Почему Караваджо был таким шокирующим, как его картины это грех

Домашняя страница Ссылки доступности перейти к содержаниюСправка по специальным возможностям Войти Дом Новости Спорт Катушка Рабочая жизнь Путешествовать Будущее Культура Более Искать на BBC Поиск Искать на BBC РЕКЛАМНОЕ ОБЪЯВЛЕНИЕ Дом Фильм Изобразительное искусство Книги Музыка телевидение Стиль Идентичности Разработано Коллекция Более ИСКУССТВО | ИСТОРИЯ ИСКУССТВА Почему Караваджо был таким шокирующим, как его картины Поделиться по электронной почте Поделиться в Твиттере Поделиться через фейсбук Поделиться в Linkedin (Изображение предоставлено Микеланджело Меризи да Караваджо / Википедия ) (Источник: Микеланджело Меризи да Караваджо / Википедия) Автор: Аластер Сук 11 октября 2016 г. Революционный стиль Караваджо повлиял на всех, от современных фотографов до Скорсезе, но его жизнь была столь же провокационной, как и его картины, пишет Аластер Сук. Я Является ли биография любого художника более захватывающей, чем жизнь итальянского художника Микеланджело Меризи да Караваджо (1571-1610)? У него, конечно же, репутация мятежного, вспыльчивого панка истории искусства, появившегося в Риме в последнее десятилетие XVI века и электризовавшего мир искусства как своими сварливыми выходками, так и нетрадиционными картинами. По словам одного из ранних биографов, фламандского писателя Карела ван Мандера, Караваджо обычно интенсивно работал в течение двух недель, а затем «месяц или два расхаживал с мечом на боку… от одного теннисного корта к другому, всегда готовый к игре». вступить в драку или ссору, в результате чего с ним сложнее всего ладить ». История продолжается ниже В первые годы XVII века он предстал перед судом как минимум 11 раз. Не наполовину: в начале XVII века он предстал перед судом как минимум 11 раз. Обвинения включали в себя ругань над констеблем, сочинение сатирических стихов о конкурирующем художнике и бросание тарелки артишоков в лицо официанту. А затем, в 1606 году, он был вынужден бежать из Рима после убийства человека во время драки, вызванной спором из-за игры в теннис. Он провел остаток своей жизни в бегах, прежде чем он потерял сознание и умер летом 1610 года, возвращаясь в Рим, чтобы просить прощения у папы. РЕКЛАМНОЕ ОБЪЯВЛЕНИЕ «Призвание святого Матфея» - одно из двух больших полотен, которые в одночасье превратили Караваджо в звезду (Источник: Микеланджело Меризи да Караваджо / Википедия) «Призвание святого Матфея» - одно из двух больших полотен, которые в одночасье превратили Караваджо в звезду (Источник: Микеланджело Меризи да Караваджо / Википедия) Что касается его картин, то они были столь же провокационными, как и человек, который их создал. По словам Летиции Тревес, куратора Beyond Caravaggio , новой выставки в Национальной галерее в Лондоне, посвященной драматическому влиянию итальянского художника на искусство 17 века, Караваджо произвел революцию в истории искусства по нескольким направлениям. Во-первых, он использовал модели в неортодоксальной и новой манере - втягивая в свою студию людей с улиц, которых затем рисовал прямо с натуры. «Художники всегда рисовали с натуры, - объясняет Тревес, - но никто не ставил свои модели и не рисовал прямо с натуры на их окончательном полотне. Караваджо не заморачивался академическим изучением рисунка. Он пропустил этот этап, потому что верил в важность взгляда на природу ». В результате были созданы картины, отличающиеся поразительным, прямолинейным реализмом, в котором запечатлены даже самые скромные детали: например, если у модели были грязные ногти, Караваджо писал их. Роза и веточка жасмина в стеклянной вазе рядом с вишнями на видном месте на переднем плане в картине «Мальчик, укушенный ящерицей» (Источник: Национальная галерея, Лондон) Роза и веточка жасмина в стеклянной вазе рядом с вишнями на видном месте на переднем плане в картине «Мальчик, укушенный ящерицей» (Источник: Национальная галерея, Лондон) Следствием этого было то, что Караваджо уделял неодушевленным предметам столько же внимания, сколько и