Что такое музыка в стиле барокко?

Барокко Период барокко относится к эпохе, которая началась около 1600 года и закончилась около 1750 года и включала в себя таких композиторов, как Бах, Вивальди и Гендель, которые первыми стали такими новыми стилями, как концерт и соната. Период барокко ознаменовался взрывом новых музыкальных стилей с введением концерта, сонаты и оперы. Ослабление церковного политического контроля над Европой означало, что теперь может процветать нерелигиозная музыка, в частности инструментальная музыка. Идея о том, что инструменты должны быть сгруппированы стандартным образом, создала первые версии современного оркестра. Важным типом инструментальной музыки в эпоху барокко был концерт. Двумя величайшими композиторами концертов были Корелли и Вивальди. Опера поощряла композиторов придумывать способы иллюстрировать настроения в своей музыке; Воздействие на эмоции слушателя стало основной целью в композиции в этот период. Опера распространилась на Францию ​​и Англию, и такие композиторы, как Рамо, Гендель и Перселл, начали создавать великие произведения. Бах считается одним из величайших гениев в истории музыки. Он продемонстрировал стандартный подход к гармонии, который доминировал в музыке до конца 19 века. Смотреть меньше

Что такое «барокко» и когда был период барокко?

Производный от португальского barroco , или «жемчужины странной формы», термин «барокко» широко использовался с девятнадцатого века для описания периода в западноевропейской художественной музыке примерно с 1600-1750 . Сравнение некоторых из величайших шедевров музыкальной истории с деформированной жемчужиной может показаться нам странным сегодня, но для критиков девятнадцатого века, которые применили этот термин, музыка эпохи Баха и Генделя звучала чересчур украшенно и преувеличенно. Давно отбросив свои уничижительные коннотации, «барокко» теперь просто удобная универсальная возможность для одного из самых богатых и разнообразных периодов в истории музыки.

В дополнение к созданию самой ранней европейской музыки, знакомой большинству из нас, включая Canon Пачелбеля и The Four Seasons Вивальди, эпоха барокко также значительно расширила наши горизонты. Принятие Коперником теории 16-го века о том, что планеты не вращаются вокруг Земли, сделало Вселенную гораздо большим местом, в то время как работа Галилея помогла нам лучше познакомиться с космосом. Технологические достижения, такие как изобретение телескопа, сделали бесконечным то, что считалось конечным. Великие мыслители, такие как Декарт, Гоббс, Спиноза и Локк, занимались большими вопросами существования. Гении, такие как Рубенс, Рембрандт и Шекспир, предлагали уникальные перспективы в своем искусстве. Европейские страны все больше и больше вовлекались во внешнюю торговлю и колонизацию, что привело нас к непосредственному контакту с частями земного шара, которые ранее были незнакомы. И рост нового среднего класса вдохнул жизнь в художественную культуру, долгое время зависящую от прихотей церкви и двора.

Вернуться к началу

Кто были основными композиторами в стиле барокко и откуда они были?

Многие известные личности из первой части периода барокко родом из Италии, включая Монтеверди , Corelli и Вивальди . (К середине восемнадцатого века наше внимание смещается на немецких композиторов Баха и Генделя .) Многие формы, отождествляемые с музыкой барокко, возникли в Италии, в том числе кантата, концерт, соната, оратория и опера. Хотя Италия играла жизненно важную роль в развитии этих жанров, новые представления о том, что значит быть нацией, усилили императив «национального стиля». Различия между народами часто слышны в музыке того периода, не только в том, как музыка была написана, но и в условностях исполнения; особенно очевидным был контраст между Италией и Францией. Хотя некоторые страны могут показаться более значительными из нашего опыта музыки в стиле барокко сегодня, однако, каждая нация сыграла свою роль. Поскольку музыканты и композиторы путешествовали по всей Европе и слушали музыку друг друга, новые соглашения, с которыми они столкнулись, произвели на них незначительное впечатление. Некоторые из самых известных композиторов периода включают в себя следующее:

Италия: Монтеверди , Фрескобальди , Corelli , Вивальди , Доменико и Алессандро Скарлатти

Франция: Couperin , Люлли , Charpentier и Рамо

Германия: Praetorius , Schein , Scheidt , Schutz , Telemann , Гендель и Бах

Англия: Purcell

Вернуться к началу

Какова философия музыки барокко?

