Самые дорогие художники в мире. Лучшие результаты аукциона?
биография .
Самые дорогие художники в мире. Лучшие результаты аукциона ARTinvestment.RU 16 ноября 2017
Рейтинг самых дорогих художников мира возглавляет Леонардо да Винчи и заканчивается Полом Сезанном. Разница в цене между
Первая и последняя позиции рейтинга топ-24 - 389,8 миллиона долларов
Рейтинг составляется на основании результатов открытого аукциона. За основу взяты результаты с учетом премии покупателя (Buyers Premium), выраженной в
долларов (цифры, показанные на европейских аукционах, то есть в фунтах или евро, конвертированы в доллары по обменному курсу на дату совершения сделки).
1. $ 450,3 млн. Леонардо да Винчи. Спаситель мира. Около 1500
Возможно, в следующий раз мы будем управлять этим местом очень скоро. 450 312 500 долларов - это рекорд даже за годы и, вероятно, за все будущее десятилетие.
Более того, по слухам, текущий рекорд в области частных продаж - 300 миллионов долларов за картину Поля Гогена), так что «Спаситель мира» Леонардо
Да Винчи - это самая дорогая картина в мире, в которой - к определенному сегменту арт-рынка, причем в абсолютном смысле.
Удивительно, но историческая распродажа состоялась в условиях, далеких от идеальной информации и фона. Во-первых, относительно отнесения этой работы к специалистам
не было полного согласия .
Но многие эксперты согласились с доводами, что это Леонардо, а не его ученик Джованни Больтраффио (Giovanni Boltraffio), и этот «широкий консенсус» для Christie's и покупателя был
довольно. Во-вторых, обстоятельства нахождения этой вещи были похожи на сказку: в 1958 году она была куплена на Sotheby's за 45 фунтов как вещь учеником Леонардо, а затем, в
2000-х, купленный на аукционе примерно за 10 000 долларов, затем проданный дилеру Уиллоу Бувье за 80 000 000 долларов, и он перепродал «Спасителю мира» миллиардеру Дмитрию Рыболовлеву, похоже
$ 127 500 000. И это - в-третьих. Продажа состоялась в течение нескольких месяцев судебных разбирательств между Рыболовлевым и Бувье. Миллиардер проклинает дилера, что он с ним не был
честно и продал свои картины по непомерной цене. Леонардо был редким исключением в серии неудачных (с финансовой точки зрения) покупок. Но что!
Аукционный дом Christie's провел большую работу по продвижению своего шефа в современной истории лота. «Спасителю мира» удалось посмотреть десятки
тысячи зрителей. Среди них был актер Леонардо Ди Каприо. Согласно семейной легенде, он был назван в честь художника, и вскоре будет играть мастеров в биографическом
ленты. В 2017 году продюсерская компания Paramount приобрела права на фильм в книге
Уолтер Айзексон, «Леонардо да Винчи» . Высокий интерес к Леонардо в последние годы и будущее кино о нем даже с Ди Каприо, конечно, невозможно считать приоритетным
объяснение феноменальных цен аукциона, но как побочный фактор - полностью.
2. 179,4 миллиона долларов Пабло Пикассо. Алжирские женщины (версия «На»). 1955
Пабло Пикассо (1881–1973) - основатель кубизма, выдающийся художник, скульптор и керамист, оказал мощное влияние на развитие искусства двадцатого века.
11 мая 2015 года за картину «Алжирские женщины (вариант« О »)» в 1955 году было выплачено 179,4 миллиона долларов (включая комиссию).
Знаменитая картина «Алжирские женщины (версия« О »)» относится к серии полотен, написанных Пабло Пикассо, с декабря 1954 по февраль 1955-го по мотивам
Знаменитые одноименные картины Эжена Делакруа. «Алжирские женщины» Делакруа, принадлежавшие к коллекции Лувра, в то время производили на Пикассо очень сильное впечатление, он
неоднократно говорил, что хочет написать свою версию. И эта серия была посвящена памяти друга и соперника в художественной мастерской Анри Матисса, который умер в ноябре
1954-го. Как сказал Пикассо, «когда Матисс умер, он оставил свои одалиски мне в наследство». Все работы Пикассо в этой серии пронумерованы латинскими буквами от «А» до «О».
Таким образом, картина, проданная по рекордной цене, является последней, пятнадцатой в серии.
Работа Пикассо «Алжирские женщины (версия« О »)» происходит из коллекции Виктора и Салли Ганц (Victor and Sally Ganz). Парочка из Нью-Йорка,
Несмотря на скромный доход, удалось за пятьдесят лет создать коллекцию на аукционе, в 1997 году принес 206,5 миллиона долларов, на покупку всех этих супругов Ганц потратил в общей сложности около
2 миллиона долларов Одним из первых в своей коллекции стал портрет Марии-Терез Вальтер Пикассо (знаменитая картина «Сон»): в 1941 году Виктор Ганц купил его за 7 000 долларов, а в
1997-м продан за 48,4 млн долларов. Что касается работы «Алжирские женщины» (версия «О»), «которую по предварительной оценке на аукционе в 1997 году составлял 10–12 млн долларов, цена молотка достигла 31,9 долларов.
Почти двадцать лет спустя результат «Алжирских женщин» в 5,6 раза выше, чем в 1997 году.
3. 170,4 миллиона долларов Амедео Модильяни. Лежащая обнаженная. 1917-1918
На тематическом аукционе Christie's «Муза художника», который состоялся 9 ноября 2015 года в Нью-Йорке, картина Амедео Модильяни «Лежащая обнаженная»
(1917-1918) был продан за рекордную оценочную сумму в 170 405 млн. Долл. США, около 100 млн. Долл. США (точная оценка не разглашается). Этот результат поднял рекордную сумму за
Работы Модильяни на целых 100 миллионов долларов: до 9 ноября самой дорогой работой Модильяни была скульптура «Голова», проданная на Sotheby's в ноябре 2014-го за 70,7 доллара.
млн
Запись картины «Лежащая обнаженная» можно считать феноменальной, поскольку ни одна из живописных работ художника никогда и близко не подходила к этим
Цифры: ранее только восемь его картин к аукциону перешли уровень 30 млн. долл. С 2010 года по рейтингу цен на картины Модильяни во главе с «Обнаженным на диване» продан за
68,96 миллиона долларов, включая гонорар аукционного дома Sotheby's. Однако теперь Модильяни уверенно вступил в «клуб» художников, чьи работы проданы более чем за 100 миллионов долларов,
где компания он Пабло Пикассо, Фрэнсис Бэкон, Альберто Джакометти, Эдвард Мунк и Энди Уорхол.
Картина «Лежащая обнаженная» так же, как и предыдущий рекордсмен - «Обнаженная на диване», была приобретена непосредственно у художника его другом -
Парижский коллекционер и арт-дилер Леопольд Зборовский (Léopold Zboroswki).
Если верить Christie's, «Лежащая обнаженная» была среди нескольких написанных для Зборовского «Обнаженная», что вызвало скандал на первой и единственной выставке Модильяни
в галерее Берты Вейль в Париже в 1917 году. Зборовский для привлечения посетителей решил поставить несколько обнаженных в окно галереи («Лежащая обнаженная»). У окна сразу
переполненный прохожими. К сожалению, по отношению к галерее был полицейский участок. Слуги заинтересованного ордена собрались на другой стороне улицы и вызвали
владелец галереи на участке. По словам Берты Вейль, комиссар под смех обратившись в район «бедняги», приказал ей «снять все это».
Это должно было выполнить. Выставка закрылась до того, как она действительно открылась, и гости, пришедшие на Вернисаж, помогли убрать картины с выставки.
«Лежащая обнаженная» часто публикуется в каталогах и монографиях о Модильяни, она участвовала в выставках в Центре изящных искусств (Брюссель), Стеделийк
Музей (Амстердам), Государственный музей современного искусства (Париж), Тейт и Королевская академия художеств (обе галереи - Лондон), MOMA (Нью-Йорк) и Королевский дворец в Милане.
Работа была включена в коллекцию Джанни Маттиоли (Mattioli Gianni), одного из ведущих итальянских коллекционеров, и на аукционе Christie's, установленном его
дочь, искусствовед Лаура Маттиоли Росси (Laura Mattioli Rossi).
