Наивное Искусство в следующем году. , Вы определены, что с поклонением. всех...компания мушкетеров короля Наивное Искусство История искусства Доисторический Романское искусство Искусство 20 век Художников, которые Изменил мир архитектура & Скульптура Фотография Классический Музыка Художественные стили в искусстве XX века НАИВНОЕ ИСКУССТВО смотрите также: Эдвард Хикс Амми Филлипс Поле Эраста Солсбери Анри Руссо Бабушка Моисей Джон Кейн Нико Пиросмани Генри Дарджер Мод Льюис Нина Барка Иван Генерал Иван Рабузин Чарльз Высоцки Josip Generalic Адри Мартенс Содержание: I. Рождение наивного искусства II. Назад к источникам: от примитивов к современному искусству III. Открытия на Востоке Вывод: наивное искусство действительно наивно? I. Рождение наивного искусства Когда наивное искусство родилось? Существует два возможных способа определения наивного искусства. Один из них заключается в том, что это произошло, когда наивное искусство было впервые принято как художественный режим статуса, равный любому другому художественному способу. Это датирует его рождение в первые годы двадцатого века. Другое - воспринять наивное искусство как нечто большее или меньшее, и оглянуться на человеческую предысторию и на то время, когда все искусство было такого типа, который теперь можно было бы назвать наивным - десятки тысяч лет назад, когда первый Наскальные рисунки были выгравированы, и когда были выцарапаны первые изображения пещер - медведей и других животных. Если мы примем это второе определение, мы неизбежно столкнемся с очень интригующим вопросом, так кто же был этот первый наивный художник? Много тысяч лет назад, на заре человеческого сознания, жил охотник. Однажды он пришел к нему, чтобы поцарапать на гладкой скале контуры оленя или козы в результате бегства. Одной экономичной линии было достаточно, чтобы сделать изящную форму изящного существа и стремительную скорость его полета. Опыт охотника был не опытным художником, а просто охотником, который всю свою жизнь наблюдал за его «образцом». Невозможно на этом расстоянии вовремя узнать, почему он сделал свой рисунок. Возможно, это была попытка сказать что-то важное для его семейной группы; Возможно, это означало божественный символ, прелесть, предназначенная для достижения успеха в охоте. Безотносительно - но с точки зрения искусствоведа такая художественная форма выражения свидетельствует, по крайней мере, о пробуждении индивидуальной творческой энергии и необходимости после ее накопления в процессе встреч с природой Найти выход для него. Этот первый художник действительно существовал. Он должен был существовать. И поэтому он должен был быть по-настоящему «наивным» в том, что он изобразил, потому что он жил в то время, когда не было изобретено никакой системы изобразительного представления. Только после этого такая система постепенно начала складываться и развиваться. И только когда такая система на месте, может быть что-то вроде «профессионального» художника. Очень маловероятно, например, что картины на стенах пещер Altamira или Lascaux были творениями неквалифицированных художников. Точность в изображении характерных особенностей зубра, особенно их массивная ловкость, использование светотени, общая красота картин с их тонкостями окраски - все это, несомненно, свидетельствует о блестящем мастерстве профессионального художника. Так что насчет «наивного» художника, того охотника, который не стал профессионалом? Вероятно, он продолжал свои живописные эксперименты, используя любые материалы, которые были под рукой; Люди вокруг него не воспринимали его как художника, и его усилия были довольно хорошо проигнорированы. Аноним, Антилопы и Мужчины , регион Камберг, Африка. Любая система изобразительного изображения - действительно, любой систематический художественный способ - автоматически становится стандартом, с помощью которого можно судить тех, кто по неспособности или непокорности не придерживается этого. Народы Европы бережно сохранили столько шедевров классической древности, сколько им удалось, и скрупулезно передали истории имена классических художников, архитекторов, скульпторов и дизайнеров. Какова была вероятность того, что какой-нибудь менее смертный из афин пятого века до нашей эры, который пытался нарисовать картину, мог бы помнить и сегодня, когда большинство древних фресок не сохранилось и время не сохранилось для нас Станковые картины тех легендарных мастеров, чьи имена были увековечены через написанное слово. Имя Генри Руссо из классических Афин было потеряно навсегда - но он, несомненно, существовал. Золотое сечение, «канон» (идеальных пропорций) человеческой формы, используемой Поликлитом, понятие «гармонии», основанное на математике, чтобы придать совершенство искусству, - все это происходит от одного острова древней цивилизации по течению Истинное море «диких» народов: греков. Во всем мире греки встретили этот приступ дикости. Например, каменные статуи женщин, выполненные скифами в районе к северу от Черного моря, считались варварским «примитивным» искусством, а его скульпторы - «наивными» художниками, не обращающими внимания на законы гармонии. Аристид Кайо, «Безумный человек» , 1942 Анонимный, Мужской идол , 3000-2000 гг. Уже в третьем веке до н.э. влияние «варваров» начало проникать в римское искусство, которое в то время было в значительной степени производным от греческих моделей. Римляне верили не только в то, что они были единственной истинно цивилизованной нацией в мире, но и в том, что их задачей было цивилизовать других из их некультурных способов, приблизить свои примитивные формы искусства к строгим стандартам классического искусства Империи. Тем не менее, римские скульпторы могли свободно интерпретировать форму «варварским» способом, например, создавая такую ​​скульптуру, которая казалась примитивной и оставляла поверхность неровной и слегка полированной. Результат был иронически в том, что «правильному» классическому искусству не хватало того впечатления, которое было характерно для предшествующих лет в третьем веке до нашей эры Превзойдя господство Рима в большинстве стран Европы, «варвары» отказались от классической системы искусства. Казалось, что «канон», так понятный Поликлуту, никогда не существовал. Теперь искусство научилось пугать людей, внушать благоговение и трепет своей экспрессией. Столицы средневековых романских соборов роились со странными существами с короткими ногами, крошечными телами и огромными головами. Кто их вырезал? Известно очень мало имен создателей. Несомненно, однако, что