 3 ИЗ 5 Обзор средневековой музыки инструменты Gemshorn Alt Gemshorn Alt Инструменты, используемые для исполнения средневековой музыки, все еще существуют, но в разных формах. Флейта когда-то была сделана из дерева, а не из серебра или другого металла, и могла быть сделана в виде выдутого или выдутого инструмента. Рекордер более или менее сохранил свою прошлую форму. Gemshorn похож на магнитофон с отверстиями для пальцев на передней панели, хотя на самом деле он является членом семьи окарины. Один из предшественников флейты, пан-флейта, был популярен в средневековые времена и, возможно, был эллинским происхождением. Трубы этого инструмента были сделаны из дерева, и они были выпущены по длине, чтобы производить разные смолы. Средневековая музыка использует множество щипковых струнных инструментов, таких как лютня, мандора, гиттерн и псалтирь. Цульцимеры, подобные по структуре псалтири и цитрам, первоначально были сорваны, но были поражены в четырнадцатом веке после прихода новой технологии, которая сделала металлические струны возможными. Gittern Gittern Поклонившаяся лира Византийской империи была первым зарегистрированным европейским инструментом с пологом. Персидский географ Ибн Хуррададхих из девятого века (д. 911) привел византийскую лиру в своем лексикографическом обсуждении инструментов как поклонившегося инструмента, эквивалентного арабскому рабабу и типичному инструменту византийцев вместе с ургуном (органом), шиляни ( вероятно, тип арфы или лиры) и саландж (вероятно, волынка). Hurdy-gurdy был (и до сих пор) механической скрипкой, используя нарисованное деревянное колесо, прикрепленное к рукоятке, чтобы «поклониться» своим струнам. В то время были популярны инструменты без звуковых ящиков, таких как челюстная арфа. Ранние версии органа, скрипки (или vielle) и тромбона (так называемый мешок) существовали. Жанры Средневековая музыка была и священной, и светской. В ранний средневековый период литургический жанр, преимущественно григорианский пение, был монофоническим. Полифонические жанры начали развиваться в эпоху высоких средневековья, становясь преобладающими в тринадцатом и начале четырнадцатого века. Развитие таких форм часто ассоциируется с Ars nova. Самые ранние нововведения на монофоническом гладинге были гетерофоническими. Орган, например, расширился на мелодию слайдера, используя сопутствующую линию, исполняемую с фиксированным интервалом, с изменением полифонии и монофонии. Принципы органу относятся к анонимному тракту девятого века, Musica enchiriadis , который установил традицию дублирования ранее существовавшего гладиатора в параллельном движении на интервале октавы, пятой или четвертой. Более сложным был мотив, который развился из жанра клаузулы средневекового гладиатора и стал самой популярной формой средневековой полифонии. Хотя ранние мотеты были литургическими или священными, к концу тринадцатого века жанр расширился, включив светские темы, такие как придворная любовь. В эпоху Возрождения итальянский светский жанр мадригала также стал популярным. Подобно полифоническому характеру мотета, мадригалы отличались большей текучестью и движением в ведущей линии. Мадригальная форма также породила каноны, особенно в Италии, где они были составлены под названием Caccia. Это были трехчастные светские пьесы, в которых фигурировали две высшие голоса в каноне с основным инструментальным сопровождением с длинными нотами. Наконец, в этот период также развилась чисто инструментальная музыка, как в контексте растущей театральной традиции, так и для судебного потребления. Танцевальная музыка, часто импровизированная вокруг знакомых тропов, была самым большим чисто инструментальным жанром. Светская Баллата, которая стала очень популярной в Trecento Italy, возникла, например, в средневековой инструментальной танцевальной музыке. Теория и обозначения В эпоху Средневековья был заложен фундамент для нотационных и теоретических практик, которые формировали бы западную музыку в том, чем она является сегодня. Наиболее очевидным из них является разработка всеобъемлющей нотной системы; однако теоретические достижения, особенно в отношении ритма и полифонии, одинаково важны для развития западной музыки. нотация У самой ранней средневековой музыки не было какой-либо нотной системы. Мелодии были в основном монофоническими и передавались по устной традиции. Однако эта форма обозначения служила лишь вспомогательным средством памяти для певца, который уже знал мелодию. Поскольку Рим пытался централизовать различные литургии и установить римский обряд в качестве первичной традиции, необходимость передачи этих идей пения на огромные расстояния эффективно была одинаково вопиющей. Первым шагом для решения этой проблемы явилось появление различных знаков, написанных над текстами повторения, называемыми « neumes» . Происхождение неопределенностей неясно и подлежит обсуждению; однако большинство ученых согласны с тем, что их ближайшими предками являются классические греческие и римские грамматические знаки, которые указывали на важные моменты декламации, регистрируя рост и падение голоса. Двумя основными признаками классических грамматиков были acutus , /, указывающие на поднятие голоса и gravis , \, указывающие на понижение. В конечном итоге они превратились в основные символы для неопубликованной нотации: вирги (или «стержень»), который указывает на более высокую ноту и по-прежнему напоминал acutus, из которого он пришел; и пунктуация (или «точка»), которая указывает нижнюю ноту и, как следует из названия, уменьшает символ графа до точки. Эти acutus и gravis могут быть объединены для представления графических вокальных флексий на слоге. Такая нотация, похоже, развивалась не ранее восьмого века, но в девятом году она была прочно установлена ​​как основной метод нотной записи. Основная нотация вирги и пунктуала оставалась символом для отдельных заметок, но вскоре были разработаны другие источники, которые показали несколько заметок, соединенных вместе. Эти новые несовместимые лигатуры - это, по существу, комбинации двух исходных знаков. В этой основной неопубликованной нотации можно было указать только количество заметок и перемещаться ли они вверх или вниз. Невозможно было указать точный шаг, любой ритм или даже начальную ноту. Эти ограничения являются дополнительным свидетельством того, что этапы были разработаны как инструменты для поддержки практики устной традиции, а не для ее вытеснения. Однако, несмотря на то, что это началось как простая помощь памяти, вскоре стало очевидной ценность более точной записи. Пример музыкальной рукописи Beneventan Беневентанская музыкальная нотация, показывающая диастаматические тела и однострочный персонал. Монтекассино, Италия, вторая половина двенадцатого века. Следующим событием в музыкальной нотации было «увеличение размеров », в котором элементы аккуратно размещались на разных высотах по отношению друг к другу. Это позволило штатам дать приблизительное указание размера заданного интервала, а также направления. Это быстро привело к тому, что одна или две строки, каждая из которых представляла конкретную ноту, были помещены в музыку со всеми связанными с ними ссылками . Сначала эти строки не имели особого значения, и вместо этого в начале было указано письмо с указанием того, какая нота была представлена. Однако линии, обозначающие средний C и F a пятый ниже, стали наиболее распространенными. Сначала они просто поцарапали пергамент, линии теперь были нарисованы двумя разными цветными чернилами: обычно красными для F и желтыми или зелеными для C. Это было началом музыкального персонала, как мы его знаем сегодня. Завершение работы четырехместного персонала обычно присваивается Гвидо д'Ареццо (примерно 1000-1050), одному из самых важных музыкальных теоретиков средневековья. Хотя более старые источники приписывают развитие персонала Гвидо, некоторые современные ученые полагают, что он действовал скорее как кодификатор системы, которая уже разрабатывалась. В любом случае, эта новая