Хотя одна философия не может описать 150 лет музыки со всей Европы, в эпоху барокко важны несколько концепций.

Вера в музыку как мощный инструмент общения

Одним из основных философских направлений в музыке барокко является ренессансный интерес к идеям древней Греции и Рима. Греки и римляне считали, что музыка является мощным средством общения и может вызвать у слушателей любые эмоции. В результате возрождения этих идей композиторы все больше осознавали потенциальную силу музыки и взращивали веру в то, что их собственные композиции могут иметь аналогичные эффекты, если они правильно подражают древней музыке. Как французский гуманист Артус Томас описал спектакль в конце шестнадцатого века,

Я часто слышал, что там говорилось о Сьере Клодине Ле Жене (который, не желая кого-либо обесценивать, намного превзошел музыкантов прошлого в своем понимании этих вопросов), что он пел в эфире (который он сочинил в части) ... и что, когда этот воздух репетировали на частном концерте, он заставил джентльмена сложить руки и начать громко ругаться, так что казалось невозможным помешать ему напасть на кого-то: после чего Клодин начал петь другой воздух ... который сделал джентльмена таким же спокойным, как и раньше. Это было подтверждено мне с тех пор несколько человек, которые были там. Такова сила и сила мелодии, ритма и гармонии над умом.

В 1605 году итальянский композитор Клаудио Монтеверди фактически определил «первую» и «вторую» практики: в первом гармония и контрапункт имели приоритет над текстом; во-вторых, необходимость выразить значение слов превзошла любую другую проблему. В барокко именно дух второй практики - использование силы музыки для общения - стал доминировать в эпоху.

Реальность меценатства
Любое обсуждение художественной философии композитора в стиле барокко должно, хотя бы немного, сдерживаться реальностью их жизни. В наше время художники часто зарабатывают на жизнь, создавая именно то искусство, которое они тронут. Соответственно, мы часто думаем о художнике - и степени его или ее художественного вдохновения - как отправная точка для произведения искусства. Однако на протяжении большей части эпохи барокко композиторы зарабатывали на жизнь написанием музыки только в том случае, если им посчастливилось быть в ведомости политического или религиозного учреждения. Следовательно, музыкальные потребности этого учреждения диктовали музыку, которую создал композитор. Бах написал число кантат, которые он сделал, например, не обязательно, потому что он нашел форму вдохновляющей, но из-за литургических требований лейпцигской церкви, которая его нанимала. Если смотреть в этом свете, музыка в стиле барокко может открыть увлекательное окно в историю.

Вернуться к началу

Каковы характеристики музыки в стиле барокко?

Новый интерес к драматическим и риторическим возможностям музыки породил множество новых звуковых идеалов в период барокко.

Контраст как драматический элемент
Контраст является важным компонентом в драматической композиции в стиле барокко. Различия между громким и мягким, сольным и ансамблевым (как в концерте), различными инструментами и тембрами - все играют важную роль во многих композициях барокко. Композиторы также стали более точными в отношении инструментовки, часто определяя инструменты, на которых следует играть пьесу, вместо того, чтобы позволить исполнителю выбирать. Блестящие инструменты, такие как труба и скрипка, также стали популярными.

Монодийность и появление бассо континуо
В предыдущих музыкальных эпохах музыкальное произведение состояло из одной мелодии, возможно, с импровизированным сопровождением, или нескольких мелодий, исполняемых одновременно. Только в эпоху барокко понятия «мелодия» и «гармония» действительно начали формулироваться. Как часть усилий по подражанию древней музыке, композиторы стали меньше фокусироваться на сложной полифонии, которая доминировала в XV и XVI веках, и больше на одном голосе с упрощенным сопровождением или монодией. Если музыка была формой риторики, как указывают труды греков и римлян, нужен сильный оратор - а кто лучше для этой работы, чем солист вокала? Новое слияние между выражением чувств и сольным певцом происходит громко и ясно в предисловии Монтеверди к Combattimento di Tancredi e Clorinda из его Восьмой книги мадригалов (1638), в которой он пишет: «Мне показалось, что главных страстей или привязанностей нашего ума три, а именно гнев, невозмутимость и смирение. Лучшие философы согласны, и сама природа нашего голоса, с его высокими, низкими и средними частотами, будет указывать на это ». Самые ранние оперы - отличная иллюстрация этой новой эстетики.