они были прекрасными ремесленниками, виртуозами в работе с камнем. Они также были настоящими художниками, или их работа не могла бы испускать такую ​​огромную силу. Эти художники происходили из того параллельного мира, который существовал всегда, в мире того, что европейцы называют «примитивным» искусством. Анонимный, святой Георгий, прячущий дракона Наивное искусство и художники, создавшие его, стали известны в Европе в начале двадцатого века. Кто были эти художники и каков их фон? Чтобы выяснить это, мы должны повернуть время вспять и посмотреть на историю искусства того времени. Интересно, что на протяжении большей части прошедшего столетия наивные художники, кажется, привлекали к себе гораздо меньше внимания, чем те, кто отвечал за их «раскрытие» или за их публикацию. Но это не является чем-то необычным. В конце концов, наивные художники, возможно, никогда не попали бы в поле общественного внимания, если бы не увлечение другими своими молодыми европейскими художниками авангардистского движения за их работу - авангардными художниками, чья собственная работа Теперь, на рубеже тысячелетий, также перешла в историю искусства. Таким образом, мы не должны рассматривать работы, скажем, Анри Руссо, Нико Пиросмани, Ивана Генерала, Андре Баучанта или Луи Вивина, не ссылаясь при этом на идеи и стили таких признанных мастеров, как Пабло Пикассо, Анри Матисс, Жанна Миро, Макс Эрнст и Михаил Ларионов. Но, конечно, чтобы эта ссылка сама по себе представляла проблемы. На кого повлияло, каким образом и каков был результат? Работа наивных художников ставит так много вопросов такого рода, что эксперты, несомненно, все еще будут пытаться разгадать ответы на время. Главная необходимость заключается в том, чтобы установить для каждого из наивных художников, кто или чем был главным источником их вдохновения. Это затем должно быть расположено в рамках, выражающих отношение художника к «классическому» академическому («официальному») искусству того периода. Трудно продвигаться вперед в таких исследованиях, вопросы еще более осложняются тем фактом, что такие вопросы могут сами иметь более одного ответа - и что каждый ответ может подвергаться различной интерпретации различными экспертами в любом случае. Становится хуже. Все время работы неизвестных ранее наивных художников выходят на свет, некоторые из них с ранних дней наивного искусства, некоторые из них относительно современны. Их искусство может добавить к нашему пониманию феномена наивного искусства или вообще изменить его. Только по этой причине просто было бы невозможно прийти к пониманию наивного искусства, которое было четко определено, полно и статично. Серафина Луи, «Цветы вишни» Серафина Луи, «Цветы вишни» Поэтому в этом исследовании мы рассмотрим только те выдающиеся, но чрезвычайно разнообразные примеры наивного искусства, которые действительно представляют собой указатели на подлинный стиль, подлинное направление в изобразительном представлении, хотя и малоизвестное в настоящее время. Подумайте об этой книге, если хотите, в качестве предварительного эскиза для картины, которая будет дополнена будущими поколениями. Трудно - возможно даже невозможно - количественно оценить влияние Анри Руссо , Нико Пиросмани и Иван Общие сведения о профессиональных «современных» художниках и произведениях искусства, которые они производят. Причина очевидна: трое из них не принадлежали ни к одной конкретной школе и, по сути, не работали над какой-либо конкретной системой искусства. Именно по этой причине настоящие ученые наивного искусства немного тонки на земле. В конце концов, трудно найти какой-либо основной элемент, какой-либо последовательный фактор, который объединяет их искусство и позволяет изучать его как дискретное явление. Проблемы начинаются даже при нахождении надлежащего названия для этого вида искусства. Ни один термин не является достаточно описательным. Это все очень хорошо консалтинговые словари - они не очень полезны в этой ситуации. Например, определение слова «примитив» в отношении к искусству может быть «Художником или скульптором периода, предшествующего Возрождению». Это определение на самом деле не является сегодня необычным в словарях - но оно было впервые написано в девятнадцатом веке и в настоящее время сильно устарело, потому что концепция «примитивного» искусства расширилась и включает искусство неевропейских культур в дополнение к искусству Наивных художников во всем мире.Используя такое огромное разнообразие существ, этот термин, таким образом, приобрел широту, что делает его, как определение, неопределенным. Описание «примитив» просто не является достаточно точным для применения к произведениям Неопытные художники. Анри Руссо , Война , 1894 Анри Руссо , «Спящая цыганка» , 1897 Слово «наивный», который подразумевает естественность, невинность, неповрежденность, неопытность, доверчивость, бесхитростность и бесхитростность, имеет для него описательно эмоциональное звучание, которое четко отражает дух таких художников. Но в качестве технического термина он открыт для путаницы. Подобно Луи Арагону, мы могли бы сказать: «Наивно считать эту картину наивной». Было предложено множество других описательных выражений, чтобы заполнить этот пробел. Вильгельм Уде назвал выставку 1928 года в Париже Les Artists du Sacre-Coeur, видимо, намереваясь подчеркнуть не столько местоположение, сколько чистейшую природу расположения художников. Другое предложение состояло в том, чтобы назвать их «инстинктивными художниками» применительно к интуитивным аспектам их метода. Вет еще один был «нео-примитивами» как своего рода ссылкой на идею стиля «первобытного» стиля девятнадцатого века, хотя и отличает их от него. Другая фракция подхватила замечание Гюстава Коквита, хвалившего работу Анри Руссо, и решила, что их следует называть «воскресными художниками». Из всех предложенных различных условий наивно было побеждать. Это слово используется в названиях книг и в названиях растущего числа музеев. Предположительно, именно сочетание моральных и эстетических факторов в творчестве наивных художников кажется подходящим в описании. Герд Клаусснитцер также считает, что этот термин подразумевается уничижительно, как комментарий школы реалистов девятнадцатого века о явно неуклюжем и неквалифицированном стиле живописи. «При всем том, для неискушенного читателя или зрителя термин« наивный художник »действительно приносит Чтобы проследить образ художника как очень человеческий тип человека. Каждый студент искусства чувствует естественное