На аукционе 9 ноября за «Лежащего обнаженного» торговались как минимум шесть претендентов за 9 минут. Победителем стал покупатель, который сделал ставки по телефону. Через некоторое время это
Стало известно, что произведение было куплено китайским миллиардером Лю Изани (Liu Yiqian). Новый владелец объявил, что планирует перевезти ее в Шанхай, где вместе со своей женой Ван
Вэй (Ван Вэй) открыл два частных музея. В мире Лю Изани известен как «Могул-таксист». Подросток в смутные годы "культурной революции" Лю Икан действительно
крутится колесо на улицах Шанхая. В 1980-90-х он заработал целое состояние, играя на бирже недвижимости и фармацевтики. В 2015 году штат Лю Изана был
оценивается в 1,5 миллиарда долларов.
4. Ци Байши 144 миллиона долларов. Двенадцать пейзажей. 1925
17 декабря 2017 года на аукционе Beijing Poly International состоялся абсолютный рекорд аукционных продаж китайской живописи. Серия рисунков тушью китайского художника Ци
Байши (1864-1957) под названием «Двенадцать пейзажей», датируемой 1925 годом, был продан за 931,5 миллиона юаней, или 144 миллиона долларов.
Ци Байши - мастер китайской национальной живописи Гохуа - родился в 1864 году (по другой версии - в 1860 году) в бедной крестьянской семье. Хотя Ци Байши
С детства проявлял интерес к работе, до сорока лет основным источником его заработка служил столярный бизнес. Но тут его художественные способности нашли выход: он резал
выходят деревянные фигурки животных, табакерки, гравюры на дереве, популярные принты. И не бросил с живописью и каллиграфией. Только в конце пятидесятых годов Ци Байши поселился в Пекине и
полностью посвятил себя живописи. В последние годы Ци Байши, не получив профессионального художественного образования, добился, тем не менее, признания на национальном уровне.
Уровень: в 1953 году министерство культуры Китая присвоило ему звание «Великий художник китайского народа». Ци Байши умер в 1957 году в возрасте 93 лет.
Сегодня это национальная китайская любовь к своему «великому художнику», выраженная в денежном выражении. На протяжении многих лет Ци Байши является одним из самых дорогих китайских художников -
как от общего аукционного оборота, так и от цены отдельных работ. Например, в мае 2011 года одна из его работ - «Долгая жизнь, мирный мир» («Орел на сосне») написана в 1946 году для
Чан Кайши - был продан за 425,5 миллиона
юань (65 миллионов долларов). А в 2016 году Ци Байши был на третьем месте по аукционному обороту в мире после своих земляков Чжан Дачиана и Пабло Пикассо. Теперь Ци Байши стал
Первый китайский художник, который перевернул с аукциона уровень в 100 миллионов долларов.
«Двенадцать пейзажей» Ци Байши в голубом, сером, коричневом и розовом цветах представляют китайские горы, деревни и цветущие деревья. Размер каждой из 12 работ
Впечатляет - 1,8 метра в высоту и почти в два фута в ширину. Живопись художника вполне традиционна, что, видимо, радуют китайских коллекционеров-миллионеров. Точно, кто купил "Двенадцать
Пейзажи »за рекордную сумму аукционный дом не раскрывает.
5. $ 142,4 миллиона Фрэнсис Бэкон. Три эскиза Лусиена Фрейда. 1969
На аукционе послевоенного и современного искусства Christie's 12 ноября 2013 года триптих Фрэнсиса Бэкона «Три эскиза Лузьена Фрейда» был продан за ошеломляющую сумму -
$ 142,4 млн. Такая высокая цена - рекорд для художника и для арт-рынка - была скорее неожиданной, чем естественной. До аукциона триптих оценивался в 85 миллионов долларов (
точная оценка была предоставлена по запросу). Предыдущий рекорд работ Бэкона, который хранился с 2008 года, составлял всего около 85 миллионов долларов, если быть точным, это было 86 281 миллион долларов, так что много на
Аукцион Sotheby's в Нью-Йорке 14 мая 2008 года оплатил «Триптих» 1976 года Романа Абрамовича.
Чтобы достичь уровня цен арт-бумаги и даже превысить его, аукционный дом должен был получить действительно выдающуюся работу. Триптих "Три эскиза Лузьена Фрейда" в 1969 г.
это определение соответствует.
Во-первых, к одному из триптихов вы присоединяетесь сразу к двум мастерам послевоенного искусства: бекон ставит по крайней мере известный его коллега Лузьен Фрейд. Бэкон и Фрейд встретились в
1945 и были друзьями на протяжении десятилетий, часто писали друг другу, но и соревновались профессионально. «Три эскиза Лусиена Фрейда» был создан в стенах лондонского Королевского колледжа
искусство (их собственная беконная мастерская в то время пострадала от пожара).
Во-вторых, это один из двух триптихов бекона, на котором модель изображена в полный рост. Второй триптих, 1966, был последний раз выставлен в 1992 году, но это
неизвестно где он сейчас.
Во-третьих, триптих очень веселый, фон - солнечно-желтый. Будьте позитивны до мрачно-сюрреалистичного искусства Фрэнсиса Бэкона, что, честно говоря, не характерно. Что-то
Зарубежные аналитики после рекордных продаж даже называют этот цвет «золотым цветом, магнитно воздействующим на коллекционеров».
Фрэнсис Бэкон считал этот триптих одной из своих лучших работ @ точкой с запятой, он был одним из самых важных экспонатов на ретроспективе значительного художника на
Гран-Пале в 1971-1972 гг. Позже, в середине 1970-х, часть триптиха была разделена почти на 15 лет. Один из них экспонировался самостоятельно на выставке в Тате в
1985. Бэкон крайне негативно отреагировал на это разделение; под картиной разорвана левая часть триптиха, он написал: «фрагмент триптиха ... и я считаю, что
это бессмысленно, пока не воссоединится с двумя другими фрагментами. "Части были снова собраны в 1999 году на выставке в Нью-Хэвене (Коннектикут). И теперь все три из
Рост портрета Лусиена Фрейд получил нового покупателя на 142,4 миллиона долларов. Скажите, что триптих был куплен Уильямом Аквавеллой, возможно, в интересах клиента.
6. 141,3 миллиона долларов Альберто Джакометти. Указывая человек. 1947
Альберто Джакометти - самый ценный (буквально) классик мировой скульптуры. Его увядшие, почти бесплотные фигуры, символизирующие отчуждение и
Одиночество человека в современном мире неизменно достигает высоких цен на аукционах. Некоторое время Джакометти даже опережал всех художников вместе: 3 февраля 2010 года скульптура
«Ходячий человек I» был продан за 65 миллионов фунтов стерлингов (104,3 миллиона долларов). Это, кстати, первый в мире аукцион, предмет которого преодолел порог в 100 миллионов долларов.
Более пяти лет спустя скульптура «Человек, указывающий» (1947) достигла новых высот аукциона: результат (включая гонорар) составил $ 141,3 млн. Это рекорд
не только для Джакометти, но и для всего рынка скульптуры.
Скульптура «Указывающий человек» была задумана и казнена Джакометти в 1947 году, как раз в ночь. Как сказал скульптор своему биографу через несколько месяцев в Нью-Йорке
должна была открыть свои первые 15 лет творческой деятельности персональная выставка. Время истекало, и однажды октябрьской ночью он вылепил первую гипсовую модель. Так как было сделано шесть
слепки и одна печатная копия. Последовавшая в январе 1948 года выставка «Указывающий мужчина» заняла центральное место на выставке рядом с «Бегущим мужчиной» и «Стоячей женщиной».
Выставка произвела фурор, Джакометти неожиданно стал звездой нью-йоркской послевоенной арт-сцены.
Сегодня скульптура «Указывающий человек» находится в коллекциях MOMA, Tate Modern и двух музеях. Оставшиеся три экземпляра хранятся в частных коллекциях и
коллекции различных активов. Единственный экземпляр, который был выставлен на аукцион, по-видимому, единственный, который был расписан Джакометти вручную. В 1953-м была куплена в галерее
Пьера Матисса знаменитые коллекционеры Фред и Флоренс Олсен. С 1970 года скульптура принадлежала частной коллекции, которая впервые в истории была выставлена на аукцион. В качестве
Как сообщили организаторы аукциона, они предложили владельцу гарантию, но он отказался, заявив, что если товар останется непроданным, он сохранит его. "Он может быть немного расстроен, что она
На самом деле купил ", - сказал представитель Christie's.
Джакометти был одним из самых ярких художников XX века. Человек Джакометти оставлен самому себе, он никому не нужен, он не полагается на Бога и свой народ
не ищет защиты. Джакометти - великий гуманист: его работа подсказывает нам, что люди могут полагаться только на человека, который несет полную ответственность за себя и других.
фигуры худого, нервного лица Джакометти, живые глаза и большие ноги: несмотря на все суматохи, они твердо стоят на земле.