Наряду с акцентом на одну мелодию и басовую партию пришла практика бассо континуо , метода музыкальной нотации, в котором мелодия и басовая линия записаны, а гармонический наполнитель указан на тип стенографии. Как итальянский музыкант Агостино Агаццари объяснил в 1607 году:

Поскольку истинный стиль выражения слов, наконец, был найден, а именно путем воспроизведения их смысла наилучшим из возможных способов, что лучше всего достигается одним голосом (или не более чем несколькими), как в современных условиях разными способными людьми, и, как это принято в Риме в области согласованной музыки, я говорю, что нет необходимости делать партитуру ... Баса с его знаками для гармоний достаточно. Но если кто-то скажет мне, что для воспроизведения старых произведений, полных фуги и контрапунктов, недостаточно Баса, я бы ответил, что подобные вокальные произведения больше не используются.

Поскольку бассо континуо, или глубокий бас, оставалось стандартной практикой до конца периода барокко, эта эпоха иногда называется «веком полного баса».

Различные инструментальные звуки
В течение последних пятидесяти лет музыка в стиле барокко игнорировалась. В рамках этого нового интереса ученые и музыканты потратили бесчисленные часы, пытаясь выяснить, как музыка могла звучать для зрителей 17 и 18 веков. Хотя мы никогда не сможем точно воссоздать представление, их работа выявила несколько существенных различий между барочными и современными ансамблями:

pitch: . В 1939 году современные оркестры согласились настроиться на частоту '= 440 Гц (нота A с частотой 440 циклов в секунду), которая заменила ранее пониженную высоту звука (a' = 435 Гц), принятую в 1859 году. Однако до 1859 года не было никакого стандарта высоты тона. Таким образом, нота, на которую настроились ансамбли барокко, сильно различалась в разное время и в разных местах. В результате музыка, записанная на партитуре, могла звучать на полтона ниже, чем та, которая традиционно исполнялась бы сегодня. Стремясь учесть это несоответствие, многие ансамбли барокко приспосабливают свою настройку к исполняемому репертуару: a '= 415 Гц для поздней музыки барокко, a' = 392 Гц для французской музыки, a '= 440 Гц для ранней итальянской музыки и a' = 430 Гц для классического репертуара.

тембр . Хотя большинство инструментов в ансамбле в стиле барокко знакомы, есть несколько выдающихся участников, которые больше не фигурируют в современных ансамблях. клавесин был основным клавишным инструментом (и важным членом группы континуумов) и такими важными в 16 и 17 веках инструментами, как lute и viol по-прежнему используются. Изменения в инструментах, все еще популярных сегодня, также дали ансамблю барокко другой звук. Например, в струнных инструментах, таких как скрипка, альт и виолончель, использовались струны кишки, а не струны, завернутые в металл, которыми они сегодня нанизаны, что придает им более мягкий и сладкий тон.

техника исполнения : партитура в стиле барокко содержит мало (если таковые имеются) информации о таких элементах, как артикуляция, орнамент или динамика, и поэтому современные ансамбли должны делать свой осознанный выбор перед каждым выступлением. Механические различия между инструментами в стиле барокко и современными также позволяют предположить, что старые инструменты звучали бы по-разному, поэтому ансамбли, такие как «Музыка барокко», часто корректируют свою технику, чтобы учесть это. Поскольку барочные и современные луки структурно отличаются, например, струнные игроки, использующие современные луки, часто используют более мягкую атаку на струну, а крещендо и диминуэндос - на более длинные ноты. Трактаты 17-го и 18-го века также подразумевают, что вибрато пальца (техника, в которой струнник качает кончиком пальца по струне, чтобы обогатить тон) использовалось экономно для выразительных моментов, в то время как вибрато лука (волнообразное движение лука) был в целом предпочтительным.

Вернуться к началу

Какие музыкальные формы стали определять эпоху барокко?

В то время как формы более ранних эпох продолжали использоваться, такие как мотет или особые танцы, интерес к музыке как к форме риторики вызвал развитие новых жанров, особенно в области вокальной музыки. Многие из форм, связанных с эпохой барокко, происходят непосредственно из этого нового драматического импульса, в частности, опера, оратория и кантата. В области инструментальной музыки понятие контраста и желание создавать крупномасштабные формы породили концерт, сонату и сюиту.