принуждение, чтобы попытаться классифицировать наивных художников, классифицировать их на основе некоторой особенности или особенностей, которые они имеют вместе. Проблема в том, что наивные художники, как отмечалось выше, не принадлежат к какой-либо специальной школе искусства и не работают по отношению к какой-либо конкретной системе выражения. Именно поэтому профессиональных художников так привлекают их работы. Подводя итог своей долгой жизни, Морис де Вламинк писал: «Я, похоже, изначально следовал фовизму, а затем следовал за ним по стопам Сезанна. В любом случае - я не возражаю ... пока я прежде всего оставался Вламинком». Наивные художники с самого начала были независимы от других видов искусства. Это их существенное качество. Парадоксально, но именно их независимость определяет их сходство. Они, как правило, используют одни и те же темы и темы; Они, как правило, имеют одинаковые взгляды на жизнь в целом, что в значительной степени приводит к тому же стилю живописи. И это сходство прежде всего связано с инстинктивной природой их творческого процесса. Но это, почти все наивные художники, были или были в некоторой степени связаны с той или иной непрофессиональной областью искусства. Наиболее популярным направлением искусства для наивных художников на сегодняшний день является народное искусство. Поль Гоген , Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем? Современное искусство в поисках нового материала Восстание романтизма против классицизма и вызванный этим всеобщий энтузиазм в отношении произведений искусства, разрушивших классическую форму, создали сцену событий, которые произошли на пороге между XIX и XX веками. Классические стили живописи стали устаревшими: даже его упорные чемпионы поняли, что классицизм переживает кризис. Историческая и жанровая живопись, описанная в парижских салонах, заняла позицию Леонардо о том, что «искусство должно быть зеркальным отражением реальности» в качестве оправдания простой пошлости, которую великий итальянский мастер, разумеется, не предусмотрел. Восхищение древним миром превратилось из рабской преданности в произведения Плутарха в похотливую сентиментальность, воплощенную в таких работах, как «Аукцион женского раба» Жана-Леона Жерома. Точно так же растущий интерес к достопримечательностям таинственного Востока привел к не более чем множеству изображений обнаженных красавиц в облицованных плитками бассейнах. В то же время стремление к естественному изображению, к реальности изложения, стимулировало развитие фотографии, которая на одном этапе была жестоким конкурентом живописи. В конце концов, Андре Мальро справедливо сказал, что одной и той же заботой фотографии должно быть подражание искусству. Стремясь как-то превзойти фотографию на своих условиях, художники прибегали к копированию трехмерной природы в мельчайших деталях, используя множество мазков. Это было само по себе не чем иным, как признанием неспособности и поражения живописи. И таков был конец господства Академии, которая продолжалась с семнадцатого века. Самый освобожденный из художников эпохи романтики больше не беспокоился о реальности изложения: фотография, воспроизведя реальность как мгновение трехмерной истории, пойманной навсегда, вызвала окончательный уход от нее. Гораций Пиппин, воскресенье Утро Завтрак , 1943 Эмма Стерн, Автопортрет , 1964 Сава Секулич, Портрет мужчины с усами Мари Лорансен, итальянец, 1925 Знаменитые слова Мориса Дени, написанные в возрасте 20 лет в 1890 году, приобретают особое значение в этом отношении. «Помните, что картина, прежде чем стать военной лошадью или обнаженной женщиной, или сцена из рассказа, - это по существу плоская поверхность, покрытая цветами, собранными в определенном порядке». Это были мастера самых ранних эпох Возрождения, уже известные обычно как «примитивы» в Европе девятнадцатого века, чья работа могла бы использоваться, чтобы обеспечить руководство в понимании роли плоской поверхности в качестве основы для цвета. И это наследие имело потенциал привести к новому Возрождению, о котором мечтали будущие импрессионисты в своей юности. То, что заметил известный немецкий философ Освальд Шпенглер «Der Untergang des Abendlandes», «упадок Запада» (который был названием его книги), также был мощным фактором, увеличившим разрыв между художниками, которые решили выглядеть рупором системы Классических древних и художников, у которых не было грузовика с такими критериями. Политический евроцентризм рухнул под давлением сложного множества давлений, и сделал это именно в это время - порог между этими двумя веками. Однако уже тогда европейские художники уже некоторое время были начеку, чтобы узнать новые вещи из других частей света. Так, например, в своих исследованиях «загадочного Востока» романтическая молодежь 1890-х годов изучала японское и китайское искусство как часть поиска разных подходов к «плоской поверхности», о которых писал Морис Дени. Ближе к дому исламское искусство - «примитивное» в наиболее совершенном смысле этого слова - в течение первого десятилетия двадцатого века значительно возросло, что усилилось после крупных выставок в Париже и Германии. Наибольший импульс новой форме романтического искусства пришёл в виде массового притока работ из «примитивного» мира - из Центральной и Южной Америки, но большей части из Африки, - которые вылились в Европу на рубеже двадцатого Века, главным образом через колониальных агентов. До этого времени единственное возможное описание произведений искусства из этих областей было «примитивным». Чудесные золотые изделия, созданные перуанцами и мексиканцами, которые затопляли Европу после открытия и колонизации их земель, рассматривались просто как драгоценный металл, который можно было переплавить и переработать. Музеи хранили и показывали предметы из Африки и Тихого океана, но мало интересовались их получением. Поль Гоген , Эйяха Охипа , 1896 Однако к концу девятнадцатого века территории мира, открытые для исследований и торговли в Европе, так резко расширились, что в далеких странах стали объектами не только любопытства, но и изучения. Появилась новая наука - антропология. В 1882 году в Париже открылся антропологический музей. В 1893 году в Мадриде состоялась выставка Центральной Америки. В 1898 году французы обнаружили богатый источник племенного искусства в своей колонии в Западной Африке Бенина (по имени Дагомеи с 1899 по 1975 год). Так было, что, хотя первая выставка африканского искусства была установлена ​​в Париже только в 1919 году, молодые художники к тому