нотация позволила певцу изучить предметы, которые ему были неизвестны за гораздо более короткий промежуток времени. Однако, несмотря на то, что пение обозначений прогрессировало по-разному, осталась одна фундаментальная проблема: ритм. Нейматическая нотная система, даже в ее полностью развитом состоянии, четко не определяла какой-либо ритм для пения нот. Теория музыки Музыкальная теория средневекового периода имела несколько преимуществ по сравнению с предыдущей практикой как в отношении тонального материала, текстуры и ритма. Ритм Обложка от «Synónoma magistri», автор Johannes de Garlandia. Обложка из «Synónoma magistri», написанная Иоганнесом де Гарландией, 1495 год. Что касается ритма, этот период имел несколько драматических изменений как в его концепции, так и в обозначениях. В раннем средневековье не было никакого способа обозначить ритм, и поэтому ритмическая практика этой ранней музыки подверглась острым спорам среди ученых. Первый вид письменной ритмической системы, разработанный в тринадцатом веке и основанный на серии режимов. Этот ритмический план был кодифицирован музыкальным теоретиком Йоханнесом де Гарландией, автором книги De Mensurabili Musica (c.1250), трактатом, который определил и наиболее полно выяснил эти ритмические режимы. В своем трактате Йоханнес де Гарландия описывает шесть видов моды или шесть разных способов, которыми могут быть устроены длинные и бреши. Каждый режим устанавливает ритмический паттерн в битах (или временной ) в пределах общей единицы из трех времен ( совершенный ), который повторяется снова и снова. Кроме того, обозначения без текста основаны на цепочках букв s (характерные обозначения, по которым группы заметок связаны друг с другом). Ритмический режим обычно можно определить по образцам лигатур. Когда ритмический режим был назначен мелодической линии, в этом режиме, как правило, было небольшое отклонение, хотя ритмические корректировки могли быть обозначены изменениями в ожидаемой структуре лигатур, даже в той степени, в какой они меняются в другой ритмический режим. Следующий шаг вперед в отношении ритма исходил от немецкого теоретика Франко Кельнского университета. В своем трактате Ars cantus mensurabilis («Искусство обременительной музыки»), написанном около 1280 года, он описывает систему обозначений, в которой ноты различной формы имеют совершенно разные ритмические ценности. Это поразительное изменение от более ранней системы Garlandia. В то время как до того, как длина отдельной заметки могла быть собрана только из самой моды, эта новая перевернутая взаимосвязь сделала режим зависимым от и определяемым - отдельными нотами или фигурами, которые имеют неопровержимые долговременные ценности, новшество, которое оказало огромное влияние на последующая история европейской музыки. Большая часть сохранившейся нотной музыки тринадцатого века использует ритмические режимы, определенные Гирландией. Шаг в эволюции ритма произошел после поворота 13-го века с развитием стиля Ars Nova . Теоретик, который наиболее хорошо известен в отношении этого нового стиля, - Филипп де Витри, знаменитый для написания трактата « Арс Нова» («Новое искусство») около 1320 года. Этот трактат о музыке дал свое название стилю всей этой эпохи. В некотором смысле современная система ритмической нотации начиналась с Витри, который полностью вырвался из старой идеи ритмических режимов. Нотационные предшественники современных счетчиков времени также происходят в Ars Nova . Этот новый стиль был явно построен на работе Франко Кельнского университета. В системе Франко отношения между бревом и полубравцами (т. Е. Половинками) были эквивалентны соотношению между бревом и длинным: и, поскольку для него модус всегда был совершенным (сгруппированным по тройкам), темпус или удар были также неотъемлемо совершенным и, следовательно, содержал три полувека. Иногда для контекста режима требуется группа из двух полувеков, однако эти две полупривы всегда были бы одной из обычной длины и одной из двух длин, тем самым занимая одно и то же пространство времени и тем самым сохраняя идеальное подразделение темпуса , Это тройное разделение предназначено для всех значений примечаний. Напротив, период Арс-Новы ввел два важных изменения: первое было еще меньшим подразделением нот (полубрабы, теперь можно было разделить на минимальные ), а во втором - развитие «мензурации». Меньшературы можно комбинировать различными способами для создания метрических группировок. Эти группировки мензураций являются предшественниками простого и сложного счетчика. К тому времени, когда Арс Нова , идеальное разделение темпуса не было единственным вариантом, так как дублированные дивизии стали более приемлемыми. Для Витри брек можно было бы разделить на всю композицию или часть одного на группы из двух или трех меньших полукругов. Таким образом, темпус (термин, который обозначил разделение бреши) может быть либо «совершенным» ( Tempus perfectus ) с тройным подразделением, либо «несовершенным» ( Tempus imperfectus ) с двоичным подразделением. Аналогичным образом, разделение полубров (называемое прозаичеством ) можно разделить на три минимума ( пролатио идеальный или основной уровень) или два минимума ( пролатио несовершенный или незначительный уровень), а на более высоком уровне разделение длин (называемое модусом ) может будь то три или два брака ( modus perfectus или идеальный режим, или modus imperfectus или несовершенный режим соответственно). Витри сделал это еще дальше, указав правильное разделение данной части вначале с помощью «знака мензурации», эквивалентного нашей современной «сигнатуре времени». Tempus perfectus обозначался кругом, а tempus imperfectus обозначался полукругом (наш текущий «C» в качестве подставки для сигнатуры 4/4 времени на самом деле является задержкой от этой практики, а не аббревиатурой от «common времени ", как это считалось общепринятым). Хотя многие из этих нововведений приписываются Витри и несколько присутствуют в трактате Арс Нова , это было современное и личное знакомство с Витри, названное Йоханнесом де Мурисом (Jehan des Mars), которое предложило наиболее полное и систематическое лечение новые новаторские нововведения Ars Nova . Многие ученые, ссылаясь на отсутствие положительных атрибутивных доказательств, теперь рассматривают трактат «Витри» как анонимный, но это не уменьшает его значение для истории ритмической нотации. Однако это делает первого определенно идентифицируемого ученого принять и объяснить систему менструации, чтобы быть Мурисом, который, как можно сказать, сделал для него то, что Гарландия сделала для ритмических режимов. В течение периода средневековья большинство музыки должно было состоять в основном из совершенного темпуса со специальными эффектами, создаваемыми разделами несовершенного темпуса; есть много текущих споров среди музыковедов относительно того, были ли такие секции выполнены с равной длиной или изменились, и если да, то в какой пропорции. Этот стиль Ars Nova оставался основной ритмической системой до тех пор, пока в конце XIV века не были сильно синкопированы произведения Ars subtilior , характеризующиеся крайностями нотационной и ритмической сложности. Эти подроды подталкивали ритмическую свободу, предоставляемую Арсом Новой, к ее пределам, причем некоторые композиции имели разные голоса, написанные в разных подписях темпуса одновременно. Ритмическая сложность, которая была реализована в этой музыке, сопоставима с ритмикой в ​​ХХ веке. Полифония Не менее важное значение для общей истории западной теории музыки были текстурные изменения, которые произошли с появлением полифонии. Эта практика сформировала западную музыку в гармонично доминирующую музыку, которую мы знаем сегодня. Первые сообщения об этом текстовом развитии были найдены в двух анонимных, но широко распространенных трактатах по музыке, Musica и Scolica enchiriadis . Эти тексты датируются примерно в течение последней половины девятого века. В трактатах описывается техника, которая, как представляется, уже