2 мая 2012 года «Крик» Эдварда Мунка на аукционе Sotheby's был куплен за 119 922 500 долларов. С этим результатом пастель 1895 года обошла работу Пабло Пикассо «Обнаженная на
«Фон из зеленых листьев и бюста» (который, кстати, остался на вершине рейтинга два года без двух дней).
Картина - одна из четырех существующих версий, написанных в рассказе, и только находившихся в частных руках (остальные три хранятся в норвежских музеях). Это уникально
потому что в рамке, выполненной художником в красной краске, написано его стихотворение: «Мои друзья пошли дальше, / а я остался позади / дрожа от тревоги: / я почувствовал оглушительный крик
Природа. Е. М. ".
Работа была выставлена на аукцион норвежским бизнесменом Петтером Олсеном (Petter Olsen), сыном друга, соседа и покровителя Мунка Томаса Олсена (Thomas Olsen),
приобрел его в 1937 году. После аукциона бывший владелец сказал, что для него смысл картины - это встреча со смертью, но также, в контексте сегодняшнего дня, пугающий
осознание ущерба, нанесенного человечеству и природе.
Прибыль от продажи картин частично пойдет на создание музея в Хвицтене (Норвегия), где когда-то жили Мунк и Томас Олсен @ точка с запятой в
В будущем музее будет храниться коллекция Петтера Олсена, который также занимается реставрацией дома и мастерской Мунка.
Цена картины Мунка - это во всех отношениях сверресборг. Перед началом торгов 1 мая 2012 года самой дорогой пастелью в мире была работа Эдгара
Дегас (Edgar Degas) «Отдыхающая танцовщица» (ок. 1879) заработал 37 миллионов долларов на аукционе новых йоркских Sotheby's в ноябре 2008 года. Этот рекорд остался далеко позади, и Мунк предыдущий рекордный набор
по картине «Вампир» в 1894 году, которая принесла 38,1 миллиона долларов на аукционе Sotheby's в Нью-Йорке в ноябре 2008 года (покупатель - галерея Гагосяна).
8. $ 110,5 млн. Жан-Мишель Баския. Без названия. 1982
18 мая 2017 года рейтинг самых дорогих работ, когда-либо проданных на открытых торгах, дополнен работами Жан-Мишеля Баския. На торгах современного
Произведение искусства Sotheby's «Без названия», написанное масляной пастелью, акрилом и аэрозольными баллончиками на холсте, было продано за 110,5 млн долларов. Покупателем стал японский миллиардер Осака из Мейсава -
страстный поклонник современного искусства вообще и Баския в частности. Предыдущая рекордная покупка Basquiat также сделала это: в 2016 году другая работа «без названия» (1982) была куплена Maesawa за
$ 57,3 млн. Оказывается, 18 мая 2017 года рекордная цена на произведение Жана-Мишеля Баския почти удвоилась.
Бренд moskiewska по изображению, а не маска, не череп побил несколько рекордов. Во-первых, это стало самой дорогой работой художника-американца. Во-вторых, для
Впервые в истории так много заплатили за работы черного художника. И, наконец, картина «Без названия» (1982) побила рекорд цены среди произведений, созданных после 1980 года.
Отметим тот факт, что с этой продажей Жан-Мишель Баския вступил в своеобразный клуб художников, работы которого продали более 100 миллионов долларов. Если бы Баския дожил до этого
В тот день ему исполнилось бы 57 лет, но, увы, смертельная доза героина говорила иначе: художник скончался в скале для многих легендарных американцев 27 лет (например, Хендрикс, Джоплин или
Моррисон).
все это началось на улицах Нью-Йорка, где 17-летний Жан-Мишель сбежал от отца и мачехи (первая неудачная попытка побега произошла в 15
года). Мать Жан-Мишеля находилась в психиатрической больнице, когда ему было 13 лет, и большую часть своей жизни провела в больницах для душевнобольных. От отца к сыну не было дела.
Однако не стоит рисовать в воображении полно лишений и унижений детства будущего художника. Он вырос с двумя сестрами в довольно богатом
семья (его отец был успешным экономистом). Образование Жан-Мишель получил хорошее, в детстве много читал, увлекался историей, поэзией и конечно же искусством. Даже имел членство в
Совет Бруклинского музея. Благодаря папе-гаитянцу и маме-пуэрториканке, Жан-Мишель свободно говорил по-французски, по-испански и по-английски. Жан-Мишель не был "уличным ребенком" по рождению, но
они стали по своему выбору. То есть на улицах Нью-Йорка пробудился его художественный талант, сформированный неповторимый стиль Баскии, основанный на его интеллектуальном и мятежном багаже
энергетическое граффити. Со всеми внешними и примитивными «примитивными» работами Баския является глубоко концептуальным, полным ссылок на литературное и художественное наследие прошлого.
В 1976 году на домах, заборах и вагонах нью-йоркской подземки стали появляться надписи, смысл которых был расплывчатым (например, «Плюшевый сейф, он думает ...» - «, он думает, что плюшевый»)
«Защищает»). Тогда каждый уважающий себя уличный художник подписал свою работу. Эти ярлыки появились от имени некоего «САМО» (сокращенно «то же самое старое дерьмо» - если говорить, литературно,
«все как всегда»). Этот псевдоним взял Баския и его друг Аль Диас. Дружба длилась до 1979 года и заканчивалась словами «САМО мертва» («САМО мертва»).
Баския начал пробиваться к славе. Продав футболки, открытки с его рисунками, они сформировали группу в стиле шум-рок, которая появлялась в клубах, снималась в
независимый фильм. По совету друга занялся серьезной покраской.
Первый успех пришел в начале 1980-х. Первая группа, а затем персональная выставка и статья Рене Рикара «Сияющее дитя» (The Radiant Child) в
Известный журнал Artforum сделал Баскию широко известным в узком, но нужном кругу. В 1982 году он встретил Жана-Мишеля со своим кумиром Энди Уорхолом, во многом определившим судьбу
молодой художник. Кто-то верит, что Баския использовал славу Уорхола, а Уорхол подпитывался молодежью и творческой энергией Баскии; другие видят в этом странном тандеме истины
дружба. Как бы то ни было, знакомство и покровительство Уорхола заставляли говорить о восходящей звезде Баскии по всей Америке, а затем и по всему миру. Он считался лучшим в
Группа молодых американских художников-неоэкспрессионистов, в которую помимо нее входили Джулиан Шнабель, Дэвид Салле и другие работы Жана-Мишеля, начала дорожать. Баския
работали до 20 часов в сутки, часто не снимая своих дорогих костюмов от Армани, а затем в закаменных же костюмах красят гуляки на приемах и вечеринках. Эвен Уорхол
завидовал его выступлению, сказав, что Баския рисует быстрее, чем он, Уорхол печатает их.
Но Жан-Мишелю преследует мысль о том, что вся эта суета из-за него не потому, что он гений, а потому, что он в первую очередь черный гений. Он чувствовал, что-то нравится
игрушки богатой белой аудитории и покорно сыграли эту роль. Его прогрессивное увлечение наркотиками с тех пор, как жизнь на улице была частью легенды, на которой основывалась его популярность. Был
желание бросить все, чтобы отправиться на Гавайи или Мауи, открыть небольшую фабрику по производству текилы и жить свободно, вдали от славы и всего, что ее сопровождает. Жан-Мишель даже однажды попробовал,
прекратить употребление героина и уделять время Мауи. Но это не сработало. Огромный удар пришелся на смерть Баскио Уорхола в 1987 году. Он почти остановился, чтобы выйти из дома, был параноиком,
не мог работать, больше вводили. Последняя смертельная доза была принята 12 августа 1988 года. Баскии было 27 лет.
9. 105,5 миллиона долларов Энди Уорхол. Серебряная автокатастрофа (Двойная авария). 1963
Было бы странно, если бы намерения авторов самых дорогих в мире работ не получили короля поп-арта Энди Уорхола (1928-1987). Тогда придется признать
что массовое сознание и выбор коллекционеров - это два не сообщающихся сосуда. Потому что Уорхол, пожалуй, самый популярный художник ХХ века. Хотя нет
Уорхол «изобрел» поп-арт, он стал лицом этой тенденции. Он не только высмеял культ потребления, но и ввел эти идеи в искусство (сохранив в своих произведениях
элемент иронии), создал новое направление, которое привлекло круг последователей.