Вокальная музыка

Опера: драма, которая в основном поется, сопровождается инструментами и представлена ​​на сцене. Оперы обычно чередуются между речитативом , речевой песней, продвигающей сюжет, и ариями, песнями, в которых персонажи выражают чувства в определенные моменты действия. Хоры и танцы также часто включаются. Появление жанра на рубеже XVII века часто связано с деятельностью группы поэтов, музыкантов и ученых во Флоренции, известной сегодня как флорентийская камерата. Первой сохранившейся оперой была Dafne Якопо Пери, основанная на либретто Оттавио Ринуччини и исполненная во Флоренции в 1598 году; самая ранняя опера, все еще выполненная сегодня, является Orfeo Клаудио Монтеверди (1607). Все сюжеты первых опер взяты из греческого мифа, отражая тесные альянсы жанра с попытками воссоздать музыку и драму древних культур, и исполнялись исключительно в аристократических кругах для приглашенных гостей.

Когда в 1637 году в Венеции открылись первые публичные оперные театры, жанр был изменен в соответствии с предпочтениями зрителей. Сольные певцы приобрели статус знаменитости, и в результате больший акцент был сделан на арию. Речитатив стал менее значимым, а хоры и танцы практически исчезли из итальянской оперы. Финансовые реалии постановки частых оперных постановок также оказали влияние. Эффектные сценические эффекты, связанные с оперой в суде, были сильно преуменьшены, и либретто были построены, чтобы использовать в своих интересах стандартные сценические устройства. К началу 18-го века (особенно в Неаполе) стали очевидны два поджанра оперы: opera seria , в которой основное внимание уделялось серьезной тематике, и da capo aria и opera buffa , которые имели более легкий, даже комический тон и иногда использовали дуэты, трио и более крупные ансамбли. Итальянская традиция оперы постепенно доминировала в большинстве европейских стран. Однако в конце 17-го века во Франции Жан-Батист Люлли итальянского происхождения и либреттист Филипп Куино создали уникальную французскую версию оперы, известную как tragédie-lyrique .

Оратория: расширенная музыкальная драма с текстом на религиозную тематику, предназначенная для исполнения без декораций, костюмов или действий. Изначально оратория означала молитвенный зал, здание, расположенное рядом с церковью, которое было разработано как место для религиозного опыта, отличного от литургии. Хотя в ораториале motet и madrigal есть прецеденты конца шестнадцатого века оратория как особый музыкальный жанр возникла среди великолепной акустики этих пространств в начале 1600-х годов. К середине 17-го века оратории исполнялись во дворцах и общественных театрах и становились все более похожими на оперы, хотя предмет, разделение на две части (а не три акта) и отсутствие сценического действия все еще выделяли его. Некоторые из композиторов, связанных с жанром в Италии, включают Джокомо Кариссими, Алессандро Скарлатти и Антонио Вивальди . Оратория выросла в популярности и в других частях Европы. В протестантской Германии драматическая музыка, написанная для использования в лютеранской церкви, постепенно слилась с элементами оратории, особенно при включении небиблейских текстов. Страсть оратории, как ее называли, достигла кульминации в великих произведениях Дж. С. Бах . Другие известные примеры за пределами Италии включают английские оратории Джорджа Фридриха Генделя , который популяризировал жанр в Лондоне в результате английского отвращения к итальянской опере. Такие произведения, как Мессия , Израиль в Египте и Иуда Маккавей , остаются фаворитами аудитории и по сей день.

Кантата : расширенный фрагмент, состоящий из последовательности речитативы и декорации, такие как арии, дуэты и хоры. Созданная в начале 17-го века в Италии, кантата начиналась как светская работа, написанная для сольного голоса и бассо континуо, скорее всего, предназначенная для выступления на частных общественных мероприятиях. Многие из этих работ были опубликованы, что говорит о том, что их исполняли как профессиональные музыканты, так и любители. К середине века кантаты публиковались реже, что говорит о том, что выступления все чаще проводятся профессионалами. К концу 17-го века кантаты начали включать da capo aria и часто имели оркестровое сопровождение. Основными композиторами в жанре итальянской кантаты являются Луиджи Росси, Антонио Сести, Алессандро Страделла и в первой половине 18 века Алессандро Скарлатти , Гендель , Бенедетто Марчелло и Иоганн Адольф Хассе. За пределами Италии расширяющийся жанр лютеранского motet начал включать в себя многие элементы итальянской кантаты, особенно такие техники драматического выражения, как речитатив и ария. Многие кантаты Баха демонстрируют широкое влияние своих итальянских коллег.