хорошо установлена ​​на практике. Эта ранняя полифония основана на трех простых и трех составных интервалах. Первая группа состоит из четвертых, пятых и октав; в то время как вторая группа имеет октаву плюс четверть, октаву-плюс-пятую и две октавы. Эта новая практика получила название organum автором трактатов. Органум можно классифицировать в зависимости от периода времени, в который он был записан. Ранний оргазм, описанный в энхириадисе, можно назвать «строгим органом ». Строгий орган может, в свою очередь, подразделяться на два типа: диапенте (органум на пятом участке ) и диатезерон (орган в интервале четвертый). Тем не менее, оба этих строгих органа имели проблемы с музыкальными правилами того времени. Если бы каждый из них слишком долго повторял оригинальное повторение (в зависимости от режима), то получился бы тритон. Эта проблема была несколько преодолена с использованием второго типа органу . Этот второй тип органуменования назывался «свободный орган». «Его отличительным фактором является то, что части не должны двигаться только в параллельном движении, но могут также двигаться в наклонном или противоположном движении. Это значительно облегчило избежать ужасного тритона. Окончательный стиль органома, который развился, был известен как «мелизматический орган », который был довольно драматичным отходом от остальной части полифонической музыки вплоть до этого момента. Этот новый стиль не был отмечен против ноты, но был скорее одной устойчивой линией, сопровождаемой флористической мелисматической линией. Этот последний орган был также включен самым известным полифоническим композитором этого времени - Леонином. Он объединил этот стиль с измеренными отрывками, которые использовали ритмические режимы для создания вершины органной композиции. Этот заключительный этап органема иногда упоминается как школа полифонии Нотр-Дам, поскольку именно там были размещены Леонин (и его ученик Перотин). Кроме того, подобная полифония повлияла на все последующие стили, с более поздними полифоническими родами мотетов, начиная с тропа существующих органов Нотр-Дама. Codex Manesse, между 1305 и 1315 годами, показывая музыкантов Еще одним важным элементом средневековой музыкальной теории была уникальная тональная система, с помощью которой смолы были организованы и поняты. В средние века эта систематическая организация серии целых шагов и половинчатых шагов, которую мы теперь называем шкалой, была известна как режим. Модальная система работала так же, как сегодня, так как она давала правила и материал для мелодичного письма. Восемь церковных режимов: дорианский , гиподорианский , фригийский , гипофигский , лидийский , гиполидийский , мифолидиан и гипомиксолидиан . Большая часть информации об этих режимах, а также их практическое применение была кодифицирована в одиннадцатом веке теоретиком Иоганном Афлигеменсисом. В своей работе он описывает три определяющих элемента для каждого режима. Финал, звуковой тон и диапазон. Финал - это тон, который служит фокусом для режима. Он также почти всегда используется как окончательный тон (отсюда и название). Повторяющийся тон (иногда называемый тенор или конфинал ) - это тон, который служит основным фокусом в мелодии (особенно внутри). Это обычно также тон, который чаще всего повторяется в пьесе, и, наконец, диапазон (или амбитус ) является максимальным запрещенным тоном для заданного режима. Восемь режимов можно разделить на четыре категории на основе их окончательного ( finalis ). Средневековые теоретики называли эти пары манерами и обозначали их по греческим порядковым номерам. Те моды, которые имеют d, e, f и g в качестве своего финала, помещаются в группы protus , deuterus , tritus и tetrardus соответственно. Затем их можно разделить на основе того, является ли режим «аутентичным» или «плагическим». Эти различия касаются диапазона режима по отношению к финалу. Аутентичные режимы имеют диапазон, который составляет около октавы (один тон выше или ниже разрешен) и начинаются в финале, тогда как плагиновые режимы, при этом все еще покрывающие октаву, начинаются на четвертом месте ниже аутентичного. Еще одним интересным аспектом модальной системы является универсальное разрешение на изменение B на Bb независимо от того, какой режим. Включение этого тона имеет несколько применений, но особенно важно, чтобы избежать мелодических трудностей, вызванных, опять же, тритоном. Эти церковные режимы, хотя у них есть греческие имена, мало связаны с модами, изложенными греческими теоретиками. Скорее, большая часть терминологии, по-видимому, является незаконным присвоением со стороны средневековых теоретиков . Хотя церковные режимы не имеют отношения к древнегреческим модам, переизбыток греческой терминологии указывает на интересное возможное происхождение в литургических мелодиях византийской традиции. Эта система называется oktoechos и также разделена на восемь категорий, называемых echoi . Для конкретных теоретиков средневековой музыки см. Также: Исидор из Севильи, Аврелия Реома, Одо из Клуни, Гвидо из Ареццо, Германнус Контракнус, Йоханнес Котто (Йоханнес Афлигеменсис), Йоханнес де Мурис, Франко Кельн, Йоханнес де Гарландия (Йоханнес Галликус) , Аноним IV, Маркетто-да-Падуя (Маркетт из Падуи), Жак Льеж, Йоханнес де Грохо, Петрус де Круче (Пьер-де-ла-Круа) и Филипп де Витри. Средневековые музыкальные жанры Высоко Средневековая музыка (1150-1300) Ars Antiqua Средневековая рукопись Partitura de "Alleluia Nativitas" Расцвет школы полифонии Нотр-Дам примерно с 1150 по 1250 год соответствовал столь же впечатляющим достижениям в готической архитектуре: действительно, центр деятельности был в соборе самого Нотр-Дама. Иногда музыка этого периода называется парижской школой или парижским органом и представляет собой начало того, что условно известно как антиквара Арса . Это был период, когда ритмическая нотация впервые появилась в западной музыке, главным образом контекстно-ориентированный метод ритмической нотации, известный как ритмические режимы. Это был также период, в котором развивались концепции формальной структуры, которые были внимательны к пропорции, текстуре и архитектурному эффекту. Композиторы периода чередовались флоридный и дискретный оргазм (больше примечания к заметке, в отличие от последовательности многозначных мелизмов против давно сохранившихся нот, найденных во флоридском типе), и создали несколько новых музыкальных форм: клаузулы, которые были мелизматические отделы органов, извлеченные и снабженные новыми словами и дальнейшей музыкальной разработкой; conductus, которая была песней для одного или нескольких голосов, которые исполнялись ритмично, скорее всего, в какой-то процессии; и тропы, которые были добавлением новых слов, а иногда и новой музыки к разделам старых песнопений. Все эти жанры, кроме одного, были основаны на песнопении; то есть один из голосов (обычно три, хотя иногда и четыре), почти всегда самый низкий (тенор в этой точке) пел мелодию пения, хотя со свободно составленными нотами, над которыми звучали другие голоса. Исключением из этого метода был дирижер, двухголосная композиция, которая была свободно составлена ​​в полном объеме. Мотет, одна из самых важных музыкальных форм высокого средневековья и эпохи Возрождения, первоначально развивался во время периода Нотр-Дама из клаузулы, особенно в форме, использующей несколько голосов, как это было разработано Перотиным, который проложил путь для этого, в частности, заменив многие из его предшественников (как канон собора) длинные лепестковые клаузулы Леонина с заменителями в стиле диска. Постепенно появились целые книги этих заменителей, доступные для установки в разных песнопениях и из них. Поскольку на самом деле в контексте было больше, чем возможно, возможно, что клаузулы выполнялись независимо, либо в других частях массы, либо в частной преданности. Клаузулы, таким образом, практиковались, стали мотетом, когда он был связан с нелигургическими словами, и в четырнадцатом веке, период Арс-новы , был