Шесть лет Энди Уорхол стоял на последней позиции в нашем рейтинге - было слишком много мастеров «отечественного» и более дорогого - от Рубенса до Климта. Надолго
В то время лучшим результатом Уорхола было 71,7 миллиона долларов, заработанных шелкографией «Зеленая автомобильная катастрофа» (1963) на Christie's в мае 2007 года (эстимейт 25–35 миллионов долларов). Но времена меняются, и теперь
на рынке все реже встречаются шедевры старых мастеров, импрессионистов или модернистов. Ключевые профессии перешли в сегмент послевоенного и современного искусства. Искусство
Вторая половина двадцатого - начало XXI века неумолимо подорожала, и нынешний личный рекорд Энди Уорхола прямо подтверждает это.
На аукционе послевоенного и современного искусства Sotheby's 13 ноября 2013 года (на следующий день после аналогичного аукциона Christie's, на котором триптих Фрэнсиса Бэкона продали за 142,4 доллара США).
миллионов) шелкография Энди Уорхола «Серебряная автомобильная катастрофа (Двойная авария)» установила новый мировой рекорд для художника - $ 105,5 млн. Эта работа, как и «Зеленая автомобильная катастрофа», относится к
Великий цикл «Смерть и катастрофа», в котором художник отражает результаты трагического дорожно-транспортного происшествия.
«Серебряная автокатастрофа (Двойная авария)» - это группа из четырех частей, состоящая из двух частей, Уорхола 1963 года с изображениями автомобильных аварий. Остальные три работы серии находятся в
музеев, и только «Серебряная автомобильная катастрофа» остается в частных руках. Работа имеет превосходное происхождение: она была в коллекции Гюнтера Сакса (Gunter Sachs) Чарльза Саатчи
(Чарльз Саатчи) и Томас Амманн (Thomas Ammann). На торги Sotheby's выставлены работы частного европейского коллекционера, который владел им более 20 лет.
Художник передал на холст газету изображения дорожно-транспортных происшествий, многократно печатая с помощью трафаретной печати серебряной отражающей краской. Работа достигает размера 2,4 × 4
м; на одной половине - несколько изображений врезались в дерево машины; вторая часть - монохроматическая серебряная поверхность.
Все условия успеха аукциона очевидны: редкость работы, ее значение в наследии автора, хорошее происхождение. Трудно сказать, что сегодня Уорхол
интереснее для коллекционеров - бренд, пресловутая «ирония» или какие-то философские подтексты, но то, что в 1962 году можно было купить за 100 долларов (вот сколько тогда стоило «супу Банкс»
Кэмпбелл »), а в 1978 году - на несколько десятков тысяч, сейчас стоит десятки миллионов.
10. 95,4 миллиона долларов Рой Лихтенштейн. Медсестра. 1964
Работы Роя Лихтенштейна (1923–1997) велико-смущают: ему славу принесли картины на основе увеличенных картинок из комиксов. Как и все художники
Поп-арта Лихтенштейна возводила объекты массовой культуры в статус произведений высокого искусства. Вместо тонких цветовых переходов - блоки чистого цвета, как будто только что вышли из
печатная машина; вместо сложных психологических портретов - клишированная красота со страниц комиксов со стандартным набором эмоций. Лихтенштейн воспроизведен вручную
даже растровую сетку, и намеренно увеличивал или уменьшал размер точек, доводя содержание произведения до гротеска. Вынутые из контекста имиджевые комиксы, как правило,
сопровождаются эмоциональным текстом: красота Лихтенштейна тонет, плачет, ревнует, а красота и невозмутимость идеализированных героинь освобождают нас от необходимости искренне
чтобы чувствовать их, все воспринимается как красивая картинка - не более.
Картины на основе комиксов, кстати, не единственное направление в творчестве Роя Лихтенштейна. На встрече в 2013 году ретроспектива художника на
Тейт Модерн демонстрировал ню, скульптуру, пейзажи в китайском стиле абстракции, а также собственное чтение работ Матисса, Пикассо, Пита Мондриана и других:
Лихтенштейн воспроизводил такие шедевры, как «Руанский собор» Моне или «Натюрморт с золотой рыбкой» Матисса, все в той же «мультипликационной» манере с растровой сеткой.
Цены на произведения Роя Лихтенштейна перешли семизначный порог в конце 1980-х, однако только с начала 2000-х (после его смерти) началась
быстрый рост рынка его работ, который привел к текущему аукционному рекорду - 95 365 миллионов долларов, поэтому порог в 5 миллионов долларов и работа Роя Лихтенштейна были впервые преодолены
в 2002; 10-миллионная планка была взята в 2005 году, а в 2012-м за картину «Спящая девушка» уже заплатили $ 44,9 млн. В год работы Роя Лихтенштейна, пришедшего на одну
Уровень цен с картинами Клода Моне, поп-арт стоил столько же, сколько шедевры импрессионизма. Такие вещи, как коллекционеры Лихтенштейна со всего мира для
та же «Спящая девушка» торговала клиентами из Китая, США, Латинской Америки и Европы.
К концу 2013-го, по данным Artprice, годовой оборот работ Лихтенштейна составил более 140 миллионов долларов (без учета комиссии BP), что
позволил ему занять высокое 8-е место в мировом рейтинге по обороту аукциона. В этом году его картина «Женщина в шляпе с цветами» (1963) на Christie's 15 мая была продана за
56,1 млн. Долл. США, включая комиссию. Обрабатывает один из кубистических портретов Доры Маар Пикассо в авторской поп-арт манере Лихтенштейна. Запись совпала с Гранд
ретроспектива художника в Тейт.
Через два с половиной года на аукционе Christie's «Муза художника» 9 ноября 2015 года картина «Медсестра» (1964) продана за 95 365 миллионов долларов, включая комиссию (эстимейт (оценка)
по требованию). Работа относится к знаковым картинам начала 1960-х годов Лихтенштейна-х. Образ сексуальной красотки медсестры @ один из ключевых моментов в послевоенной культуре Соединенных Штатов
Штаты вместе с отважными американскими моряками. Картина очаровательной блондинки Лихтенштейна с красными губами - это такая же икона популярной культуры, как «Мэрилин» или «Лиз» на шелкографии
Уорхола. Лихтенштейн в этом случае опустил сопроводительный текст комикса-первоисточника, тем самым предоставив нам поле для интерпретации эмоционального состояния героини.
Это выглядит явно напуганным - но чего она боится?
«Медсестра» была показана для первых крупных персональных выставок Лихтенштейна в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке и Новой национальной галерее в Берлине (обе выставки
были проведены в 1969 году). Работа хранилась в собрании одного из первых коллекционеров поп-арта, эксцентрика Леона Краушара, который, по словам критика Ричарда Полски, однажды сказал:
«Поп-арт - это искусство сегодняшнего дня. Все остальное - старое, древнее. Ренуар? Я терпеть не могу его. Картины для спальни. Все то же самое. То же самое я могу сказать обо всех этих абстрактных экспрессионистах.
Декор. Ни сатиры, ни сегодня, ни веселья ".
11. $ 87,9 млн. Густав Климт. Портрет Адели Блох-Бауэр II. 1912
Строго говоря, «Портрет Адели Блох-Бауэр II» (1912) - не самая дорогая из известных работ Густава Климта. Незадолго до заключения сделки
Другой аукцион - закрытый закрытый, и поэтому его результаты не могут быть использованы для рейтинга. Но о-то, что результат известен, точнее, не опровергнут: другое изображение тех же дам -
«Портрет Адели Блох-Бауэр I» 1907 года - при посредничестве Christie's приобретенный летом 2006 года парфюмерный магнат Рональд Лаудер за 135 миллионов долларов. На тот момент эта сумма была самой большой
с того момента, когда-либо заплатили за одно произведение искусства (а затем прервали частную сделку с произведением Джексона Поллока, купленного за 160 миллионов долларов). Так что технически наиболее
Дорогой аукционной партией кисти остался Климт «Портрет Адели Блох-Бауэр II» в 1912 году, который был продан на аукционе Christie's 8 ноября 2006 года за $ 87,9 млн.
коллекционер, пожелавший остаться неизвестным. В тот же день было продано еще три картины Климта на общую сумму 103,4 миллиона долларов.