людям: взгляните, например, на великолепный натюрморт - розу и веточку жасмина в стеклянной вазе рядом с вишнями, которые занимали видное место в интерьере. на переднем плане Мальчик, укушенный ящерицей из собственной коллекции Национальной галереи. «Он действительно продвинул натюрморт, который был самым низким жанром», - продолжает Тревес. «Говорят, он заметил, что рисование натюрморта требует такого же артистизма, как и рисование фигур. Это было действительно революционно ». Свет и тень Между тем, вторым большим нововведением Караваджо стало использование света. «Это то, чем он наиболее известен», - говорит Тревес. «Это то, о чем говорят биографы - что он никому не позволял позировать при дневном свете, что он светил сверху. Он использовал свет, чтобы запечатлеть форму, создать пространство и добавить драматизма в повседневные сцены ». Ужин в Эммаусе, также находящийся в Национальной галерее, является тому примером. Однажды вечером, вскоре после распятия, за ужином двое учеников Иисуса внезапно осознали, что их спутник за ужином на самом деле является воскресшим Христом. «Это момент откровения, и это повествование подкрепляется светом», - говорит Тревес. «Итак, Караваджо использует свет символично, а не только как театр. Это очень сложно ». Ужин в Эммаусе показывает, как Караваджо использовал свет, чтобы запечатлеть форму и добавить драматизма (Источник: Национальная галерея, Лондон) Ужин в Эммаусе показывает, как Караваджо использовал свет, чтобы запечатлеть форму и добавить драматизма (Источник: Национальная галерея, Лондон) Такое сочетание реализма и драматического освещения привело к исключительно мощному повествованию. «Караваджо сделал эти библейские истории такими яркими, - говорит Тревес. «Он привел их в свое время - и он вовлекает вас, чтобы вы не просто пассивно наблюдали. Даже сегодня вам не нужно знать историю «Ужина в Эммаусе», чтобы почувствовать себя причастным к драме ». Джон Раскин критиковал Караваджо за его «пошлость», «тупость» и «нечестие» Beyond Caravaggio explores the impact of the Italian’s art upon his contemporaries and followers. ‘Caravaggio mania’ raged across Europe in the early decades of the 17th Century, as wealthy patrons competed to buy his pictures, and artists emulated, or simply ripped off, his distinctive style. The National Gallery’s exhibition offers a chance to consider the varying talents of these artists, including the Dutchmen Dirck van Baburen and Gerrit van Honthorst, as well as the French painter Valentin de Boulogne, who are often grouped together as ‘Caravaggists’. Любопытно, что к середине 17 века мода на живопись в стиле Караваджо прошла. «Произошел настоящий сдвиг вкусов к классицизму», - объясняет Тревес. «И натуралистический способ живописи, который ввел Караваджо, рассматривался как противоположность той благородной традиции живописи, восходящей к Рафаэлю». Пройдет почти три столетия, прежде чем репутация Караваджо снова возвысится. Чтобы дать вам представление о том, насколько сильно упали его акции, рассмотрим «Ужин в Эммаусе»: единственная причина, по которой картина оказалась в Национальной галерее в 1839 году, заключалась в том, что ее владелец не смог продать картину на аукционе восемь лет назад. Известный британский искусствовед 19 века Джон Раскин критиковал Караваджо за его «пошлость», «тупость» и «нечестие» и сетовал на тот факт, что итальянец якобы упустил из виду красоту в пользу «ужаса, уродства и мерзости греха». ». Ой. 