Инструментальная музыка

Соната . Используется для описания нескольких типов пьес в эпоху барокко. Термин соната чаще всего обозначает произведение в нескольких частях для одного или нескольких инструментов (чаще всего для скрипок) и bassocontinuo; сонату для двух скрипок или других высоких инструментов плюс бас обычно называли трио-сонатой. К 1650-м годам сонаты часто классифицировались как sonatas da chiesa («церковные сонаты»), обычно состоящие из четырех движений, чередующихся с медленным и быстрым темпами и исполняемых в церкви, или sonatas da camera («камерная соната»), которая состояла из серии танцев, похожих на сюиту. Примеры обоих типов можно найти в работах Corelli конца 17 века. В 18 веке Telemann , Бах и Гендель написал множество сонат по образцу сонат Кореллы Корелли. Рост популярности сольных сонат для клавишных инструментов начинается в конце периода барокко, в том числе для органа (Бах) и клавесина (Гендель, Доменико Скарлатти ). Другие известные примеры сольных сонат включают произведения Баха для скрипки и виолончели без сопровождения.

Концерт . Полученный из итальянского концерта (чтобы объединиться, объединиться), в эпоху барокко этот концерт принял несколько форм. До начала 18-го века концерт был просто композицией, которая объединяла разнообразный ансамбль, состоящий из голосов, инструментов или обоих. Священные произведения для голосов и инструментов часто называли концертами, тогда как подобные светские произведения обычно называли arie (airs), кантаты или musiche . В то время как крупномасштабные священные концерты можно найти в произведениях Клаудио Монтеверди, более интимные композиции для одного-четырех голосов, непрерывных и дополнительных сольных инструментов были гораздо более распространенными. В Германии замечательные примеры священного концерта можно найти в работах Иоганна Германа Шейна , Майкл Преториус , Сэмюэль Шейдт и Генрих Шютц (особенно его Kleine geistliche Concerte или «Малые священные концерты», 1636–39).

Позднее, в семнадцатом веке, концерт начал принимать свое современное определение: многодвижная работа для инструментального солиста (или группы солистов) и оркестра. Если брать в пример канцоны и сонаты конца шестнадцатого и семнадцатого веков, в которых использовались контрастные группы инструментов, концерт Concerto Grosso чередует небольшую группу солистов с большим ансамблем. Работы Corelli , особенно его соч. 6 сборник, представьте, пожалуй, самые известные примеры конца концерта 17-го века. В то время как работы Корелли были воспроизведены в 18 веке, особенно в сочинении Генделя . В коллекции 6 многие примеры концерта гроссо 18-го века демонстрируют растущее влияние сольного концерта (например, Бранденбургские концерты И. С. Баха).

Самым доминирующим типом концерта в 18 веке был сольный концерт, который отличался одним инструментом в отличие от ансамбля. Самым плодовитым композитором сольного концерта был Антонио Вивальди , который написал примерно 350 и установил стандартную форму концерта из трех частей (два быстрых внешних движения, одно среднее движение в более медленном темпе). В то время как большинство сольных концертов были написаны для скрипки, также были популярны концерты для трубы, а также концерты для виолончели, гобоя, флейты и фагота. В 1730-х годах Гендель написал 16 органных концертов, и Бах также написал несколько концертов для клавесина примерно в то же время (большинство из них - аранжировки ранее существовавших произведений).

Suite: Исходя из традиционного сочетания танцев в эпоху Возрождения, сюита была первой многодвижной работой для инструментов. Сюита была, по сути, серией танцев в одном ключе, большинство или все они состояли из двух частей. Примерно в середине 17-го века в Германии последовательность allemande , courante , sarabande и gigue стали относительно стандартными, хотя другие танцевальные движения, такие как дополнительные аллеманды или куранты, бурреи , гавоты и менуэты часто вставлялись. Большинство сюит также начинались с вводного движения, такого как прелюдия, увертюра или фантазия . Для многих композиторов в стиле барокко различные танцы воплощали в себе определенные символы. Немецкий теоретик Иоганн Маттсон в своем «em vol Deromkommene Capellmeister» («Полный музыкальный руководитель») в 1739 году привел список персонажей каждого танца: менуэт был «умеренным весельем», гавот «радостная радость», бурреем «Удовлетворенность», «куранта», «надежда», «амбиции» сарабанды и жеребец могут означать целый ряд эмоций, от гнева до бегства. Барочные сюиты были оценены как для сольных инструментов, так и для оркестра; написанные для одного или двух мелодичных инструментов и континуо иногда называются sonata da camera . Французские сюиты для клавиатуры иногда называют ordres (как в работах Франсуа Куперена , который вставил много не танцевальных движений, включая запоминающиеся наброски персонажей судебного персонала.