Климт очень редко появляется на аукционах - и вдруг выставляются четыре полотна и даже музейный уровень. Где? На самом деле из музея они есть. На аукцион пришли
конец длительного восстановительного спора. И портрет, и другие картины Климта были в Австрии, сына богатого еврейского сахарного магната Фердинанда Блох-Бауэра и его жены
Адель. 43-летняя Адель скончалась от менингита в 1925 году, завещав смерть мужу, чтобы передать картины австрийскому правительству. В 1938 году Австрия была аннексирована
Германия; Самому Фердинанду Блох-Бауэр удалось сбежать в Швейцарию, а его картины, в том числе несколько работ Климта, были конфискованы, после чего часть из них была отправлена в
Австрийская галерея Бельведер, а часть продана. Даже в Швейцарии Фердинанд Блох-Бауэр переписал завещание в пользу детей своего брата. До наших дней выжила только Мария
(муж Альтман), которому уже исполнилось 90 лет. Она переехала из Австрии в США в 1942 году. Спор о собственности был конфискован с 2000 года. Австрийская
правительство обратилось по завещанию, наследники - к другому. В итоге австрийский арбитражный суд поддержал позицию Верховного суда США и постановил
Вернуть пять работ Климта наследникам во главе с Марией Альтманн.
Это решение было принято и шокировало австрийцев. В 2006 году были даже сообщения о том, что правительство поощряло граждан покупать холст, чтобы сохранить
национальное достояние страны. Тогда стоимость пяти полотен (включая портрет, приобретенный позднее Лаудером) эксперты оценивали не менее чем в 245 миллионов долларов, были планы
выпустить облигацию для привлечения необходимых средств. Когда идея провалилась, Бельведер (включая давление анонимных угроз уничтожить картины, которые они не получили преемников), ушел
От греха был вынужден убрать полотно с выставки.
Густав Климт (Gustav Klimt, 1862-1918) - признанный новатор, основатель Венского отделения (Институт, отказавшийся от академических работ),
Художник, не просто потрясший зрителей, отнюдь не пуританин. С именем Климта стабильно связаны таинственные слухи о том, что в саду художника, вдохновляя его, ходили голыми
женщины, в том числе дамы аристократических кругов. Климт был очень востребован при жизни. Воплощая идеи национальной символики, он добился признания как
Официальные власти и в 1883 году император Франц Иосиф I даже наградили его главной императорской наградой, доступной австрийскому художнику, - золотым орденом заслуг. Благосклонность самых сильных
и состоятельные частные клиенты тоже от этого не избавлены. Декоративность, изысканность и эротичность работ Климта заставили их приветствовать роскошное внутреннее убранство домов в
начало двадцатого века. И должен сказать, что со временем в этом стремлении мало что изменилось.
Продажа наследникам работ Климта из коллекции Фердинанда Блоха-Бауэра - это уникальный случай, когда на рынке появляются вещи мира, «музейного» масштаба
в прямом смысле этого слова. Нечто подобное происходит, вероятно, раз в несколько десятилетий, поэтому ставки очень высоки.
12. 86,9 миллиона долларов марки Ротко. Оранжевый, красный, желтый. 1961
Один из самых загадочных художников нашего времени. Его жизненный путь похож на ходячее противоречие - в творчестве, поступках, жестах ... Считается одним из идеологов
и, конечно, ключевая фигура в американском абстрактном экспрессионизме, Ротко не выдержал, когда его произведение назвали абстрактным. В прошлом, кто знал, что такое жизнь из уст в уста, он
вызывающе вернулся к клиентам абсолютно фантастически с точки зрения текущего денежного аванса, оставив себя почти полностью завершившим работу. В ожидании вашего успеха и ваших способностей
Чтобы зарабатывать на жизнь живописью в течение почти пятидесяти лет, он неоднократно отказывал людям, желающим разрушить его карьеру. По крайней мере, социалист в душе, который разделял идеи Маркса,
Враждебное отношение к богатым и богатым, Ротко, в конце концов, стал автором самой дорогой картины в мире, которая фактически превратилась в атрибут высокого статуса
их владельцы. (Шутка ли, пластинка «Белый центр», проданная за 65 миллионов долларов, родом из семьи Рокфеллеров.) Мечтала о признании массовой аудитории, в конечном итоге была Творцом
Из картин - действительно ясно до сих пор только круг интеллектуалов и ценителей. Наконец, художник, который стремился к разговору с Господом через музыку своих холстов,
Художник, чьи работы стали центральным элементом дизайна Церкви всех религий, закончил образ жизни абсолютно отчаянным безбожным поступком ...
Ротко, помня бледность поселения и казаков, возможно, задавался вопросом, чем они гордятся также как русские художники. Однако достаточно антисемитизма в
Америка 1930-х - не случайно художник «вырезал» родовое имя Ротковица. Но мы называем это русским не без причины. Для начала - по рождению. Латвийский Двинск, Даугавпилс присутствует на
Время рождения Маркуса Ротковича - это часть России и останется таковым до распада Империи, вплоть до 1918 года. Однако революции Ротко не увидит. В 1913 году
Мальчик увезен где-то в Соединенных Штатах, семья переехала в Портленд, штат Орегон. То есть детство и юность прошли в России, там сформировалось жизненное восприятие,
видение. Кроме того, что здесь он родился, с Россией Ротко связывают, отмечают и философские темы и конфликты. Известно, что он ценил произведения Достоевского. И даже пороки,
которые потворствовали Ротко в мире, ассоциируются почему-то с русскими. Депрессию на Западе называют почему-то "русская болезнь". Это не аргумент, конечно, но еще один штрих
на целостность природы, русский художник.
Для пионерских открытий в живописи Ротко было долгих 15 лет. Прошлое через образные увлечения, включая сюрреализм и образный экспрессионизм, в
Середина 1940-х это чрезвычайно упростила структуру ее картин, ограничив выразительные средства несколькими красочными блоками, составляющими композицию. Интеллектуальная основа его
Работа - это почти всегда вопрос интерпретации. Ротко обычно не давал прямых ответов, рассчитывая на соучастие зрителя в понимании произведения. Единственное, что он
безусловно, рассчитываем на эмоциональную работу зрителя. Его картины не для отдыха, не для отдыха и не для "визуального массажа". Они предназначены для сочувствия.
Некоторые видят в них окна, чтобы заглянуть в душу зрителя, другие - в дверь в другой мир. Существует мнение (возможно, наиболее близкое к истине), что его цветовое поле - это
метафорический образ бога.
Декоративная сила "цветовых полей" обусловлена рядом специальных приемов, используемых Ротко. Его картины не терпят массивной оперативной памяти - высокие тонкие штампы-кромки в
цвет холста. Края картины художника сознательно градиентно подкрашены к живописному полю утраченных границ. Нечеткие границы внутренних квадратов - это тоже
метод приема без использования контраста для создания эффекта дрожания, видимого наложения цветовых блоков, пульсаций, как мерцающий свет электрических ламп.
Это мягкое растворение в цвете было особенно хорошим маслом до того, как в конце шестидесятых перевела Ротко на непрозрачный акрил. И обнаружил, что эффект электрического скачка увеличивается, если вы посмотрите
на фотографиях с близкого расстояния. По словам художника, трехметровые полотна зрителя оптимально видны с расстояния в полметра.
Сегодня картины Ротко - гордость любого известного музея современного искусства. Так, на английском в галерее Тейт есть комната Ротко, в которой живут девять картин из
те, которые были написаны по контракту с рестораном Four Seasons. Это было довольно показательным для характера истории Ротко. В 1959 году художник по рекомендации обратился
владельцам модного ресторана «Времена года», открывшегося в необычном нью-йоркском небоскребе Seagram Building (по названию компании - производителя алкоголя). Количество
Контракт с точки зрения сегодняшних денег составил почти 3 миллиона долларов - очень существенную плату даже удерживал признанный художник, которым на тот момент уже был Ротко. Однако когда
Работа была почти закончена, Ротко неожиданно вернул аванс и отказался передать его заказчику. Одной из основных причин внезапного действия биографов считается
нежелание угодить правящему классу и богатым развлечь за ужином. Существует также мнение, что Ротко был расстроен, что его картины не увидят рядовых сотрудников, работающих
в здании. Однако последняя версия выглядит слишком романтично.
После почти 10-летнего полотна, подготовленного для Four Seasons, Ротко пожертвовал галерее Тейт в Лондоне. По горькому повороту судьбы 25 февраля 1970 года в
В тот день, когда коробки с картинками достигли английского порта, художник был найден в своей студии мертвым - с оборванными венами и (возможно, для гарантии) огромной дозой сна
таблетки в желудке.
Сегодня работа Ротко переживает очередную волну искреннего интереса. Мастер-классы, открытые выставки, опубликованные монографии. На берегах Даугавы,
Дом художника, памятник.
Ежегодно на одних только аукционах картин Ротко, не считая графики, выставляется примерно 10–15 штук. Они платят миллионы и десятки миллионов
долларов. И эти цены не случайность, а скорее дань его инновациям, стремлению открыть новые смысловые слои и присоединиться к творческому феномену одного из самых
загадочные русские художники.