развит в форму большой проработки, изысканности и тонкости. Выжившие манускрипты этой эпохи включают Кодекс Монпелье, Кодекс Бамберга и Кодекс Лас-Хуэльгаса. Композиторы этого времени включают Леонина, Перотина, У. Викомба, Адама де Сент-Виктора и Петруса де Круса (Пьер-де-ла-Круа). Петрусу приписывают новаторство написания более трех полукругов, чтобы соответствовать длине бреши. Предстоящая инновация несовершенного темпуса, эта практика открыла эпоху так называемых «петроновских» мотетов. Эти работы конца 13-го века находятся в трех-четырех частях и имеют несколько текстов, исполняемых одновременно. Первоначально линия тенора (от латинского тенера , «удерживать») содержала ранее существовавшую литургическую линию воспевания в оригинальной латыни, в то время как текст одного, двух или даже трех голосов выше назывался органами вокала , давал комментарий к литургический сюжет на латыни или на французском языке. Ритмические значения органных органов вокала уменьшались по мере умножения частей, причем дублика (часть выше тенора) имела меньшие ритмические значения, чем тенор, триплум (линия над дублем ), имеющая меньшие ритмические значения, чем дублем , и поэтому на. Со временем тексты органных вокалов стали все более светскими по своей природе и имели все более и более откровенную связь с литургическим текстом в линии тенор. Моцарт Петронии - очень сложный жанр, учитывая его смесь нескольких полубесных брешей с ритмическими режимами, а иногда (с увеличением частоты) замещение светских песен на песнопение в теноре. Действительно, все возрастающая ритмическая сложность была бы фундаментальной характеристикой 14-го века, хотя музыка во Франции, Италии и Англии в течение этого времени имела бы совершенно разные пути. Кантигас-де-Санта-Мария Иллюстрация из кодекса Cantigas de Santa Maria с двумя тростниковыми игроками Иллюстрация из рукописи Cantigas de Santa Maria Кантигас де Санта Мария («Песни Святой Марии») - это 420 стихотворений с музыкальной нотацией, написанных на галисийско-португальском языке во время правления Альфонса X Эль Сабио (1221-1284) и часто приписываемых ему. Это одна из крупнейших коллекций монофонических (сольных) песен средневековья и характеризуется упоминанием Девы Марии в каждой песне, а каждая десятая песня - гимн. Рукописи сохранились в четырех кодексах: два в Эль-Эскорионе, один в Национальной библиотеке Мадрида и один во Флоренции, Италия. У некоторых есть цветные миниатюры, показывающие пары музыкантов, играющих на самых разных инструментах. Трубадуры и Trouvères Музыка трубадуров и trouvères была народной традицией монофонической светской песни, вероятно, сопровождаемой инструментами, исполняемыми профессиональными, изредка странствующими музыкантами, которые были такими же искусными, как поэты, поскольку они были певцами и инструменталистами. Язык трубадуров был окситанским (также известный как langue d'oc, или Провансаль); язык trouvères был древнефранцузским (также известным как langue d'oil ). Период трубадуров соответствовал цветению культурной жизни в Провансе, которое продолжалось в двенадцатом веке и в первое десятилетие тринадцатого. Типичными предметами трубадурской песни были война, рыцарство и придворная любовь. Период трубадуров сменился после Альбигенского крестового похода, ожесточенной кампании Папы Иннокентия III, чтобы уничтожить катарскую ересь (и желание северных баронов учесть богатство юга). Выжившие трубадуры отправились в Португалию, Испанию, северную Италию или северную Францию ​​(где жила традиция trouvère), где их навыки и приемы способствовали более поздним событиям светской музыкальной культуры в этих местах. Музыка trouvères была похожа на музыку трубадуров, но была в состоянии выжить в тринадцатом веке, не затронутом Альбигойским Крестовым походом. Большинство из более чем двух тысяч сохранившихся песен trouvère включают музыку и показывают сложность, отличную от той поэзии, которую она сопровождает. Миннезингерская традиция была германским коллегой в отношении деятельности трубадуров и trouvères на западе. К сожалению, немногие источники выживают с течением времени; источники Миннесанга в основном происходят через два-три века после пика движения, что приводит к некоторым спорам по поводу их точности. Среди миннезингеры с сохранившейся музыкой - Вольфрам фон Эшенбах, Вальтер фон дер Фогельвейд и Нидхарт фон Реуенталь. Trovadorismo Иллюстрация troubador Пейр Раймон де Тулуза Troubador Peire Raimon de Toulouse В средние века галицко-португальский язык был языком, используемым почти во всей Иберии для лирической поэзии. Из этого языка выводятся как галисийский, так и португальский языки. Галицко-португальская школа, которая в какой-то степени была подвержена влиянию (главным образом, в некоторых формальных аспектах) окситанскими трубадурами, впервые была задокументирована в конце двенадцатого века и продолжалась до середины четырнадцатого. Самая ранняя сохранившаяся композиция в этой школе, как правило, считается Ора Фаз ост 'o senhor de Navarra португальцем Жоао Соарешем де Пайва, обычно датированная незадолго до или после 1200 года. Трубадуры движения, чтобы не путать с обситанскими трубадурами (который посещал суды в близлежащих Леона и Кастилии), писал почти полностью кантиги. Начиная, вероятно, примерно в середине тринадцатого века, эти песни, известные также как кантары или тропы, начали собираться в коллекциях, известных как канцеионы (песенники). Известны три такие антологии: Кансионеро-да-Аджуда, Канцеминоро-Коломчи-Бранкути (или Канцемиоро-да-Библиотека на Лиссабоне) и Кансионеро-да-Ватикана. В дополнение к ним есть бесценная коллекция из более чем 400 галисийских португальцев в Кантигасе-де-Санта-Мария, традиция которой присуждается Альфонсо X. Галицко-португальские кантиги можно разделить на три основных жанра: мужская голосовая любовная поэзия, называемая кантигас де амор (или кантигас д'амор) женской поэзии, называемой кантигас де амиго (кантигас д'амиго); и поэзия оскорбления и издевательства, называемая кантигас д'эккарно де дел дезер. Все три являются лирическими жанрами в техническом смысле, что они были строфическими песнями с музыкальным сопровождением или введением на струнном инструменте. Но все три жанра также имеют драматические элементы, которые позволяют ранним ученым охарактеризовать их как лирико-драматические. Истоки кантигаза д'Амора обычно прослеживаются до провансальской и старофранцузской лирической поэзии, но формально и риторически они совершенно разные. Кантигас д'Амиго, вероятно, коренится в традиции родной песни, хотя это мнение оспаривается. Cantigas d'escarnho e maldizer может также (по словам Ланга) иметь глубокие местные корни. Последние два жанра (всего около 900 текстов) делают галицко-португальскую лирику уникальной во всей панораме средневековой романской поэзии. Трубадуры с сохранившимися мелодиями: Aimeric de Belenoi Aimeric de Peguilhan Aires Nunes Альберте де Сестаро Арнаут Даниэль Арнаут де Маруойл Beatritz de Dia Berenguier de Palazol Бернар де Вентадорн Бертран де Борн Блэкассет Cadenet Дауде де Прадас Денис из Португалии Фольке-де-Марсельха Gaucelm Faidit Gui d'Ussel Guilhem Ademar Guilhem Augier Novella Guilhem Magret Guilhem de Saint Leidier Guiraut de Bornelh Guiraut d'Espanha Guiraut Riquier Jaufre Rudel Жоао Соареш де Пайва Жоао Зорро Иордания Бонел Маркабрюн Мартин Кодакс Мондж де Монтодон Peire d'Alvernhe Peire Cardenal Пейр Раймон де Толоса Пейр Видал Пейроль Perdigon Pistoleta Pons d'Ortaffa Pons de Capduoill Raimbaut d'Aurenga Raimbaut de Vaqueiras Раймон Иордания Раймон де Мираваль Риго де Бербези Uc Brunet Uc de Saint Circ Уильям IX из Аквитании Композиторы эпохи высокого и позднего средневековья: Поздняя средневековая музыка (1300-1400) Франция: Арс-Нова Начало Ars nova - одно из немногих чистых хронологических подразделений в средневековой музыке, поскольку оно соответствует публикации римского де Фовеля , огромного сборника поэзии и музыки, в 1310 и 1314 годах. Роман де Фовель - сатира о злоупотреблениях в средневековой церкви и наполняется средневековыми мотетами, lais, rondeaux и другими новыми светскими формами. В то время как большая часть музыки анонимна, она содержит несколько произведений Филиппа де Витри, одного из первых композиторов изоритмического мотета, развития, которое отличает четырнадцатый век. Изоритмический мотив был усовершенствован Гийомом де Махаутом, лучшим композитором того времени. Страница с выставки Roman de Fauvel Страница французской рукописи Livres de Fauvel, Париж (около 1318 года), «первый практический источник музыки Ars nova». В эпоху Арс Нова светская музыка приобрела полифоническую изысканность, ранее найденную только в священной музыке, что не удивительно, учитывая светский характер раннего Возрождения (в то время как эта музыка обычно считается «средневековой», социальные силы, которые ее произвели, были ответственны для начала литературного и художественного Возрождения в Италии - различие между Средневековью и Возрождением - размытое, особенно учитывая, что искусство отличается от музыки и живописи). Термин « Ars nova » (новое искусство или новая техника) был придуман Филиппом де Витри в его трактате об этом имени (вероятно, написанном в 1322 году), чтобы отличить практику от музыки того же предшествующего возраста. Доминирующим светским жанром Арс-Новы был шансон , так как он продолжал существовать во Франции еще на два столетия. Эти шансоны были составлены в музыкальных формах, соответствующих поэзии, которую они задавали, которые были в так называемых формах фиксации рондо , баллады и вирелай . Эти формы существенно повлияли на развитие музыкальной структуры способами, которые ощущаются и сегодня; например, рифмованная схема ouvert-clos , разделяемая всеми тремя, требовала музыкальной реализации, которая непосредственно способствовала современному представлению антецедентов и последовательных фраз. Именно в этот период также началась давняя традиция установления массового обыденности. Эта традиция началась около середины века с изолированными или спаренными настройками Кириес, Глориас и т. Д., Но Махат составил то, что считается первой полной массой, задуманной как одна композиция. Звуковой мир музыки Ars Nova очень похож на линейную первичность и ритмическую сложность. Интервалы «отдыха» - это пятая и октава, третья и шестую - диссонансы. Скольки более шестого в отдельных голосах нередки, что приводит к спекуляции инструментального участия, по крайней мере, в светской деятельности. Выжившие французские манускрипты включают Кодекс Ивреи и Кодекс Apt. Италия: Треленто Большая часть музыки Арс Нова была французской по происхождению; однако этот термин часто свободно применяется ко всей музыке четырнадцатого века, особенно для включения светской музыки в Италию. Там этот период часто назывался Trecento . Итальянская музыка всегда, кажется, была известна своим лирическим или мелодичным характером, и это восходит к XIV веку во многих отношениях. Итальянская светская музыка этого времени (то, что мало сохранилось в литургической музыке, похоже на французов, за исключением несколько разных обозначений), показало то, что было названо стилем канталины , с липким верхним голосом, поддерживаемым двумя (или даже одним, честным количество итальянской музыки Trecento составляет всего два голоса), которые являются более регулярными и медленными. Этот тип текстуры оставался особенностью итальянской музыки в популярных светских жанрах пятнадцатого и шестнадцатого веков и был важным влиянием на возможное развитие текстуры трио, которая революционизировала музыку в семнадцатом. В Trecento было три основные формы для светских работ. Одним из них был мадригал, не такой, как 150-250 лет спустя, но с формой, подобной стиху или рефрену. Три строковые строфы, каждая с разными словами, чередуются с двухстрочным риторнелло с одним и тем же текстом при каждом появлении. Возможно, в этом устройстве мы можем увидеть семена последующего ренессанса и барокко риторнелло; он тоже возвращается снова и снова, узнаваемый каждый раз, в отличие от его окружающих разрозненных разделов. Другая форма, caccia («chase»), была написана для двух голосов в каноне в унисон. Иногда в этой форме также фигурирует риторнелло, которое иногда также было в каноническом стиле. Как правило, название этого жанра давало двойной смысл, поскольку тексты caccia были в основном о охотах и ​​связанных с ними мероприятиях на свежем воздухе или, по крайней мере, в сценах, заполненных действиями. Третьей основной формой была баллата , которая была примерно эквивалентна французской вирелай . Выжившие итальянские манускрипты включают Кодекс Squarcialupi и Кодекс Росси. Для получения информации об отдельных итальянских композиторах, написанных в эпоху позднего средневековья, см. Франческо Ландини, Герарделло да Фиренце, Андреа да Фиренце, Лоренцо да Фиренце, Джованни да Фиренце (он же Джованни да Касья), Бартолино да Падова, Якопо да Болонья, Донато да Кашия , Лоренцо Масини, Никколо-да-Перуджа и Маэстро Пьеро. Германия: Geisslerlieder Гейслерлидер были песнями блуждающих групп жгутиков, которые стремились успокоить гнев сердитого Бога покаянной музыкой, сопровождаемой умерщвлением их тел. Было два отдельных периода деятельности Geisslerlied: один в середине XIII века, из которого, к сожалению, музыка не сохранилась (хотя многие тексты делают); а другой - с 1349 года, для которого оба слова и музыка остаются нетронутыми из-за внимания одного священника, который писал о движении и записывал его музыку. Этот второй период соответствует распространению Черной смерти в Европе и документирует одно из самых страшных событий в европейской истории. Оба периода активности Гейсслерли были в основном в Германии. В это время на немецких территориях также была написана французская полифония, но она была несколько менее сложной, чем ее модели. Однако, справедливости ради большинства анонимных композиторов этого репертуара, большинство сохранившихся манускриптов, похоже, были скопированы с огромной некомпетентностью и наполнены ошибками, которые делают по-настоящему тщательную оценку качества музыки невозможной . Маньеризм и Ars Subtilior В форме сердца ноты из Корана Шанталли Шансон Белл, бонн, мудрец Бауде Кордье, часть из Ars subtilior, включенная в Кодекс Шанталли Как это часто замечается в конце любой музыкальной эры, конец средневековой эпохи характеризуется очень манерным стилем, известным как Ars subtilior . В некотором смысле это была попытка объединить французский и итальянский стили. Эта музыка была очень стилизованной, с ритмической сложностью, которая не соответствовала до двадцатого века. Фактически, не только ритмическая сложность этого репертуара в значительной степени не имела себе равных в течение пяти с половиной веков, с экстремальными синкопациями, ментальной обманкой и даже примерами аугенмусика (например, шансон Боде Кордье, написанный в рукописи в форме сердце), но и его мелодичный материал был довольно сложным, особенно в его взаимодействии с ритмическими структурами. В Ars Nova уже обсуждалась практика изоритма, который продолжал развиваться в конце века и на самом деле не достиг своего наивысшего уровня сложности до начала пятнадцатого века. Вместо того, чтобы использовать изоритмические приемы в одном или двух голосах или торговать ими среди голосов, в некоторых работах присутствовала пронизывающая изоритмическая текстура, которая соперничает с интегральным сериализмом двадцатого века в ее систематическом упорядочении ритмических и тональных элементов. Термин «маньеризм» применялся более поздними учеными, как это часто бывает, в ответ на впечатление о том, что изощренность практикуется сама по себе, болезнь, которую некоторые авторы почувствовали, заразив Ars subtilior . Одним из самых важных сохранившихся источников арс-субтилорских шансонов является Кодекс Шанталли. Для получения информации о конкретных композиторах, пишущих музыку в стиле Ars subtilior , см. Anthonello de Caserta, Philippus