'Проститутки и проститутки' Однако все изменилось в ХХ веке, когда Караваджо вернулся в моду - во многом благодаря новаторской монографической выставке, организованной искусствоведом Роберто Лонги в Милане в 1951 году. После его возвращения к известности Караваджо снова начал свою карьеру. вдохновлять художников в разных сферах. Неудивительно, что его использование света оказало большое влияние на кинематографистов и фотографов. Фотограф Дэвид Лашапель, например, говорил о «действительно большом влиянии», которое на него оказал фильм Дерека Джармана «Караваджо» (1986). Вдохновленный желанием узнать о нем побольше, Лашапель обнаружил, что Караваджо нарисовал «куртизанок и уличных людей, проституток и проституток». Это, в свою очередь, повлияло на его собственную серию фотографий Jesus Is My Homeboy, в которой были показаны люди с улицы, одетые в современную одежду. В фильме Дерека Джармана «Караваджо» (1986) в роли молодого художника выступил Декстер Флетчер - Дэвид Лашапель назвал это влиянием (Источник: Cinevista) В фильме Дерека Джармана «Караваджо» (1986) в роли молодого художника выступил Декстер Флетчер - Дэвид Лашапель назвал это влиянием (Источник: Cinevista) Даже режиссер Мартин Скорсезе восхищается Караваджо. Цитата из книги Эндрю Грэма-Диксона «Караваджо: жизнь священная и светская» Скорсезе говорит: «Я был мгновенно захвачен силой картин [Караваджо] ... Вы выходите на сцену на полпути, и вы погружаетесь в нее ... Это было похоже на современную постановку. в кино: это было так мощно и прямо. Он был бы великим режиссером, в этом нет никаких сомнений ». По словам Скорсезе, последовательности баров в «Злых улицах» (1973) были прямой данью уважения Караваджо: «Это в основном люди, сидящие в барах, люди за столиками, люди встающие. «Призвание святого Матфея» [одно из двух больших полотен, которые Караваджо написал для капеллы Контарелли в церкви Сан-Луиджи-деи-Франсези в Риме, что почти в одночасье превратило его в звезду], но в Нью-Йорке! На самом деле он снимал фильмы с уличными людьми, как будто он рисовал с ними ». Он был бы великим режиссером, в этом нет никаких сомнений - Мартин Скорсезе Визуальные художники тоже снова создают работы, непосредственно вдохновленные Караваджо. Два года назад британский художник Мэт Коллишоу организовал выставку «Черное зеркало» в галерее Боргезе в Риме, которая откликнулась на его изысканную коллекцию. Три работы состояли из очень богато украшенных черных рам для картин, окружающих темные зеркала, отражающие окружающие галереи. В каждом зеркале можно было разглядеть мерцающий симулякр знаменитой картины Караваджо из Галереи Боргезе. По словам Скорсезе, сцены в баре в «Злых улицах» - прямая дань уважения Караваджо (Источник: Алами) По словам Скорсезе, сцены в баре в «Злых улицах» - прямая дань уважения Караваджо (Источник: Алами) «Я хотел вернуться к тому моменту, когда Караваджо увековечивал скромные модели перед собой, превращая их из живых, дышащих людей в иконы западной живописи», - объясняет Коллишоу. «Из-за зеркала появляется это мерцающее изображение мужчины или женщины, занимающих слегка нервную позу, химерическое духовное присутствие, возвращающееся, чтобы преследовать вас через зеркало». Этот спектральный эффект наполнил черные зеркала Коллишоу своего рода зловещим колдовством. Похоже, они должны были висеть в убежище некроманта, а не в галерее. По словам Коллишоу, темный фон картин Караваджо позволил ему добиться тех тонких эффектов, которые он задумал. Однако Коллишоу также говорит, что Караваджо вдохновлял его на протяжении всей его жизни. Он страстно верит, что Караваджо по-прежнему имеет значение в 21 веке. «Он один из тех художников, о которых не нужно читать и изучать, потому что как художник он настолько интуитивен: он просто поражает вас прямо здесь», - объясняет он. «Когда Караваджо писал картины, простые люди не ходили в церковь за уроками эстетики и истории искусства. Они просто хотели отношений с Богом. И Караваджо дал им его на понятном им языке. Он настолько жесток. Он не приукрашивает и не украшает вещи, но дает вам жизнь такой, какая она есть - с грязными ногами прямо вам в лицо ». Сегодня, говорит Коллишоу, бурный характер Караваджо почти так же важен - как образец для изменчивого антибуржуазного художника - как его искусство. «Дело не только в том, что он нарисовал, но и в том, кем он был», - объясняет он. «Он был ночным человеком. Он обычно бродил в тени, свешивая саблю, пил и дрался вместе с проститутками и мелкими преступниками. Я думаю о Фрэнсисе Бэконе, который преследовал Сохо ночью в 50-х ». Коллишоу делает