8 мая 2012 года на аукционе послевоенного и современного искусства картина Кристи «Оранжевый, красный, желтый» в 1961 году ушла за 86,88 миллиона долларов (включая комиссию). Работа
происходит из коллекции благотворителя из Пенсильвании Дэвида Пинкуса. Работы размером 2,4 × 2,1 метра Дэвид и его жена Джерри купили в галерее Мальборо, а затем
навсегда отказался от аренды в художественном музее Филадельфии. Картина «Оранжевый, красный, желтый» стала не только самой дорогой работой художника русского происхождения, но и самой
Дорогое произведение послевоенного и современного искусства продается на публичных торгах.
13. $ 85,81 млн. Казимир Малевич. Супрематическая композиция. 1916
Казимир Северинович Малевич (1878-1935), конечно, входит в пятерка самых
блестящие революционеры искусства двадцатого века в мире. Философ, новатор, разработчик новых теоретических подходов, идеолог супрематизма, ставший
визитная карточка России на международной арт-арене. Работа Малевича - гордость лучших музеев мира и мечта многих коллекционеров.
Корону исследования Малевича можно назвать работой "Черный квадрат" 1915 года (в Третьяковской галерее хранится одна из четырех сохранившихся версий). Вещь высокая метафорическая
Значение: поздние картины, конец живописи, отправная точка, требование к разработке проекта будущего. Супрем, по замыслу Творца, является высшей ступенью
Авангард, способен позволить геометрическую лаконичность выражения. В двадцатых годах Малевич расширил свою философскую систему в прикладной области: супрематизм был основой
превосходство в дизайне и архитектуре. Малевич был реализован и как учитель, обнаруживший талант у своих многочисленных учеников, сохранивший преданность его идеям даже в
лицо преследования. В историю искусства входят периоды работы в UNOVIS («Ассоциация утвердительного нового искусства»,
Витебск - Петроград (Ленинград), 1919-1922 ), в Гинхуке (Государственный институт художественной культуры, 1923).
Конец 1920-х ознаменовался периодом репрессий против разработчиков идей художественного авангарда. На самом деле "школа Малевича" была разрушена,
Малевич был арестован. В 1927 году художнику удалось во время зарубежной поездки осветить часть работы в Берлине, и ожидается, что он спасет свои идеи от запрета и забвения.
Малевич умер в 1935 году. Но его лучшие работы за десятилетия были похоронены в хранилищах советских музеев. Вы можете увидеть их только знакомых в музейной среде.
Тем не менее, специалисты и коллекционеры-подвижников (например, Георгий Костаки) информации об идеях Малевича, можно сказать, о подземных путях, распространенных в
круги советской интеллигенции и повлияли на художественный язык представителей неофициального искусства, художников-шестидесятников.
Самая дорогая работа Казимира Малевича - одна из тех, которые прошли аукцион, за последние почти 10 лет - «Супрематическая композиция» 1916 года.
Первое появление этой работы на публичных торгах состоялось 3 ноября 2008 года. Всего за шесть месяцев, в апреле 2008-го, «супрематическая композиция» вернулась к
реституция наследников малевича. Более того, вернулся из-нибудь и из коллекции Амстердамского Стеделийк-музеума. Затем музей должен был отдать пять малевичей
Картины из его коллекции, несмотря на то, что в 1958 году Стеделийк юридически приобрел ее у архитектора Уго Харинга. Только вот Хьюго Геринг не имел права их продавать
Малевич оставил работы во временном хранилище, но так и не смог забрать. В общем, свежий на рынке шедевр с кристально чистым провенансом 3 ноября 2008 года принес
Аукционный рекорд $ 60 млн. Среди возможных покупателей Малевича было имя того Романа Абрамовича, арт-дилера сирийского происхождения, Давида Нахмада. Кто бы ни был тайным владельцем,
Спустя почти десять лет, дождавшись ситуации в этих случаях паузы, он наклонил Малевича к перепродаже. Мы в ИИ предположили, что такая значительная работа для меня более 100 долларов
миллионов, а наш Казимир Малевич войдет в «клуб» художников, чьи работы проданы за девять цифр. Но интерес к Малевичу среди коллекционеров в топ-сегменте у нас
несколько завышен. Окончательная цена молотка на аукционе 15 мая 2018 года составила 85,81 миллиона долларов. Благодаря этому Малевич остался на втором месте в рейтинге художников
Русское искусство впервые оказалось в мире художников.
14. 84,69 миллиона долларов Клод Моне. Водяные лилии цветут. OK. 1914-1917
Если кто-то просит вас назвать самых известных художников-импрессионистов, имя Клода Моне (1840–1926), безусловно, звучит одним из первых. Картинка Клода
Моне дал название всему направлению искусства. В апреле 1874 года увидела выставку Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (фр. «Впечатление, солей левант»), критик Луи Леруа
Из газеты Le Charivari писали: «Обои, и те выглядели бы более законченными, чем этот« Опыт! »». Его мнение разделяли большинство критиков того времени -
«Впечатление» («Impression») Моне было негативным названием этого неясного стиля, в котором картины выглядели скорее как неаккуратные, незаконченные эскизы, а не законченные работы.
Но Моне и его коллеги-импрессионисты не обращали внимания на критику и продолжали писать свою картину @ - «Впечатления», в которой мимолетное состояние
природа, воздух, облака в небе и солнечный свет были важнее, чем выписной все детали. Семья Моне (женатый художник в своей модели Камилла, Донсе, родители Клода
не был счастлив) много лет жил в бедности: часто не хватало денег не на то, что на краске, а даже на хлеб. На риск оказаться бездомным из-за долгов на
Аренда, Моне пришлось регулярно просить кредиты у друзей - писателя Эмиля Золя, Эдуарда Мане и т. д. Было очень полезно знакомство с арт-дилером Полом Дюран-Рюэлем, благодаря которому
воспоминания о Моне, он и многие его друзья в то время умерли от голода.
признание Клода Моне достигнуто только после сорока, и он прожил долгую, долгую 86-летнюю жизнь, пережив обоих мужа (Камилла умерла от туберкулеза,
а через 13 лет художник женился на Алисе) и старшем сыне Жана. В последующие годы Моне начал быстро терять зрение из-за катаракты, но все же продолжал
рисовать пейзажи вокруг своего дома в Живерни - саду, ныне знаменитом пруду с мостом и лилиями. В 72 году его левый глаз видел только 10% от нормального, а правый мог различить только
светлый. В 83 он решил сделать операцию, в результате которой на правом глазу стало все видно в сине-фиолетовом цвете. Не вижу мир, так как Моне продолжал больше работать в
Память. И в последние годы своей жизни почти слепой Моне создал то, что позже будет называться Сикстинской капеллой импрессионизма - восемь огромных панно из водяных лилий, теперь хранящихся в
овальный зал музея Орсе.
Много воды потекло с тех первых выставок импрессионистов, которые зрители стали больше злорадствовать, чем восхищаться. Сегодня импрессионизм стал одним
из самых популярных среди широкой публики стилей. Та же Моне ретроспектива в парижском Гран Пале в 2011 году называется за 920 тыс. Любители искусства были готовы за три часа
стоять в очереди на морозе, чтобы увидеть двести картин Моне. И в последние три дня выставки музей был открыт круглосуточно и через залы
было 40 тысяч посетителей. Из более свежих примеров - выставка работ из собрания Сергея Щукина в Fondation Louis Vuitton, которая стала самой посещаемой
выставка в 2017 году. Выставка (которую пришлось увеличить на две недели в связи с ее феноменальной популярностью) собрала в общей сложности более 1,2 миллиона человек.
Если говорить о деньгах, которые измеряются любовью к импрессионизму со стороны тех, кто может себе это позволить, ответ прост: большой. Для Клода Моне в течение восьми лет
Рекорд-бар был оплачен в размере 80,55 миллиона долларов в разгар арт-рынка, в июне 2008 года в конце 1919 года работа «Пруд с водяными лилиями». В 2016 году эта запись убила продажу картин
Известный сериал со стогами сена в Живерни, снятый в разное время суток и в разные времена года. Картина «Стог сена» (1890–1891) на аукционе 16 ноября 2016 года была
продано за $ 81,45 млн с Премией покупателя.
В мае 2018 года настало время для очередной записи на аукционе Christie's картины «Цветущие лилии», написанной примерно в 1914–1917 годах в Живерни, проданной за 84 687 миллионов долларов. Работа была
экспонируется из коллекции покойного Дэвида Рокфеллера, которая прошла через шесть или семь пересадок сердца и умерла в возрасте 101 года. Деньги от продажи
Коллекцию, по завещанию Фонда Рокфеллера, пообещали потратить на благотворительность. По словам очевидцев, окончательное предложение по телефону получил сотрудник Christie's,
работа с клиентами из Азии. Так висит, похоже, эта «водяная лилия» Моне, где-нибудь в особняке или в частном музее китайского миллиардера.