времени уже были знакомы с африканскими артефактами довольно долгое время. По словам одного арт-дилера, у некоторых парижских художников были личные коллекции из черной Африки и Океании. Более чем возможно, что немецкий коллекционер экспрессионистов Карл Шмидт-Роттлуф проявил интерес к сбору таких предметов еще раньше. Его товарищ экспрессионист Эрнст Киршнер утверждал, что он «обнаружил» черную африканскую скульптуру еще в 1904 году в антропологическом музее. Иван Веценай, Ужин ночи Янко Брасич, танцы в кругу рядом с церковью Одно событие, в частности, ознаменовало собой значительную стадию взаимодействия между европейским и африканским искусством в том смысле, что оно предвосхитило омоложение первого из них. Рассказ позже был передан художником Морисом де Вламинцем и его друзьями. Vlaminck возвращался от делать некоторые эскизы в Argenteuil, к северо-западу от Парижа, когда он решил остановиться на бистро. Там он был удивлен, увидев, что между стеллажными бутылками Перно, деревянными статуэтками и масками, привезенными из Африки сыном бистро-хозяина. Вламинк тут же купил партию. Как только он вернулся домой, он показал их своему спутнику студии Андре Дерэну, который был настолько впечатлен, что, в свою очередь, убедил своего друга продать им все это ему. Предположительно, Дерен взял их в мастерскую Матисса, чтобы показать ему, и это повторилось снова, потому что Пикассо был поражен тем, что его показали, когда его специально пригласил Матисс на ужин. Рассказ был завершен Максом Джейкобом, который рассказал, как на следующее утро он обнаружил Пикассо над книгой, на каждой из которых была все более упрощенная голова женщины. Вламинк понял, что было самым ценным пунктом вещей «примитивным». «Черное африканское искусство управляется самыми простыми средствами, чтобы передать впечатление величественности, но также и неподвижности». Тем не менее, пройдя через руки Вламина, Дерен и Матисса - все из них великие художники - африканская скульптура непосредственно затронула только Пабло Пикассо. Vlaminck от этой истории до 1905 года, хотя, скорее всего, это произошло чуть позже. В любом случае все вовлеченные художники были к тому времени настроены примириться с искусством как с полным и целостным явлением, а не просто с массой индивидуальных и разнообразных предметов. В значительной степени Пикассо постепенно выяснял, как выявить изначальную природу Объектов благодаря выразительности африканской скульптуры. Именно это открытие послужило толчком для его дальнейшего развития кубизма. Как ни примитивно, ощущение формы, представленное черной африканской скульптурой, может показаться европейскому глазу, оно представляло эстетическую школу, которая была многовековой и традиция мастерства, унаследованная от отдаленных предков. То, что система существует, означает, что ее можно изучать, учиться у нее и работать над ней. Вот почему влияние африканской резьбы на европейское искусство было столь заметно в XX веке. Сегодня в художественных курсах многих учебных заведений основное внимание уделяется взаимосвязи между живописью двадцатого века и черным африканским искусством, а также влиянием художественных форм родной Северной Америки, Океании и арабской / исламской Африки на художников Европы и Северной Америки От Гогена до сюрреалистов. Как сказал арт-эксперт Жан Лауд, «открытие» черного африканского искусства европейцами », по-видимому, является неотъемлемой частью общего процесса обновления источников; Это, безусловно, способствующий фактор ». Именно на пике этой волны энтузиазма, в самый момент« заката Запада », появились наивные художники. Не было необходимости искать их в Африке или в Океании. Джон Бенстед, «Руссо Банкет» Discovery - Банкет в честь Руссо Импрессионизм фактически оказал большее влияние на искусство в целом, чем это первоначально казалось. Восстание против «тирании» старой и традиционной системы классицизма, которую оно разжигало, - установление принципа свободы в содержании, форме, стиле и контексте - привело к расширению всей концепции самого искусства. К концу периода импрессионистов - настолько, что их навсегда навешивают ярлыками Постимпрессионистов - Пол Гоген и Винсент Ван Гог присоединились к рядам импрессионистов. То, чего им не хватало в обучении, они компенсировали тяжелым трудом. Действительно, только в самых ранних картинах Гогена есть какой-то недостаток умения. И когда Ван Гог прибыл в Париж в 1886 году, никто не выразил никаких сомнений в его достоинстве занять его место среди международной клики художников в общине на Монмартре, которая к тому времени существовала там почти столетие. Возможно, неизбежно, однако, эта пара не нашла признания в салоне, посвященном самым классическим формам современного искусства. Тем не менее они смогли выставить свои работы публике, тем более, что парижские арт-дилеры - марши открывали все больше галерей. В 1884 году был открыт Салон Независимых. Это не имело комитета по отбору и было специально создано для показа работ тех художников, которые красили на жизнь, но еще не могли или не хотели соответствовать требованиям официальных салонов. Конечно, таких художников было много - и, конечно, среди огромного множества их, в основном, бездарных работ, не всегда легко идентифицировать те картины, которые были исключительными по достоинству. Анри Руссо служил таможенником в Ворота Ванв в Париже. В свободное время он рисовал, иногда по заказу для своих соседей, а иногда и в обмен на еду. Из года в год, с 1886 по 1910 год, он приносил свои работы в Салон Независимых для показа, и из года в год его работа была выставлена ​​на всеобщее обозрение, несмотря на полное отсутствие профессиональной ценности. Тем не менее он гордился тем, что числился среди артистов города, и наслаждался тем правом, которое им всем приходилось видеть, когда их работы показывали публике, как более принятые артисты в лучших салонах. Анри Руссо был одним из первых в своем поколении, чтобы осознать наступление новой эры в искусстве, в которой можно было понять понятие свободы - свобода стремиться быть описанной как художник независимо от определенного стиля живописи или владения Или отсутствие профессиональной квалификации. Его знаменитая картина (ныне находящаяся в Национальной галерее в Праге) от 18,90 и озаглавленная «Я, портретный пейзаж», а не сравнительно слабый автопортрет, отражала ту же кипучую уверенность в себе, которая была характерна для него, и создала образ Художника-любителя, занявшего его место в рядах профессионалов. «Его самая характерная черта заключается в том, что он спортивный кустистая борода и какое-то время оставался членом Общества Независимых, полагая, что творческая личность, чьи идеи высоко ценятся над остальными, должна получить право на неограниченную свободу Самовыражения ", было то, что Руссо написал о себе в своих автобиографических заметках. Генри Руссо , Себя , Портрет-Пейзаж , 1890 Случилось так, что Пабло Пикассо на регулярной основе посетил магазин «Брик-а-брех» М.