паузу. «На кого не влияет Караваджо? Непосредственность его картин - это то, на что откликнулись я и многие другие художники. Они просто кажутся такими современными ». Аластер Сук, арт-критик и обозреватель Daily Telegraph Если вы хотите прокомментировать эту историю или что-нибудь еще, что вы видели на BBC Culture, перейдите на нашу страницу в Facebook или напишите нам в Twitter . А если вам понравилась эта история, подпишитесь на еженедельную рассылку новостей bbc.com под названием «Если вы прочитаете только 6 вещей на этой неделе». Тщательно подобранная подборка историй из BBC Future, Earth, Culture, Capital, Travel и Autos, которые доставляются вам на почту каждую пятницу. Поделиться по электронной почте Поделиться в Твиттере Поделиться через фейсбук Поделиться в Linkedin ДЕЛИТЬСЯ РЕКЛАМНОЕ ОБЪЯВЛЕНИЕ РЕКОМЕНДУЕМЫЕ СТАТЬИ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО Украденные нацистами шедевры Украденные нацистами шедевры эскиз ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО Переоткрытый шедевр Миниатюра Триптиха Прометея ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО Почему Хогарт - величайший художник Великобритании Почему Хогарт - величайший художник Великобритании. ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО Образы, сформировавшие современного мастера Образы, которые сформировали эскиз современного мастера РЕКЛАМНОЕ ОБЪЯВЛЕНИЕ ИСКУССТВО | ИСТОРИЯ ИСКУССТВА Украденные нацистами шедевры Поделиться по электронной почте Поделиться в Твиттере Поделиться через фейсбук Поделиться в Linkedin (Изображение предоставлено: Центр искусств Collection Walker, Миннеаполис ) Работа Франца Марка «Большие синие лошади» (1911 г.) послужила источником вдохновения для книги американской поэтессы Мэри Оливер «Синие лошади» в 2014 году (Источник: Центр искусств Собрание Уокера, Миннеаполис) Дайан Коул 25 ноября 2021 г. «Путешествие разграбленных произведений искусства связано с яркими историями, которые раскрываются на новой выставке», - пишет Дайан Коул. W В долгой истории искусства кроется почти такая же долгая история разграбленного искусства. Мы восхищены этими сокровищами из далеких стран и древних эпох, хотя в большинстве случаев мы не знаем об их происхождении. Обычно не упоминаются средства их приобретения - слишком часто жестоко вырванные из их первоначальных домов и владельцев в качестве военной добычи, колониальных завоеваний или по велению деспотов. Примерно так: - Искусство, спрятанное от нацистских бомб - Нацистский кладезь произведений искусства, потрясший мир - Возвращение того, что украли нацисты. Until now. We're reading more than ever about international disputes over ownership and restitution, including allegations this week that Switzerland's largest art museum might be displaying up to 90 works with problematic provenances. Also causing controversy recently are stories focusing on the origins – and the fate – of the Benin Bronzes, at least some of which are in the process of finding their way back to Nigeria and Democratic Republic of Congo from the many countries and museums to which their colonial rulers dispersed them, including Belgium, Germany, the British Museum and New York's Metropolitan Museum. Such histories of theft and rescue are made more than real in a powerful new exhibition at New York's Jewish Museum, Afterlives: Recovering the Lost Stories of Looted Art. And they are presented through treasures both artistic and cultural. Story continues below Композиция Левенштейна 1939 года (справа) появляется рядом с картинами Поля Сезанна (Купальщица и скалы, слева) и Пабло Пикассо (Группа персонажей, в центре) (Фото: Стивен Панекказио) Löwenstein's 1939 Composition (right) appears near paintings by Paul Cézanne (Bather and Rocks, left) and Pablo Picasso (Group of Characters, centre) (Credit: Steven Paneccasio) In the opening galleries, we view one extraordinary canvas after another by Pierre Bonnard, Marc Chagall, Paul Cézanne, Henri Matisse, Camille Pissarro and other great European modernist