15. $ 84,2 млн. Барнетт Ньюман. Черный огонь I. 1961
Запись работы Барнетта Ньюмана "Черный огонь I" была полным неожиданным аукционом на Christie's 13 мая 2014 года. Это не просто факт записи, что касается
какая сумма способна достичь истцов в битве за ставки. Предыдущая самая дорогая работа этого абстрактного художника «Onement VI» стоила 43,8 миллиона долларов (Sotheby's,
14.05.2013; оценка 30-40 миллионов долларов), то есть новый рекорд был почти в два раза выше. Смета «Черного огня», кстати, не разглашается, поэтому мы не выясняем, сколько именно
это было превышено. Ясно одно: абстракция Ньюмена на арт-рынке вышла на один ценовой уровень с работами его ближайшего союзника в группе художников, названной «живопись цвета»
поля ", - Марк Ротко.
Ньюмен принадлежит к тому первому поколению американских абстрактных экспрессионистов, которое стало источником огромного количества новых тенденций. Художники, такие как Барнетт Ньюман,
Марк Ротко, еще Клиффорд или Джексон Поллок, - это укоренившееся ветвистое дерево послевоенного американского искусства, для американцев они значат то же самое для нас, Малевича и Кандинского.
Поэтому, наверное, и купи им работу за деньги. Не удивительно, если через пару лет в этом рейтинге отображаются соответствующие результаты для Поллока или Стиллы - достаточно для аукциона
от их шедевра на соответствующем уровне.
Барнетт (Барни) Ньюман родился в 1905 году в Нью-Йорке в семье польских евреев, эмигрировавших из Российской империи в начале двадцатого века (они считают,
немного, и было бы сегодня у нас еще одного художника на орбите русского искусства). Барни изучал живопись в течение восемнадцати лет (в Лиге художественных студентов Нью-Йорка Дункан Смит,
Гарри, Вики и Джон Слоун), но всю свою работу в течение первых сорока лет своей жизни он разрушил, включая рабочий 1930-х, когда Ньюман делил мастерскую с Адольфом Готтлибом.
В 1930-х тот же Ньюман подружился с Маркусом Ротковичем (позже стал Марком Ротко), и вместе они отправились на живопись и поэзию модернисту Милтону Эйвери. Ранний Барнет был
Больше публичной и журналистской деятельности - он выдвинул свою кандидатуру на пост мэра Нью-Йорка, вместе со своим другом Александром Бородулиным написал Манифест «О необходимости политического
«Инициативы людей в искусстве» и даже выпустили первый и единственный выпуск «Ответа» о правах государственных служащих, таких как учителя, дворники или пожарные.
В то же время Ньюман неоднократно пытался сдать экзамен, чтобы получить постоянное решение для обучения живописи, но все попытки закончились неудачей. Все это привело к
выставка протеста "Можем ли мы рисовать? Экспертная комиссия говорит - нет!" («Можем ли мы нарисовать? Экзаменационная комиссия говорит - нет!»), Где были собраны, комитет отклонил работу.
Выставка вызвала сенсацию в прессе, Ньюману разрешили сдать экзамен, но опять же безрезультатно. В целом отношения с представителями официального искусства складывались с
разной степени успеха. В 1943 году Ньюман вместе с Ротко и Готтлибом написал ответ на критику «Нью-Йорк Таймс» выставки американских модернистов. «Эстетическое
У верования "этой троицы было следующее:" Нет хороших картин ни о чем. Мы считаем, что тема играет ключевую роль и что только сущность имеет силу, это трагично
и вечный. "
Через несколько лет, примерно в 1947-1948 годах, Ньюман, как он считал, достиг художественной зрелости. Художник разработал свой узнаваемый стиль - масштаб плоских полей
чистый цвет, отделенный тонкими вертикальными линиями (он назвал их «молнии» - «молния»). Эти «молнии» определяют пространственную структуру ткани, они одновременно делятся и
объединить композиции. Его холодная и строгая, но-своему эмоциональная работа кажется обманчиво простой. Как только прозвучит какой-то образец критики Ньюмана - и "философские высказывания"
без художественного мастерства "и" чистая живопись без темы ". Барнетт Ньюман настаивал на глубоком содержании их работ. Он назвал их именами библейских персонажей или,
например, ложное понятие «Onement» (по мнению критиков, сериал под названием «Onement» происходит от слова «Искупление» - «искупление») и хотел, чтобы они выглядели исключительно
с близкого расстояния.
Самая дорогая работа Ньюмена - «Черный огонь I» была написана в 1961 году, тогда, когда он создал свой знаменитый цикл «Крестный путь», в котором впервые появился строгий
черно-белая палитра. Но в отличие от более ранних работ «Пути Креста» в «Черном огне», смоляная смола, казалось, покушалась на территорию белого поля, что она
доминирует. Как раз в это время внезапно умер младший брат Джорджа Ньюмана. Картина помогла художнику справиться с горем утраты, эмоциями, которые он выразил через
язык абстракции.
16. $ 82,5 млн. Винсент Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890
Очень долгое время - с 1990 по 2004 год - пальма первенства в рейтинге авторов самых дорогих произведений искусства, по результатам торгов аукциона принадлежала почта
импрессионист Винсент Ван Гог (1853-1890). «Портрет доктора Гаше» (Portrait du Docteur Gachet), написанный художником незадолго до его смерти, был куплен японским миллионером,
Рей Сайто на Sotheby's в мае 1990 года за 82,5 миллиона долларов
История самой картины сродни детективу. В 1896 году портрет был продан женой брата художника Тео ван Гога, известного торговца
картины, а потом долго передавались из рук в руки. Следующее значимое сообщение об этом датируется концом 1930-х годов, когда картина попала в музей
Франкфурт-на-Майне, но в 1938 году, после встречи в Мюнхене с выставкой «Вырожденное искусство», картина «приобрела» нацистами, но вскоре перепродает ее в коллекцию Крамского. Тогда
Картина была в США, из Голландии эмигрировавших, чтобы сбежать от нацистов, ее новых владельцев. После их смерти наследники решили продать портрет и выставить его на аукцион в Нью-Йорке в
1990. Картина для вышеуказанного количества приобретенного японского миллионера, магната Рей Сайто, который, по слухам, похоронил себя с помощью шедевра. После смерти Сайто в
В 1996 году точное местонахождение «портрета доктора Гаше» долгое время было неизвестно, что породило немало догадок.
тот факт, что Сайто в приступе ярости вызван тем, что в Японии ему приходится платить очень высокие налоги (около 24 миллионов долларов в год), говорит, что картины пойдут на
могила. Наследники миллионера отказались говорить о судьбе шедевра, что удручало предположения. Однако некоторый свет на судьбу картины пролил один из
Руководители токийского аукционного дома Кийонори Ямамото сообщили, что картина была продана в США по «разумной цене» - от 87 до 130 миллионов долларов. новый владелец не
раскрыта. Позже стало известно, что все это время картина держалась в сейфе японского банка - кредитора Сайто, но банк намеренно промолчал, чтобы его имя не
связано с провалом заемщика. Как бы то ни было, но все же во всех крупных публикациях о Ван Гоге, включая каталоги, «Портрет доктора Гаше» сопровождается
примечание «Местонахождение неизвестно».
С одной стороны, история картины окутана множеством загадок, в том числе глупо полагать, что люди в здравом уме, как последняя воля, могут
показать желание унести с собой в могилу картины Ван Гога практически невозможно. В то же время это в духе художника. Или, точнее, наш
понимание этого. Ведь часть легенды о Ван Гоге - его безумие, которое позволило ему взглянуть на такие глубины, которые недоступны простым смертным. На самом деле так
Интерес и «Портрет доктора Гаше» - лечащий врач клиники для душевнобольных. Однако против самого доктора ван Гог произнес таинственную фразу:
все, он гораздо менее здоров, чем я, или, по крайней мере, так болен. "
с другой стороны, сокрытие реального местоположения шедевра может быть довольно прозаичным объяснением. Если портрет действительно существует, то возможно, что текущий
Хозяин, кем бы он ни был, боялся повторения истории реставрационных картин Климта. В 1937 году «Портрет доктора Гаше» был конфискован импровизированным Герингом во Франкфурте
Институт Стадии. Так, он объявил сегодня, на фоне прецедентов с картинами Климта и Малевича, законный владелец вряд ли отступит от своих прав.