Сулье на улице Де Мучеников: иногда ему удавалось продать одну из своих картин М. Солье. В один из таких случаев Пикассо заметил странную картину. Его можно было бы ошибочно принять за стилистику о типе церемониальных портретов, выпущенных Джеймсом Тиссо или Чарльзом-Эмилем-Огюстом (Каролус-Дюран), если бы не его необычайный вид серьезности. Лицо довольно непривлекательной женщины, изображенной с необычно точной детализацией, приданной ее индивидуальным особенностям, но с чувством глубокого уважения к сидящему. Каким-то образом женская фигура, одетая в суровый костюм с сложными складками и морщинами и окруженная удивительным паноптиком анютиных глазок в горшках на балконе, наблюдая за виднейшей птицей, летящей через облачное небо, и держащей большую веточку в одной руке, искала Весь мир, как модель фотографа, созданный фотолюбителем-любителем, но все еще был реалистичным и арестованным. Художником был Анри Руссо . Цена была пять франков. Пикассо купил его и повесил в своей мастерской. На самом деле, не только Пикассо заинтересовался работой Руссо в это время. Арт-дилер Амбруаз Воллар уже купил некоторые картины Руссо, и молодые художники Соня и Роберт Делоне были его друзьями, как и Вильгельм Уде, немецкий искусствовед, который организовал первую персональную выставку Руссо в 1908 году (в помещении Парижская мебель-дилер). Но именно Пикассо вместе со своими друзьями решил в том же году провести вечеринку в честь Руссо. Это произошло в студии Пикассо на улице Ravignan в доме под названием Бато-Лавуар. Около тридцати человек пришли, многие из них, естественно, друзья и соседи Пикассо, но другие присутствовали в том числе критик Морис Рейналь и американцы Лео и Гертруда Штайн. Десятилетия спустя, в 1960-х годах, когда «банкет Руссо» стал чем-то вроде легенды, один из гостей - наивный художник Мануэль Бласко Аларкон, который был кузеном Пикассо, нарисовал картину этого события из памяти. Анри Руссо был изображен стоящим на трибуне перед одной из его собственных работ и держащим скрипку. А вокруг стола сидели разные гости, которых Аларкон изображал в стиле Гертруды Штайн Пикассо и Аполлинера Анри Руссо и Мари Лорансен . Иван Рабузин , Кловер на Холме , 1988 Елена А. Волкова, Молодая девушка из г. Сибера На банкете все эти годы ранее пожилой экс-Дуанир Руссо (тогда в возрасте 64 лет, уволившийся со своего таможенного поста в возрасте сорока одного года, чтобы сосредоточиться на искусстве) оказался окруженным в основном живыми молодыми намерениями Хорошо провести время, но культурно. Произносили стихи даже после ужина. Танцевали под музыку Джорджа Брака на аккордеоне и Руссо на скрипке - на самом деле, Руссо играл вальс, что он сочинил сам себя. «Вечеринка была сильной на рассвете на следующий день, когда Руссо, эмоциональный и более Чем полусон, был, наконец, помещен в фикцию, чтобы отвезти его домой. (Когда он вышел из фиакры, он оставил в ней все копии стихов, написанных для него Аполлинером и заботливо поданных ему в качестве праздничного подарка.) Даже после того, как он ушел, молодые люди продолжали прямо с пирушками . Только позже в воспоминаниях людей, которые были там, этот «банкет» выделялся в их умах как поистине замечательный случай. Только тогда отдельные анекдоты о том, что произошло там, приняли аспект мифического и магического. Немало приходилось вспоминать, как пьяная Мари Лорансен подпрыгивала к булочкам и выпечке. Другие неизгладимо напомнили заявление Руссо Пикассо о том, что «Мы двое - величайшие художники нашего времени - вы в египетском жанре, а я - в современном!» Это утверждение, высокомерное, как могло показаться в то время для тех, кто его слышал, не было таким смешным, как некоторые из присутствующих, возможно, предполагали. Поскольку рассказ о «банкете Руссо» распространился по всему Парижу и за его пределами, люди, которые там были, начали в их сознании редактировать то, что они видели и слышали, чтобы представить свои варианты, когда их спросят. Шесть лет спустя, в 1914 году, Морис Рейнал передал свои воспоминания об этом в журнале Apollinaire Soirres de Paris. Позже Фернанда Оливье и Гертруда Штайн записали об этом в своих мемуарах. В его Сувенирах без плавника, Андре Салмон пошел на значительные усилия , чтобы указать на то , что «банкет» был никоим образом не как шутка на счете Русс, и что - несмотря на предложения об обратном - партия должна была совершенно искренне , как праздник искусства Руссо. Иначе почему он настаивал, что интеллектуалы , как Пикассо, Аполлинер и он сам, Андре Салмон, пошел к проблеме установки банкета в первую очередь? Это было слишком много для французского художника и скульптора Андре Дерена , который публично Салмон парировал, «Что это«. Победа мошенника-артистизм?» Позже, он пожалел о своем порыве, особенно в связи с тактом , что он скорее восхищался работой Руссо, и только поссорился с Вламинк, один из его лучших друзей, когда Vlaminck было достаточно неразумно предполагать в интервью с журналистом , который Дерен был пренебрежительно работы Руссо. Всего лишь несколько лет спустя, и там было на самом деле перепалка о том, кто «открыл» Руссо. Критик Gustavo Coquiot в книге под названием Независимых выразил раздражение, услышав люди говорят , что это был Вильгельм Уде , который введен Руссо и его работу в мире. Как это, он спросил с возмущением, что некоторый немецкий собрат может претендовать в 1908 году представить впервые в парижскую публику парижского художника , чьи работы были на выставке в Париже для тех , кто хотел увидеть его когда - либо с 1885 года или раньше? Письмо с энтузиазмом о картинах Руссо, и хваля его уникальный стиль, Coquiot пошел, чтобы сделать интересный комментарий. «Там должен он много самодеятельный художник во Франции. - воскресных художников , которые до конца недели могут работать мужчины, торговцам и предпринимателям я когда - то подарил художник Vlaminek картину под названием Танец Баядерка, произведенный виноторговца из Нарбонна . это был довольно претенциозный холст в стиле Руссы. Но дело в том , что в другой раз тот же торговец нарисовал картину он назвал Пляс де I'Opera , которые действительно показывают оперу во всех его сложных деталях. Теперь это , безусловно , удивительно!" N Эти слова Coquiot отмечают Нью- линии в спектре, который является историей наивного искусства. Обсуждение и оценка работ Руссо неизбежно привело к дискуссии и (иногда) оценке работ других в том же духе. Соответственно, некоторые, возможно, не столь талантливые, но, несомненно, оригинальные художники были замечены и даже поощряли выйти вперед. Цепь «открытий» последовало. «Primitive1 и„наивное“искусство вдруг все вокруг - в той степени, что профессиональные художники становились активное участие. Михай Даскал, Сломанный мост Михай Даскал, Близко к Ветряной мельнице Обсуждение искусства Обратите внимание: администратор сайта не отвечает на любые вопросы. Это только наши читатели обсуждения. ССЫЛКА, Наивное Искусство ..