painters, each with a story to tell of pillage by the Nazi regime. Many of these works were seized from collectors and artists who happened to be Jewish; others the Nazis confiscated and slated for oblivion because they did not conform to Hitler's narrow definition of what Aryan art should be – that is, representational and wholesome in their subject matter, as opposed to the often abstract, expressionistic compositions that characterised so many modernist works, which they labelled as "degenerate". These objects are the material survivors of the Jewish communities of Europe, each one with a distinct story, an "afterlife" of survival, to reveal Then there are the beautiful arrays of delicately crafted ritual silver objects that once graced the homes and synagogues of the Jews of Europe. They can and should be admired for their craft. But in the context of this show, they also speak even more powerfully to their rough seizure from their original owners who once wielded them to welcome the Sabbath, celebrate the holidays, and observe the milestones of life and death, all according to Jewish tradition. You cannot walk through these galleries without thinking of the sense of despoliation experienced by so many people of other cultures throughout history. The emotional pull is visceral. These objects are the material survivors of the Jewish communities of Europe, each one with a distinct story, an "afterlife" of survival, to reveal. Yet taken as a whole, these tales also adhere to what we might think of as a new kind of archetypal journey, one that follows the fate of each work, from the original uprooting of cultural theft to displacement to eventual rescue and restitution. Работа Франца Марка «Большие синие лошади» (1911 г.) послужила источником вдохновения для книги американской поэтессы Мэри Оливер «Синие лошади» в 2014 году (Источник: Центр искусств Собрание Уокера, Миннеаполис) Franz Marc's The Large Blue Horses (1911) was the inspiration for US poet Mary Oliver's 2014 book Blue Horses (Credit: Collection Walker Art Center, Minneapolis) The divergent roads to such an afterlife are evident from the moment you enter the exhibition. You're greeted, first, by the gorgeous canvas by the German Expressionist artist, Franz Marc. The Large Blue Horses, painted in 1911, depicts three vibrantly blue horses, clustered sensuously together in the foreground, with the hillside behind them washed in splashes of blue, red and green. Although Marc died fighting for Germany in World War One, Hitler banned his work. But it escaped the Reich's reach because in 1938 its German owner sent it to London, to be included in an "anti-Hitler" show, and from there it travelled as part of another exhibition, 20th Century Banned German Art, to the United States, where an American buyer purchased it for a collection that is now part of the Walker Art Center in Minneapolis. It seems thematically fitting that the painting appears here, on loan once again. Картина Макса Пехштейна 1912 года «Обнаженные в пейзаже» была возвращена наследникам своего еврейского владельца в 2021 году (Источник: Поместье Хьюго Симона) Max Pechstein's 1912 painting, Nudes in a Landscape, was restored to the heirs of its Jewish owner in 2021 (Credit: Estate of Hugo Simon) Near that canvas is a lush, evocative Max Pechstein painting from 1912, Nudes in a Landscape, an exuberant canvas that just this summer was returned by the French government to the heirs of the German-born Jewish banker and art collector Hugo Simon. Its murky journey is emblematic of the often long and twisty road travelled by looted art to eventual restitution. Simon's journey, too, was precarious. He fled Berlin for Paris when Hitler came to power in 1933, and after France fell to Germany in 1940, he escaped once more, this time to Brazil. But the painting was left behind in Paris and seized by the Nazis. It did not turn up again until 1966, found in storage at the Palais de Tokyo in Paris – yet how it landed there remains a