de Caserta (aka Philipocctus de Caserta), Йоханнес Чикония, Маттео-да-Перуджа, Лоренцо да Фиренце, Гримаш, Якоб Сенлехес и Боде Кордье. Переход к эпохе Возрождения Демаркация конца средневековой эпохи и начала Возрождения в отношении композиции музыки сложна. В то время как музыка четырнадцатого века довольно явно средневековая в зачатии, музыка начала пятнадцатого века часто воспринимается как принадлежащая к переходному периоду, не только сохраняя некоторые идеалы конца средневековья (такие как тип полифонической письменности, в которой части отличаются друг от друга по своему характеру, поскольку каждая из них имеет свою специфическую текстуральную функцию), но также демонстрирует некоторые характерные черты Возрождения (такие как международный стиль, развивающийся через распространение франко-фламандских музыкантов по всей Европе, а с точки зрения текстуры - возрастающее равенство частей). Историки музыки не соглашаются, когда началась эпоха Возрождения, но большинство историков согласны с тем, что Англия была еще средневековым обществом в начале пятнадцатого века (см. Вопросы периодизации средневековья). Хотя консенсуса нет, 1400 является полезным маркером, потому что примерно в то время возрождение Возрождения произошло в Италии. Возрастающая зависимость от интервала третьего в качестве созвучия является одной из наиболее ярко выраженных особенностей перехода в эпоху Возрождения. Полифония, использовавшаяся с XII века, в течение четырнадцатого века становилась все более сложной, с очень независимыми голосами. С John Dunstaple и другими английскими композиторами, частично через локальную технику offaburden (импровизационный процесс, в котором мелодичная песня и письменная часть преимущественно параллельно шестым над ней украшены одним, спящим в совершенных четвертых ниже последнего, и которые позже укрепились на континенте как «fauxbordon»), интервал третьего появляется как важное музыкальное развитие; из-за этого Contenance Angloise («Английское лицо»), музыка английских композиторов часто считается первой, которая звучит менее по-настоящему странно для современных, неквалифицированных зрителей. Английские стилистические тенденции в этом отношении принесли свои плоды и начали влиять на континентальных композиторов уже в 1420-х годах, что можно увидеть и в трудах молодого Дюфана и других. В то время как Столетняя война продолжалась, английские вельможи, армии, их часовенки и свиты и, следовательно, некоторые из их композиторов, путешествовали во Франции и исполняли там свою музыку; конечно же, следует помнить, что английские контролируемые части северной Франции в это время. Английские рукописи включают фрагменты Вустера, Старую книгу Андрея Эндрюса, рукопись Старого Холла и Рукопись Эгертона. Для получения информации о конкретных композиторах, которые считаются переходными между средневековью и эпохой Возрождения, см. Закара да Терамо, Паоло да Фиренце, Джованни Маццуоли, Антонио да Сивидейл, Антониус Романус, Бартоломео да Болонья, Рой Генри, Арнольд де Лантинс, Леонел Сила и Джон Данстапл. масса Самыми ранними музыкальными настройками мессы являются григорианское пение. Различные части Ординария входили в литургию в разное время, причем Кири, вероятно, был первым (возможно, уже в седьмом веке), а Кредо был последним (он не стал частью римской массы до 1014 года). В начале четырнадцатого века композиторы начали писать полифонические версии разделов Ординарного. Причина этого всплеска интереса неизвестна, но было высказано предположение о том, что нехватка новой музыки была вызвана тем, что композиторы все больше привлекались к светской музыке, и общий интерес к написанию духовной музыки вступил в период упадка. Неизменяющаяся часть массы, Обычная, тогда имела бы музыку, которая была бы доступна для исполнения все время. Двумя рукописями четырнадцатого века, Кодексом Ивреи и Кодом Apt являются первичными источниками полифонических настроек Обыкновенного. Стилистически эти настройки похожи на обе модели и светскую музыку того времени, причем трехглавая текстура доминирует над самой высокой частью. Большая часть этой музыки была написана или собрана в папском суде в Авиньоне. Выжило несколько анонимных полных масс из прошлого века, включая мессу Турнея; однако расхождения в стиле указывают на то, что движения этих масс были написаны несколькими композиторами, а позднее составлены книжниками в один набор. Первой полной мессой, о которой мы знаем, чей композитор может быть идентифицирован, был Десять Мать Богоматери в Гиедем Махауте в четырнадцатом веке. Средневековые композиторы Гвидо из Ареццо Фотография статуи Гвидо из Ареццо, 1882 Статуя Гвидо Ареццо (AKA Guido Monaco), 1882 Гвидо Ареццо (также Гвидо Аретин, Гвидо да Ареццо, Гвидо Монако, или Гвидо д'Ареццо, или Гай из Ареццо) (991/992-после 1033) был музыкальным теоретиком средневековой эпохи. Он рассматривается как изобретатель современной музыкальной нотации (нотация персонала), которая заменила неумную нотацию; его текст, Micrologus , был вторым по популярности распространенным трактатом о музыке в средние века (после сочинений Боэция). Гвидо был монахом бенедиктинского ордена из итальянского города-государства Ареццо. Недавние исследования датированы его Micrologus до 1025 или 1026; поскольку Гвидо заявил в письме, что ему было тридцать четыре года, когда он написал его, его дата рождения считается около 991 или 992. Его ранняя карьера была проведена в монастыре Помпоса, на побережье Адриатического моря около Феррары. Там он заметил трудность, которую певцы помнили в григорианских песнопениях. Он придумал метод обучения певцов изучать песнопения за короткое время и быстро стал известен во всей северной Италии. Однако он привлек враждебность других монахов в аббатстве, побудив его переехать в Ареццо, город, в котором не было аббатства, но в котором была большая группа певцов кафедрального собора, чей епископ Тедалд приглашал его вести. В то время как в Ареццо он разработал новые методы обучения, такие как нотация персонала и использование «мнемосхемы» (do-re-mi-fa-so-la) , Сн-ре-ми-фа-и-ла-слоги берутся из начальных слогов каждой из первых шести полуфиналов первой строфы гимна Евангелие Ут , чей текст приписывается итальянскому монаху и ученому Паулюсу Diaconus (хотя музыкальная линия либо разделяет общего предка с более ранней постановкой «Оды Филлис» Горация ( Odes 4.11), записанной в рукописи Монпелье H425, либо даже от нее взята). Гвидо приписывают изобретение рудианской руки, широко используемой мнемонической системы, где имена заметок отображаются на части человеческой руки. Однако только рудиментарная форма рудианской руки фактически описана Гвидо, и полностью разработанная система естественных, твердых и мягких гексахордов не может быть надежно приписана ему. Micrologus , написанный в соборе в Ареццо и посвященный Тедалду, содержит методику преподавания Гвидо, разработанную к тому времени. Вскоре это привлекло внимание Иоанна XIX, который пригласил Гвидо в Рим. Скорее всего, он поехал туда в 1028 году, но вскоре вернулся в Ареццо из-за его плохого состояния здоровья. Именно тогда он объявил в письме к Майклу Помпоса (« Epistola de ignoto cantu ») о его открытии музыкальной мнемоники «ut-re-mi». Мало что известно о нем после этого времени. Музыкальная нотная система музыкальной нотации GUIDO названа в честь его и его изобретения. Его назвали «Международным полифоническим конкурсом Гидо д'Ареццо» (Concorso Polifónico Guido d'Arezzo). Хильдегард из Бингена Иллюстрация Хильдегарда де Бингена, получающего божественное вдохновение Хильдегард де Бинген получает божественное вдохновение Святой Хильдегард из Бингена, также известный как Святой Гильдегард и Сивилл Рейна, был немецким писателем, композитором, философом, христианским мистиком, бенедиктинской аббатией, провидцем и полиматом. Хильдегард был избран магией ее собратьями-монахинями в 1136 году; она основала монастыри Рупертсберга в 1150 году и Эйбинген в 1165 году. Одна из ее работ в качестве композитора Ордо Виртутума - это ранний пример богослужебной драмы и, возможно, самой старой сохранившейся игры морали. Она писала богословские, ботанические и медицинские тексты, а также письма, литургические песни и стихи, а также руководила миниатюрными иллюминациями в рукописи Руперцберга ее первой работы « Шивиас» . Хотя история ее формального рассмотрения осложнена, она была признана святой ветвями Римско-католической церкви на протяжении веков. 