Наивное Искусство Материал из Википедии, свободной энциклопедии Для другие значения, см Наивное Искусство (значения) . "Наивное Искусство" перенаправляется сюда. Для другие значения, см Наивное Искусство (значения) . Страница частично защищенных Наивное Искусство Наивное Искусство Наивное Искусство

Наивное Искусство

Наивное Искусство (сигнал) Из Википедии, свободной энциклопедии Что наивного искусства? Что наивного искусства? Для многих термин "наивное искусство" вызывает в воображении зеленые долины и счастливые хутора Анны Марии Робертсон ("Бабушка") Моисея, буйной растительности и экзотических джунглях Анри Руссо, и расцвета Южных морей островов и нетронутых Таити женщин Павла . Гоген бразильцы определить наивного искусства с завораживающе красочные деревни сцены Ана Мария Диас; в фольклорные мотивы Розина Беккер сделать Valle; и проницательные Библейские толкования Хосе де Фрейтас. Европейский наивное искусство Восточной связано с мощными деревенских сцен Генералич и цветочных угодий Ивана Rabuzin. ВИзраильНапомним, богатые библейские сцены и каббалистические образность zeigermacher Цфат (часовщик), Шалом Moscovitz, любовно известный как "Шалом из Z'fat", и мы упиваться анахронического фантасмагории Габриэль Коэн. Но то, что наша ассоциация с термином "наивного искусства", один ударил с ближней универсальный привлекательности этого вида искусства волнующей. Возможно, это обращение связано с небесной, радости вдохновляющим палитре цветов, выбранных наивных художников изобразить своих подданных. Может быть, это простота жанра, который напоминает более раннюю эпоху, когда жизнь была менее неистовый, когда телефон был новинкой и пишущая машинка находка. Или, может быть вневременной характер предмета, напоминая нам о возможности пропустил, из дивных дорог менее путешествовал? Один из выводов, уверен: это искусство, которое согревает сердце и успокаивает душу! Наивное искусство характеризуется освежающий невиновности и очаровательной использования ярких цветов, по-детски точки зрения и своеобразный масштабе. Она изображает простые, легко понятные и часто идеализированные сцены повседневной жизни. Наивный художник - часто самоучка - относится к нам в буквальном однозначно, но очень личного и последовательной, видение того, что мир был, есть и должна быть. Он предлагает нам, часто в мельчайших подробностях, вневременной и оптимистичный изображение древнего библейского рассказа или сказки, обычный возникновения или текущее событие, на специальной церемонии или повседневной деятельности. Наивный живопись суетится с цветом и волнение, наполняется криво юмора и искренность, с необузданной пузыри сочувствия и любви. От наскальных рисунков до сегодняшнего дня, наивное искусство прошла тысячелетий. Как отметили в "Всемирную энциклопедию наивного искусства" (Bihalji-Мерин и Томашевич), так называемые "первобытные люди", живут в каменном веке, посмотрел на своих непосредственных окрестностях для вдохновения, изображая животных, которых они боялись и те, кого они загнали; женская фигура, как символ плодородия; и человек в своем многообразии роли охотника, скотовода и земледельца. В Северная Америка, Наивное искусство возникло, в семнадцатом и восемнадцатом веках, от работы тренер строителей, столяров, и дома, и подписать художников, чьи искусство - в основном портреты высшего класса, пейзажи и исторические сцены - часто обслуживания их профессиональной занятости , Эти наивные произведения (известные как "limnings") были написаны на часто старого дерева и досок, с использованием натуральных цветов, таких как ляпис-лазури и других полезных ископаемых, растительных красителей, металлической пыли и яичным желтком. Из этих скромных начинаний, наивное искусство развивались в США в квакеров картин празднования пуританский достоинство и мир среди мужчин (Эдвард Хикс); дыма почерневшие заводы и исторические темы (Джон Кейн); таинственные, чувственные и эротические работы (Моррис); Хиршфилд религиозные темы (Гораций Пиппин); и сцены из сельской жизни и сельского хозяйства («Бабушка" Моисей). В отличие от культурного "плавильном котле", которая разработала среди новичков стекаются в Соединенные Штаты, Иммигранты поселились в Канадастремились сохранить свои этнические идентичности, а с изображением, с оригинальностью и свежестью, их новой среде. Поскольку большинство канадских naïves поселились далеко от населенных пунктов страны, их произведения проникнуты тем природы и изоляции, семейного очага и сельской жизни, отражая в загородном, подавляющее красоту Канады, вместе с его Старк, часто ледниковых условиях. В Западной Европе, наивное искусство пришли на видное место в конце девятнадцатого века, когда Анри Руссо, "Ле Douanier" (таможенник), начал выставлять свои работы - бок-о-бок с теми, Ван Гога, Сезанна, Тулуз-Лотрека , Сера, Боннар и Матисс - в парижских выставках Салоне Независимых. В 1891 году, когда Руссо производить свой первый джунгли живопись, Поля Гогена, который ушел городской суетыПариж по той простой жизни из Южных морейБыл картина "Женщины Таити." Свобода Руссо выражения и подхода стала вдохновением для французских naïves ХХ века. Как Руссо, эти художники принадлежали к простым людям: Луи Vivin был почтальон; Андре Bauchant, садовник; Жюль Лефранк, скобяными изделиями; Эмиль Блондель, фермер. Их оригинальность стиля, в сочетании с Руссо-как поисках гармоничных отношений между человеком и природой, в результате работ, которые пользуются большой пользу среди искусствоведов и общественности, так, тенденция, которая продолжался на протяжении сегодняшнего дня. Бельгия'S богатую историю