Вернуться к началу

Каково было посещать концерт в эпоху барокко?

В наше время посещение концерта - это событие. Мы слышим рекламу по радио или видим список в газете; мы покупаем билеты; мы идем в концертный зал и сидим тихо, пока не пришло время аплодировать. В эпоху барокко этот вид публичного концерта был редким. Многие из самых известных композиций в стиле барокко исполнялись в церквях на службе или в рамках частного концерта или празднования в доме богатого покровителя. Однако в ходе барокко публичные выступления стали более распространенными, особенно в жанрах оперы и оратории, и наши современные концертные традиции начали объединяться во многих европейских городах. Как Роджер Норт описал спектакль в одной из самых ранних концертных серий, организованной в Лондоне в 1670-х годах:

Первая попытка была слабой: проект старого [Джона] Банистера, который был хорошей скрипкой и театральным композитором. Он открыл неизвестную комнату в публичном доме в Белых монахах; наполнил его столами и сиденьями и сделал боковую коробку с занавесками для музыки. Иногда супруга, иногда соло, скрипки, флагелета, бас-виолончели, лютни и песни all'Italiana , и такие разновидности отвлекали компанию, которая заплатила за вход. заплатите, пожалуйста, и добро пожаловать, господа .

Появление публичного концерта сделало растущий средний класс важным источником дохода для музыкантов. К концу барокко эта социальная группа стала музыкальным покровителем, почти таким же могущественным, как церковь или суд.

Вернуться к началу

Что произошло после периода барокко?

К середине восемнадцатого века барочная идея музыки как формы риторики была под угрозой. Музыка обладала удивительно мощной способностью выражать даже самые сложные понятия - но только в самой «естественной» форме, которую якобы запутала эпоха барокко. Как сказал Иоганн Адольф Шейбе о Дж. С. Бахе в 1737 году,

Этот великий человек был бы восхищением целых народов, если бы он сделал больше удобств, если бы он не убрал естественный элемент в своих произведениях, придав им грубый и растерянный стиль, и если бы он не затемнил их красоту избыток ст. Так как он судит по своим собственным пальцам, его пьесы чрезвычайно трудно играть; поскольку он требует, чтобы певцы и инструменталисты имели возможность делать со своими глотками и инструментами все, что он может играть на клавише, но это невозможно ... Тургидность привела [его] от естественного к искусственному и от высокого к мрачному ; и… человек восхищается обременительным трудом и необычными усилиями, которые, однако, используются напрасно, поскольку они противоречат Природе.

Настойчивость Шейбе в ясности и простоте исполнения намекает на серьезные изменения в музыкальной эстетике: на протяжении всей своей диатрибы главным арбитром вкуса являются не Платон или Аристотель, а в конечном итоге сами слушатели и исполнители. Этот новый акцент на прямом мелодическом выражении и ясной музыкальной архитектуре указывает путь к классическому периоду, эпохе Моцарта и Гайдна.

Вернуться к началу

эпоха барокко в современном веке

Хотя период барокко закончился более 250 лет назад, пережитки эпохи можно услышать повсюду. Некоторые из самых влиятельных и любимых произведений регулярно исполняются в концертных залах, а множество записей делают барокко доступным по запросу. Многие из музыкальных жанров, все еще используемых сегодня, как оратория, концерт и опера, возникли в тот период. Композиторы двадцатого века, такие как Ральф Вон Уильямс, Игорь Стравинский и Бенджамин Бриттен, отдали дань уважения барокко в своих произведениях. Его влияние можно услышать даже вне сферы искусства музыки: свободное движение между соло и группой в джазе иногда сравнивают с музыкой в ​​стиле барокко, и фрагменты Баха и Вивальди часто появляются в соло гитаристов хеви-метала. А дух барокко - непоколебимая вера в способность музыки влиять на жизнь людей - навсегда изменила историю музыки.

Вернуться к началу