7 октября 2012 года Папа Бенедикт XVI назвал ее Доктором Церкви. Внимание в последние десятилетия к женщинам средневековой церкви вызвало большой интерес к музыке Хильдегарда. В дополнение к Ordo Virtutum, шестьдесят девять музыкальных композиций, каждый со своим оригинальным поэтическим текстом, выживают и, как минимум, четыре других текста известны, хотя их музыкальная нотация была потеряна. Это один из крупнейших репертуаров среди средневековых композиторов. В дополнение к Ордо Виртутум Хильдегард сочинил много литургических песен, которые были собраны в цикл под названием Symphonia armoniae celestium revelationum. Песни из Симфонии настроены на собственный текст Хильдегара и варьируются от антифонов, гимнов и последовательностей до ответов. Ее музыка описывается как монофоническая, то есть состоящая из одной мелодической линии. Его стиль характеризуется парящими мелодиями, которые могут подтолкнуть границы более высоких рядов традиционного григорианского песнопения. Хотя музыка Хильдегарда часто считается вне обычных обычаев монофонического монашеского воспевания, современные исследователи также исследуют способы, которыми ее можно рассматривать по сравнению с ее современниками, такими как Hermannus Contractus. Еще одна особенность музыки Хильдегарда, которая отражает эволюцию двенадцатого века в песнопениях и подталкивает их к эволюции, заключается в том, что она очень мелизматична, часто с повторяющимися мелодическими единицами. Ученые, такие как Марго Фасслер, Марианна Ричерт Пфау и Беверли Ломер, также отмечают интимные отношения между музыкой и текстом в композициях Хильдегарда, чьи риторические особенности часто более отчетливы, чем обычно в песне двенадцатого века. Как и во всех средневековых песнопениях, в музыке Хильдегарда нет никаких указаний на темп или ритм; в сохранившихся рукописях используется позднегерманская нотация, в которой используются очень декоративные элементы. Почитание Девы Марии, отраженное в музыке, показывает, как глубоко влияли и вдохновляли Хильдегард из Бингена и ее общины Девой Марией и святыми. Одна из ее более известных работ, Ордо Виртутум (« Игра добродетелей» ), является морали. Неясно, когда были составлены композиции Хильдегарда, хотя, как считается, Орду-виртутум был составлен еще в 1151 году. Моральная игра состоит из монофонических мелодий для Анимы (человеческой души) и шестнадцати добродетелей. Есть также одна говорящая часть для Дьявола. Ученые утверждают, что роль Дьявола сыграла бы Волмар, а монахинь Гильдегарда сыграли бы части Анимы и Добродетелей. Определение виридиты или «зелени» является земным выражением небесного в целостности, которая преодолевает дуализм. Эта «зелень» или сила жизни часто появляются в работах Хильдегарда. Один ученый утверждал, что Хильдегард тесно связал музыку и женское тело с ее музыкальными композициями. Если так, поэзия и музыка Симфонии Хильдегарда были бы связаны с анатомией женского желания, описанной, таким образом, как сапфоническая или относящаяся к Сафо, связывая ее с историей женщин-ритористов. Пифагор Средневековая гравюра, показывающая Пифагор с колокольчиками и другими инструментами в пифагорейской настройке Средневековая гравюра, показывающая Пифагор с колокольчиками и другими инструментами в пифагорейской настройке Музыкальные исследования и теории Согласно легенде, Пифагор обнаружил основы музыкальной настройки, слушая звуки четырех молотов кузнеца, которые произвели созвучие и диссонанс, когда они были поражены одновременно. По словам Никомаха в его гармоничающих гармониях 2-го века н.э. , Пифагор заметил, что молот А произвел созвучие с молотом В, когда они были поражены вместе, а молот С произвел созвучие с молотом А, но молотки В и С произвели диссонанс друг с другом. Hammer D произвел такое идеальное созвучие с молотом A, что они, казалось, «поют» одну и ту же ноту. Пифагор бросился в кузницу, чтобы узнать, почему, и обнаружил, что объяснение было в весовых коэффициентах. Молотки весили 12, 9, 8 и 6 фунтов соответственно. Молотки A и D находились в соотношении 2: 1, что является отношением октавы. Молотки B и C весили 9 и 8 фунтов. Их отношения с молотом А были (12: 9 = 4: 3 = идеальный четвертый) и (12: 8 = 3: 2 = идеальный пятый). Пространство между B и C является отношением 9: 8, которое равно музыкальному целому тону или интервалу всего шага. Легенда, по крайней мере, относительно молотков, явно ложна. Эти пропорции действительно имеют отношение к длине строки (например, к монохорду) - используя эти интервалы оснований, можно построить хроматическую шкалу и базовую семитональную диатоническую шкалу, используемую в современной музыке, и Пифагор вполне мог бы влиять на обнаружение этих пропорций - но пропорции не имеют такой же связи с весом молотка и производимыми ими тонами. Ранее источники упоминают интерес Пифагора к гармонии и соотношению. Xenocrates (4-ое столетие до нашей эры), хотя и не настолько, насколько нам известно, упоминание кузнецской истории, описывает интерес Пифагора к общим терминам: «Пифагор обнаружил также, что интервалы в музыке не возникают, кроме числа; поскольку они представляют собой взаимосвязь количества с количеством. Поэтому он намеревался расследовать, при каких условиях возникают согласованные интервалы, и несогласованные, и все хорошо настроенные и плохо настроенные ». Какими бы ни были детали открытия взаимосвязи между музыкой и отношением, она считается исторически первой эмпирически защищает математическое описание физического факта. Таким образом, это символизирует и, возможно, приводит к тому, что пифагорейская концепция математики является модус-операцией природы. Позже Аристотель писал: «Пифагорейцы строят целую вселенную из числа». Пифагорейцы разработали теорию чисел, точное значение которой все еще обсуждается среди ученых. Другое убеждение, приписываемое Пифагору, было «гармонией сфер». Таким образом, планеты и звезды двигались в соответствии с математическими уравнениями, которые соответствовали музыкальным нотам и, таким образом, произвели симфонию. В 1894 году Э. Кобэм Брюер (1894) писал: Музыка или гармония сфер. Пифагор, убедившись, что высота нот зависит от быстроты вибраций, а также от того, что планеты движутся с разной скоростью движения, пришли к выводу, что звуки, сделанные их движением, должны варьироваться в зависимости от их разных скоростей движения. Поскольку гармонично создаются все вещи в природе, разные звуки должны гармонизировать, и комбинация, которую он назвал «гармонией сфер». Кеплер имеет трактат по этому вопросу. [1] E. Cobham Brewer (1894). Словарь фразы и басни, с. 2614. ↵ Neumes Часть пергаментного листа из литургической рукописи Элемент (иногда называемый neum) является основным элементом западных и восточных систем музыкальной нотации до изобретения пятистрочной нотации персонала. Слово ввел английский язык в среднеанглийском языке «newme», «nevme», «neme» в пятнадцатом веке, от среднефранцузского «neume», в свою очередь, от средневековой латинской «pneuma» или «neuma», прежний либо от древнегреческого языка, либо от греха, либо от греха, как от коррупции или адаптации первого. Самые ранние нервы были флексивными отметками, которые указывали на общую форму, но не обязательно на точные ноты или ритмы, которые нужно было исполнять. Более поздние разработки включали использование усиленных сосудов, которые показывали относительные смолы между штанами, и создание четырехстрочного музыкального персонала, который идентифицировал конкретные смолы. Нейсы обычно не