искусства и традиции, вместе со своими знакомыми сайтов и архитектуры, образуют фон для свежести и элегантности naïvism страны. Там, кажется, связь между средневековым реализмом Питера Брейгеля Старшего и живописной точности и поэтического видения из ведущих бельгийских naïves сегодня. Бесконечное обаяние и простотаБельгия'ы озера и легенды, города и замки, дома и сады, обеспечивают неотразимые соблазны (и удовлетворение) для этих художников, будь Фламандский или Валлонии. Наивный искусство Нидерландов отражает освежающий свободу от ограничений, характерных «академических» искусства страны. Голландский наивное искусство идеализирует мирное взаимодействие между природой, человеком и животном мире. Капризность преобладает, с веселым сладости в одной работе заменены меланхолии торжественностью в другой. Хотя серая погода в стране ощущается и в большей части работ голландских naives, исключительным чувством света преобладает - как в изображениях клепки идеализированных воспоминаний и в сильных сцен драматических событий. Двадцатый век был периодом большого политического и экономического переворота в Испания а Португалия, Полученный социальные волнения проснулся среди наивных художников в частности, желание сохранить на холсте культуру и традиции народа, а также вневременные моменты ушедшей эпохи. Хотя наивного искусства обоихИспания а Португалияимеет все традиционные элементы naïvism, пристальный взгляд раскрывает существенные различия в предмете и стиля. В то время как испанский наивное искусство отражает благоприятную почву идеализированной фантазии, португальский наивное искусство относится идеализированный воображение на плодородной почве. В то время как испанские naïves гордостью представитьИспания"ы история, архитектура и сады, а также свои традиционные обряды и знаменитых площадей, португальские naïves любовью изображать родную землю, трудящихся фермеров, сверкающие деревни и безоблачное горизонты - радостное брак мужчина, земли и неба. Наивный искусство Италиявозник в районе реки По в первой трети ХХ века. С течением времени, итальянский naïvism постепенно появились вУмбрия, Ломбардия, Подгорный, Сицилия а Сардиния, Итальянские naïves идеализировать их локальную область, смешивая фантазии поэтическую с благоговейным, натуральных изображений повседневной жизни. Хотя стили этих художников в диапазоне от изысканный и элегантный; измеряется и реалистичными; мечтательная и идиллической; лирический и нежный; хроматические и трогательный; они неизменно отражают любовь к итальянской деревне, сельской местности и простого народа. Детски простота преобладает в большей части наивного искусства Великобритания, Такова атмосфера, которая царит в шумных выдач городской жизни; памятный сцена аудиторных занятий; и спокойные моменты вдоль побережья Корнуолла. Очаровательный британский сдержанность парит повсюду - в театральном визита Лондоне; безмятежное набережной,; приглушенный цвета фасад причудливый магазина; и "пернатого друга" в обманки клетке. Без сомнения, морозный климат и тусклые часов, играют важную роль в субъектах доминирующих творчеству скандинавских naives. Тем не менее, оказывается, что каждый из этих артистов "марши в размере другом барабанщиком". В то время как многие финские художники изображают наивные заснеженной Арктики сцены и местных диких животных с большим интеллектом и рассмотрения, другие обращаются к залитой солнцем сцен занятых площадей и детей в игре. Хотя некоторые шведские naives оказать импрессионистские пейзажи или точно нарисованные, пригородные районы, другие предоставляют нам с причудливыми "счастливых часов", джаз-кафе и аппетитных кондитерских изделий. И хотя, как правило, датские naives сосредоточиться на архитектуре и повседневной жизни своих знаменитых городах, несколько очередь для вдохновения библейских историй и верований и поступков местных рыбаков. В Восточной Европе, наивный движение началось в начале 1930-х годов в и вокруг хорватского города Хлебине, Там, фермеры-живописцы, такие как Крсто Хегедушича, Генералич Франьо Мраз и Мирко Virius, сформировали «Земля движение" и, в своих картинах, изображающих начал суровую реальность крестьян много. Кроме того, они начали рисовать на стекле, стремясь к максимальной интенсивности на два-строганного поверхности. Как "Земля Движение" достигли города, а затем растягивается на восток и на север в Сербия (особенно в районах вокруг Ковачица и Ягодина), Венгрия а Румыния, Его сообщение было смягчено менее политизированным крестьянства, исторических и культурных причин, был более оптимистический прогноз жизни. Это развитие - что, вСербияНапример, было отражено в работах Мартина Ионы и Душан Jevtovic - в результате легкие, мягкие цвета, возвращение к живописи на холсте, и идеализированная изображение повседневной жизни. Эти художники подчеркнули торжества жизненные - ярмарки, свадьбы и праздники - и наполнил свои картины с обильными сельскохозяйственных культур, красочно одетых девиц-и танцоров, и залитых солнцем небе. Русский naïvism сложилась в двух параллельных направлениях - первый, фольклорные и крестьянское искусство, коренится в поэтических традиций и характеризуется примитивными функциями и символикой, и второй, популярной городского искусства, включающих личных и импровизационных тем, и под влиянием современных тенденций и общее образование художников. Несмотря на различия в происхождении этих двух потоков, каждый из которых содержит многие из традиционных характеристик naïvism: яркие цвета, по-детски точки зрения и лирической привязанности к земле и тем, кто пашет, сеет и собрать его. В некоторых странах Центральной и Южная Америка, Наивное искусство был вдохновлен коренного мифологии, мистики, культуру и традиции. В то время как культуры майя повлияли на наивных художниковГватемала, Гондурас, Сальвадор и южный Мексика, И местные племенные нравы повлияли на наивных художников Панама; Культуре ацтеков вдохновил наивных художниковМексикаИ инков культуры под влиянием наивных художников Эквадор, Перу а Боливия, В середине ХХ века, произведения этих художников обратился к этническим и фольклорным темам: Матери-Земли и Матери-Природы; религиозные обряды и суеверия; Традиционный одежда и текстиль; ритмы и гармонии в повседневной жизни. До сегодняшнего дня, Гватемалы наивные художникиАтитлан обеспечить эти темы в своих высоты птичьего полета видом сельскохозяйственных культур и сборщиков ночных рынков, в то время как те Comalapa отражают такие темы в своих описаниях шумных рынках, полный