mystery. From 1998 on, it was housed at the modern art museum in Nancy, France. Still Life with Guelder Roses (1892) by Pierre Bonnard, who refused to paint a portrait of the French collaborationist leader during WW2 (Credit: The Nelson-Atkins Museum of Art) Still Life with Guelder Roses (1892) by Pierre Bonnard, who refused to paint a portrait of the French collaborationist leader during WW2 (Credit: The Nelson-Atkins Museum of Art) Another route to restitution is exemplified in an adjacent canvas. The green, yellow, white Impressionist-style 1892 painting by Pierre Bonnard, Still Life with Guelder Roses, was one of 2,000 pieces stolen by the Nazis from a single collector, David David-Weill, the French-American philanthropist who had headed the banking house Lazard Frères. This canvas was returned to him in 1946, shortly after it was recovered by Allied forces among the many works hidden by the Nazis in an Austrian salt mine. Difficult journeys The relative smoothness of that recovery makes restitution sound easy, right? But take a few steps into the next room, and yet another work in the exhibition once again emphasises the ongoing, perhaps unending work of restitution, in the form of a 1939 Cubist geometric canvas by the German Jewish artist Fédor Löwenstein, that is only now in the process of being returned to heirs of its original owners by the French government. Its story also brings home the randomness of both survival and restitution. After its seizure, the work had been relegated to a storage space at the Jeu de Paume Gallery in Paris that was known as "The Room of the Martyrs". Here, German officers could select and walk off with stolen masterpieces of their choice; those that remained were often deemed degenerate and slated for destruction. But this one slipped through the cracks and survived, possibly with the help of Rose Valland, the art historian who secretly kept track of the approximately 20,000 works brought there, records that played a key role, post-war, in recovering much of the stolen art. The Room of Martyrs, a storeroom for art banned by the Nazis, at the Jeu de Paume gallery in Paris (Credit: The Jewish Museum) The Room of Martyrs, a storeroom for art banned by the Nazis, at the Jeu de Paume gallery in Paris (Credit: The Jewish Museum) Yet despite her efforts, Valland could not save them all, alas. A black and white photo of the room, probably from 1942, shows paintings by André Derain and Claude Monet, among others, that did not turn up post-war and most likely were destroyed. It's impossible not to turn from this photo with a sense of gratitude for the presence of the glorious works on display here by Paul Cézanne, Pablo Picasso, Henri Matisse, and Marc Chagall, among others. Nor are viewers allowed to ignore the lives and fates of the families to whom all these material possessions at one time belonged. A series of old family photos is lined up on what seems like a living room mantlepiece, intimating what a normal middle-class Jewish family life looked like before the Nazis forced them out. And then, following the Nazi timeline of horror, comes a collection of portraits and drawings made in secret, then hidden, by artists interred in Nazi concentration camps. Ritual objects were rescued by Jewish communities as part of a wider salvage effort (Credit: The Jewish Museum) Ritual objects were rescued by Jewish communities as part of a wider salvage effort (Credit: The Jewish Museum) Perhaps it's no wonder that walking through the galleries, I often felt immersed in a world turned topsy-turvy by theft, never more so than as I gazed at the vitrines of Jewish ritual objects – Kiddush cups, Sabbath candle sticks, Torah pointers, and other holy objects – lined up alongside each other as if for a massive warehouse sale, with no community, perhaps no person, alive to claim them. That is, until the surviving Jewish communities outside of Europe – including the Jewish Museum in New York – stepped in after the war to help rescue