указывают ритм, но дополнительные символы иногда сопоставляются с элементами, указывающими на изменения артикуляции, продолжительности или темпа. Новейная нотация была позже использована в средневековой музыке, чтобы обозначить определенные ритмы ритма, называемые ритмическими режимами, и в конечном итоге превратилась в современную музыкальную нотацию. Номическое обозначение остается стандартным в современных изданиях гласного. Самые ранние западные обозначения для пения появляются в девятом веке. Эти ранние неуправляемые штаны, называемые хейрономическими или в кампо-аперто , представлялись как волнистые линии свободной формы над текстом. Различные исследователи рассматривают их как происходящие из cheironomic жесты рук, от экфотетической нотации византийского пения или от знаков препинания или акцентов. Единственный элемент может представлять собой единый шаг или серию смол, исполняемых на одном слоге. Хейрономические нити указывали на изменения высоты и продолжительности в каждом слоге, но не пытались указывать высоты отдельных нот, интервалы между смолами в пределах нейма и относительные начальные отметки разных слогов. Имеются данные о том, что ранняя западная музыкальная нотация, в виде предметов в campo aperto (без штатных линий), была создана в Меце около 800 человек, в результате стремления Карла Великого к франкским церковным музыкантам сохранить нюансы исполнения, используемые Римские певцы. Предположительно, они предназначались только как мнемоники для мелодий, изученных ухом. Самые ранние сохранившиеся рукописи (девятого-десятого века) таких невключений включают: Аббатство Св. Галла, в современной Швейцарии Мессинские беспорядки (из монастыря Мец на северо-востоке Франции) Aquitanian neumes (южная Франция, также используемая в Испании) Лаон, Шартр, Монпелье Диграфические элементы Диграфские личинки в рукописи 11-го века из Дижона. Будут указаны имена букв для отдельных заметок в абзаце. В начале одиннадцатого века беневентаны (из церквей Беневенто на юге Италии) были написаны на разных расстояниях от текста, чтобы указать общую форму мелодии; такие сосуды называются «повышенными» или «диастомическими», что указывает на относительные смолы между сосудами. В нескольких рукописях того же периода используется «орфографическая» нотация, в которой имена заметок включены ниже. Вскоре после этого от одной до четырех штатных линий - инновации, традиционно приписываемой Гвидо д'Ареццо, - выяснили точную взаимосвязь между смолами. Одна строка была отмечена как представляющая конкретный шаг, обычно C или F. Эти элементы напоминали тот же тонкий, сценический стиль хирономической нотации. К XI веку хирономические нити превратились в квадратные обозначения; в Германии, вариант, называемый готическими нитями, продолжал использоваться до XVI века. Этот вариант также известен как обозначение Hufnagel , так как используемые элементы похожи на гвозди (hufnagels), которые используются для прикрепления подков. «Gaudeamus omnes», из Graduale Aboense, был написан с использованием квадратной нотации. «Gaudeamus omnes», из Graduale Aboense, был написан с использованием квадратной нотации. К тринадцатому столетию элементы григорианского пения обычно пишутся в квадратных обозначениях штатом с четырьмя линиями и тремя пробелами и маркером, как в приведенном здесь в XVIV -XV в. В квадратных обозначениях небольшие группы восходящих заметок на слоге показаны как уложенные квадраты, считанные снизу вверх, а нисходящие заметки записываются с бриллиантами, читаемыми слева направо. В мелизматических песнопениях, в которых слог может быть послан на большое количество заметок, ряд меньших таких групп нитей записывается последовательно, читается слева направо. Специальный символ, называемый custos , расположенный в конце системы, показал, какой шаг появился в начале следующей системы. Специальные элементы, такие как oriscus, quilisma и ликвидные тела, указывают на специфические вокальные процедуры для этих заметок. Эта система квадратных обозначений является стандартной в современных песнопениях. Оценка музыки Ренессанс Искать: Ренессанс Христос дал ключи от Питера, написанные Перуджино. Линейная перспектива в живописи эпохи Возрождения. Христос дал ключи Петру. Перуджино, c. 1482. Ренессанс - это период с четырнадцатого по семнадцатый век, который считается мостом между средневековью и современной историей. Это началось как культурное движение в Италии в конце средневекового периода, а затем распространилось на остальную Европу. Некоторыми хорошими ранними примерами были развитие перспективы в масляной живописи и переработанное знание того, как сделать бетон. Хотя изобретение металлического подвижного типа ускорило распространение идей с конца пятнадцатого века, изменения Возрождения не были единообразно пережиты в Европе. Как культурное движение, оно охватывало инновационное расцвет латинской и народной литературы, начиная с возрождения четырнадцатого века обучения, основанного на классических источниках, которые современники приписывают Петрарчу; развитие линейной перспективы и другие методы обеспечения более естественной реальности в живописи; и постепенная, но широко распространенная реформа образования. В политике Возрождение способствовало развитию конвенций дипломатии, а в науке - усилению зависимости от наблюдения. Хотя Ренессанс видел революции во многих интеллектуальных занятиях, а также в социальных и политических потрясениях, он, пожалуй, наиболее известен своими художественными разработками и вкладом таких полиматов, как Леонардо да Винчи и Микеланджело, которые вдохновили термин «человек эпохи Возрождения». Витрувианский человек Леонардо да Винчи, ок. 1492. Чернильный рисунок. Витрувианский человек Леонардо да Винчи, ок. 1492. Существует мнение, что эпоха Возрождения началась во Флоренции в четырнадцатом веке. Были предложены различные теории, объясняющие их происхождение и характеристики, с упором на множество факторов, включая социальные и гражданские особенности Флоренции в то время; его политическая структура; патронаж его доминирующей семьи, Медичи; и миграция греческих ученых и текстов в Италию после падения Константинополя от рук османских турок. Другими крупными центрами были северные итальянские городские государства, такие как Венеция, Генуя, Болонья, Милан и, наконец, Рим во времена папства эпохи Возрождения. Ренессанс имеет длинную и сложную историографию и, в соответствии с общим скептицизмом дискретных периодиций, среди историков много споров, связанных с прославлением эпохи Возрождения и героев культуры эпохи XIX века, как «люди эпохи Возрождения», полезность Ренессанса как термин и как историческое разграничение. Исторический историк Эрвин Панофски заметил это сопротивление понятию «Возрождение»: Возможно, не случайно, что фактичность итальянского Возрождения наиболее подверглась сомнению теми, кто не обязан проявлять профессиональный интерес к эстетическим аспектам цивилизации - историкам экономических и социальных событий, политических и религиозных ситуаций, и, в большинстве случаев, в частности естествознание, но только исключительно студентами литературы и почти никогда историками искусства. Некоторые подвергли сомнению, является ли эпоха Возрождения культурным «продвижением» со средневековья, вместо этого рассматривая ее как период пессимизма и ностальгии по классической древности, в то время как социально-экономические историки, особенно долгоживущие , вместо этого сосредоточили внимание на преемственность между двумя эпохами, которые связаны, как заметил сам Панопский, «на тысячи связей». Слово « Ренессанс» , буквально означающее «Возрождение» на французском языке, впервые появляется на английском языке в 1830-х годах. Слово встречается в работе 1855 года Жюля Мишле, Histoire de France . Слово « Ренессанс » также было распространено на другие исторические и культурные движения, такие как возрождение Каролингов и Возрождение XII века. ЛИЦЕНЗИИ И АТРИБУТЫ 6 месяцев назад Поделиться ...Ваш текст