автобусов и ритуальные обряды. Мексиканская наивное искусство захватывает жизненную энергию и дух местных народных, изображая - в широком спектре ярких цветов - изобилует торговые места переполнены с фруктами, цветами и керамики; милые девицы в декоративных платьях; и крестьянской жизни в стране и в области. Работы эквадорских naïves сосредоточиться на жизни в горах Tiguan и выделить Cotapaxi, почтенный вулкан; опасные пики переполнены Блит духом пастушьи, работников на местах и ​​праздничных гуляк; и вездесущие кондоров, парящий над головой в защитной (но иногда угрожающей) образом. Точно так же, перуанские naïves сосредоточить свои произведения на опрометчивые высотАнды Горы, Изображая цвет и энергию жизни и культуры сообщества в земле увлекательной скалы, очарование и удивления. Кубинский наивно движение, которое возникло в середине двадцатого века, началась в 1980-х годах, когда местные naives созываемых ряд встреч, направленных на укрепление "коллектив" из художников-самоучек и улучшение имиджа наивного искусства. К 1994 году движение расцвела в "Эль Grupo Bayaté", профессиональную организацию из ведущих наивных художниковКуба, Большинство из которых были сосредоточены неподалеку Сантьяго-де-Куба, Кубинский наивное искусство представляет собой уникальную смесь из мистики, местных ритуалов и религии, а также мечты, природы и повседневной жизни. Это черпает вдохновение трудолюбивых горожан и работников на местах страны, и от местного ландшафта, архитектуры и истории. Джеральд Mouial, в его окончательной, двухтомной набор "Волшебная искусств Кубы", объясняет, что кубинский naïvism глубоко коренится в местной и африканской культуры, и его религиозные причалы "родился из встречи христианства, введенного испанцами завоеватели и анимистические верования ... ... отЗападная Африка". В Бразилия, Наивный движение появилось в конце 1940-х годов с первых выставок Сильвия де Леон Chalreo и Хосе Антонио да Сильва, и с приглашением на наивного художника, Эйтор душ Prazeres, чтобы принять участие в первом биеннале в Сан-Паулу. Возможным объяснением для появления в конце бразильского наивного искусства основывается на истории. В то время как французы, Анри Руссо, Андре Bauchant и Камиль Bombois, и американцев, Эдвард Хикс и "Бабушка" Моисей, с именем, но некоторые (хотя и самый известный), уже "присутствие кредитор" в важных музеев в мире, произведения бразильских наивных "пионеров" были окрашены в отдаленных регионах страны и были обнаружены довольно поздно. Таким образом, на заре бразильского наивного искусства пришли только во второй половине 20-го века. Бразильский наивное искусство, воплощается огромными контрастами, которые возникают, в основном, из смешения в большой стране многих различных культур - таких, как европейских, африканских и индийской - со всего мира. Эта смесь создает благоприятную почву для начинающих художников большой оригинальностью. Бразильцы, естественно, рад, спонтанный и творческий, и раскованно, выражая свои эмоции, и эти черты, вместе со всеми юношеского динамизма оригинальной движения, по-прежнему отражается в наивных картин, произведенных сегодня. Naïvism из Аргентинане поддается простой классификации. Родные обычаи и традиции страны никогда не было драматическое влияние на местных художников, как наивных инков, майя, ацтеков и африканских культур оказали на своих собратьев художников на север. Вместо этого, волны иммиграции в Аргентину - в частности, из Европы - в течение последних двух столетий, и в результате слияние европейских и других обычаев и традиций с тем, коренного населения, оказали большое влияние на жизнь, характер и нравы людей, а также на искусство, архитектуру, музыку и литературу страны. Эти факторы рассматриваются, совершенно ясно, в работах аргентинских naïves, которые изображают, в трогательный цветов и деталей, резонанс города (в частности,Буэнос айрес, "Парижем Южной Америки"), биение танго, пульс пампасы, чванство из гаучо и тихий красота Патагония, На протяжении поколений, наивное искусство остается вездесущей, просачиваясь спокойно под поверхностью и, по случаю, восстанавливая ее популярность в глазах общественности благодаря появлению особо одаренных наивного художника или особенно вокального искусства поклонника готовы свидетельствовать миру красавицы этого уникального вида искусства. Ото Bihalji-Мерин, соавтор "Всемирной энциклопедии наивного искусства», отмечает, что наивное искусство "пережило постоянно меняющейся различные эстетические стили, ... [остальные] существенную часть ... [ искусство] сцена в любой период. "Причина этого явления подведены красиво Жак Ardies, известного бразильского наивного искусства автора и галериста, который наблюдает, в своей книге," наивного искусства в Бразилия": "Диверсифицирован [стилистических подходов]; ... Полный оригинальности и творчества, и ищет в то же время, чтобы захватить природу и великих городов, цифры и ландшафтов, вероисповеданий и традиций ... популярных ... наивные художники переживет эрудицию современного искусства через их откровенность и спонтанность. Они художники, которые не хотят или стремятся изменить мир, их подлинной искусства, а лишь как часть его, делать вид, что магия искусства может помочь человеку обратиться к более простым вещам жизни ". Наивное искусство, вечный жанр, празднует человеческий рассказ и - в отличие от неистовый давления внешнего мира - излучает радость, спокойствие, мир и спокойствие. Мы на заре эпохи Naïvism, жанр, время которой пришло.Для другого использования, см Наивное Искусство (значения) . Вернитесь от Комментария назад Неформат причудливые - большие Наивное Искусство

Наивное Искусство Это бесплатный сайт. Погребение Ирвинг Парк кладбище. [Chicago Tribune, 14 сентября 1964 - Представлен источник # 96] Перейти на ^ Репортер поднял Наивное Искусство на Мэдоффа в 2001 году Перейти на ^ перенапряжения в CRCT результатов повышает 'большой Наивное Искусство " Категории :СвязиКрасные символы Читайте дальше, чтобы узнать, как эта маленькая группа охранников 17-го века прославился своей галантности и приключений.

ЗНаивное Искусство

Наивное Искусство
Наивное Искусство

Из Википедии, свободной энциклопедии «Автор:»утверждал необходимость постулировать врожденные идеи, чтобы объяснить возможность языка. Ссылки на соответствующие статьи Категории : Наивное Искусство Квартал дней Основные праздники..Наивное Искусство «Наивное Искусство» Читайте на много дополнительной информации о мушкетерах. Печать Цитирование и Дата Обратная связь.?!