the many orphaned objects. All the ceremonial works on display in this exhibition found their own afterlives as part of the Museum's permanent collection, a part of that massive effort to salvage the remains of European Jewish culture. Looking forward That the legacy of stolen art and cultural objects also leaves ghostly afterlives in subsequent generations is the subject of the final section of the exhibition: new works commissioned by four young contemporary artists living in Israel, Berlin, and Brooklyn: Maria Eichhorn, Hadar Gad, Dor Guez, and Lisa Oppenheim. Each of these artists approaches this history from a different perspective. Conceptual artist Eichhorn immerses us in the very work of recovering, locating, and returning looted objects. She does so by surrounding us with actual cases of archival papers, ledgers, reports, books, and on and on, all needed to verify, certify, analyse, authenticate each artifact, each item. Further intensifying the sense of being thrust into the work itself is the audio backdrop of an ongoing, non-stop recording of the voice of philosopher Hannah Arendt. She is reading various memos she wrote in her capacity as a director of the agency tasked with the sad but urgent goal of sorting through the massive crates of materials that were recovered. Dor Guez's installation is based on a manuscript from his family’s archive that belonged to his paternal grandfather, a Holocaust survivor (Credit: Steven Paneccasio) Dor Guez's installation is based on a manuscript from his family’s archive that belonged to his paternal grandfather, a Holocaust survivor (Credit: Steven Paneccasio) In his installation, Dor Guez, the son of a Palestinian mother and a North African Jewish father, creates a museum-style display of objects, documents and prints to bring to life again the multiplicity of losses of his family's Judeo, Tunisian, and Arabic languages and culture. Hadar Gad's powerful large-scale, dream-like collage paintings are based on historical photographs of the aftermath of the destruction of Jewish property by Nazi soldiers. Finally, Lisa Oppenheim bases her series of mysteriously clouded photo-collages on the only remaining image of a still-life painting – by the Franco-Flemish painter Jean-Baptiste Monnoyer – that disappeared after its confiscation by the Nazis from a Jewish household in Paris. These, then, are the afterlives that remain. The emotional impact of the exhibition is overwhelming: joy and gratitude at the rescue of so many exquisite artworks; grief at the losses endured by the destroyed Jewish communities of Europe; and finally comfort in the knowledge that their stories do endure. There might even be a glimmer of hope that these narratives could also bring some perspective in resolving the many ongoing restitution cases around the world. In the meantime, the archetypal journeys of the world's looted artworks continue. Afterlives: Recovering the Lost Stories of Looted Art is at New York's Jewish Museum until 9 January, 2022. If you would like to comment on this story or anything else you have seen on BBC Culture, head over to our Facebook page or message us on Twitter. А если вам понравилась эта история, подпишитесь на еженедельную рассылку новостей bbc.com , которая называется The Essential List. Тщательно подобранная подборка историй из BBC Future, Culture, Worklife и Travel, которые доставляются на ваш почтовый ящик каждую пятницу. продолжить чтение ADVERTISEMENT ЗАГРУЗКА Изучите BBC Дом Новости Спорт Катушка Рабочая жизнь Путешествовать Будущее Культура Музыка телевидение Погода Звуки Условия эксплуатации О BBC Политика конфиденциальности Печенье Справка по специальным возможностям Родительское воспитание Связаться с BBC Получайте персонализированные информационные бюллетени Рекламируйте с нами Выбор рекламы / Не продавать мою информацию Авторские права © 2021 BBC. BBC не несет ответственности за содержание внешних сайтов. Прочтите о нашем подходе к внешним ссылкам.

[5]. Текст взят из Википедии.