За 101 год до беспрецедентной продажи «Портрета доктора Гаше» Винсент пророчески написал своему брату Тео: «Практика в торговле произведениями
Искусство, когда цены растут после смерти автора, до сих пор сохранилось ... Самые высокие цены, о которых они говорят и которые были заплачены за работы уже умершим художникам, когда их
жизнь бы не поднялась - это что-то вроде торговли тюльпанами, когда у живого художника больше недостатков, чем преимуществ ».
17. $ 80,75 млн. Анри Матисс. Лежащая одалиска с магнолиями. 1923
Анри Матисс (1869–1954), основатель этого художественного движения под названием «Фовизм» (от франц. fauve - дикий), и искусство вызывало, как ни странно, аппендицит. На
В возрасте 19 лет у молодого клерка адвоката, у многообещающего выпускника Парижской школы юридических наук Анри Эмиля Бенуа Матисса случился приступ аппендицита. После операции у него было
Два месяца провел в больничной койке, и его мать, желая развлечь попрасегну сына, купила ему художественные принадлежности. Открытки, перекрашенные цветом, настолько очаровали Генри, что закон,
несмотря на протесты его отца - процветающего торговца зерном, он ушел и пошел учиться на художника.
После 15 лет творческих поисков, проходящих через увлечение импрессионизмом и пуантилизмом, Матисс вместе с друзьями Андре Дереном, Морисом де Вламинком
а другие выбрали для себя главное выразительное средство «чистый цвет». Формы на их картинах были упрощены и сглажены, моделирование света и оттенков сменилось контрастированием
Столкновение блоков в местных цветах. Модель могла бы изображаться с зеленым носом, если получилась выразительной. «Я не рисую женщин; я рисую картины», - провозгласил Матисс. Критик Луи
Вазель, увидев в 1905 году в салоне d'automne картину этой группы художников, назвал их «дикарями» (фр. Les Fauves). Название «фов» застряло в потоке, хотя участники группы
сами никогда не признавали.
Группа фаворитов несколько лет распалась, и Матисс пошел по своему творческому пути, который был мимолетным упоминанием кубизма (под влиянием его друга Пикассо),
и украшения для хобби на всем Востоке (после поездки в Алжир и Марокко), а также опыт в литографии и скульптуре, и опыт монументальной живописи (каковы
панно «Танец» и «Музыка», написанные для особняка Сергея Щукина в 1909 г.) и др. Многогранный талант Матисса В.А.С тех пор, как его оценили, его выставки были
проводится по всему миру, и работа продается хорошо. Сегодня Анри Матисс и является одним из самых дорогих художников. За исключением того, что почти все его лучшие работы уже находятся в музеях.
И вот 8 мая 2018 года на вечерних торгах Christie's была выставлена «Лежащая одалиска с магнолиями» («Odalisque couchée aux magnolias»), 1923. Эта работа относится к
На знаменитую серию картин с чувственной одалиской, созданных Матиссом, повлияла расслабляющая атмосфера юга Франции, куда художник переехал в 1916 году. «Лежащая
«Одалиска с магнолиями» в год ее написания приобрел в салоне d'Automne дилеров Matisse Josse и Gaston Bernheim-Жен. В 1956 году работа была приобретена в Чикаго
Стальтикун и коллекционер Б. Лей Блок и всего несколько лет Матисса Блока купили Дэвида Рокфеллера. С тех пор картина, как хорошее вино, «держится» в одном и том же
коллекция, обретающая ауру полузабытого и добро пожаловать в шедевр арт-рынка.
Так что ожидается, что «Лежащая одалиска с магнолиями» установит новый рекорд цены для художника. Christie's продвигает его как одну из лучших работ Матисса из
когда-либо выставить на аукцион. Эстимейт сукна, по слухам, составлял около 70 миллионов долларов. Основной бой за этот участок был разработан между начальником послевоенного отдела и
современное искусство Christie's, Лоик Гузи и глава Christie's в Азии Блю Ли. Финальная заявка была от «Синего ли» (и, следовательно, покупатель, скорее всего, был азиатским коллекционером)
- 71,5 млн. Долл. США, и с учетом того, что Комиссия достигла рекордных 80,75 млн. Долл. США, предыдущий рекорд был превышен более чем на 30 млн. Долл. США: он принадлежал скульптурному рельефу «Обнаженная сзади»
IV "в 1930 году, продано в 2010 году за 48,8 миллиона долларов, включая комиссию.
18. $ 78,1 млн. Огюст Ренуар. Мулен де ла Галетт (Le Moulin de la Galette). 1876
В последние годы круг любителей искусства, которые совершают открытые транзакции по фантастическим ценам, более-менее определенным, и в каждом приближении, и тем более в полете.
Аукцион на 100 миллионов долларов предлагает аналитикам и журналистам выбрать не слишком много, что может создать еще одну сенсацию.
В 1990-м не было выбора, и был только один человек - тот же миллионер, Рей Сайто. Через день (!) После того, как он приобрел «Портрет доктора Гаше»
Ван Гог за 82,5 миллиона долларов, 17 мая 1990 года, уже на Sotheby's, эксцентричный японец купил картину Огюста Ренуара (1841–1919) «Мулен де ла Галетт» за 78,1 миллиона долларов
Значительные суммы, заплаченные одним человеком за картины, затем стали сенсацией в мире антиквариата (который сегодня вас удивит!) и укрепили позиции
Импрессионисты и постимпрессионисты как «голубые фишки» арт-рынка.
В каталоге аукциона и пресс-релизах перед началом торгов Sotheby's определил картину «Мулен де ла Галетт» (Moulin de la Galette, 1876) как «наиболее
Качественная работа Ренуара, которая впервые появилась на рынке ». Потенциальные покупатели откликнулись, и полотно ушло с молотка за огромную сумму.
Примечательно также, что, хотя эта картина относится к разряду учебников по произведениям Ренуара, после его смерти она была показана только публике
Однажды, на выставке в музее Метрополитен в 1937 году. Между тем картина написана в период, когда после скандальной выставки импрессионистов в 1874 году в
Студия Надара для Ренуара имела успех и признание, но его стиль окончательно обрел форму. На аукционе в 1990 году была продана авторская работа по повторению знаменитого "Мулена де".
«La Galette» того же года, сохранившаяся в парижском Музее д'Орсе. Радостные и торжествующие холсты настроения, изобилующие солнцем, любовью и беззаботной радостью, стали визитной карточкой
художник.
Помимо очевидного высокого качества живописи, а также громкого имени автора, особую ценность (даже не денежно-культурную) эта картина придает Ренуару
То, что его можно считать неким Манифестом импрессионизма, - наряду со знаменитыми картинами «Впечатление. Восход» Клода Моне, «Обед на траве» Эдуарда Мане. Вот
все, что я ценю в импрессионистах: и рассказ (тема для картины Ренуара найдена возле дома, на Монмартре, на улице Кортот, в ресторане "Мулен де ла"
«Галетт») и на пленэре (для того, чтобы написать сцену с натуры, а не в мастерской, художнику пришлось сделать большой холст в саду, где свет играет через
листья деревьев акации, земля USEPA и одежда, танцующая синие и розовые блики). К тому же художник не только точно и живо передал атмосферу Монмартра
танцевальный зал 1870-х годов, где по выходным собираются танцевать клерки из магазинов, швеи, молодые художники, писатели и актрисы, но также изображены на его картинах
друзья, видные представители тогдашней парижской Богемии - испанский художник дон Педро Видаль де Соларес, художники Анри Жерве и Фредерик Корде, а также журналист Филд Лот.
В целом, если бы коллекционер стремился представить коллекцию всех основных направлений в живописи, «Мулен де ла Галетт» Ренуара справа был бы идеальным отражением
сущность импрессионизма.
Покупка этой картины за 78,1 миллиона долларов в то время была очень неудачным предприятием. Вскоре разразился кризис, и дела
Импрессионисты подешевели почти на двадцать процентов. Бум вернулся только через несколько лет. Никто не знает, что стало с картиной после смерти японского коллекционера, данные открыты
Аукциона нет, но по неподтвержденным слухам, полотно из коллекции Сайто было продано в 1998 году более 50 миллионам покупателей, имя которых не разглашается. Тем не мение,
эти аукционы нельзя сравнивать напрямую с суммами дискретных частных транзакций.
19. 76,7 миллиона долларов Питер Пауль Рубенс. Расправа над невинными. OK. 1609-1611
Среди лидеров аукционных продаж, полностью представленных импрессионистами, постимпрессионистами и модернистами, неожиданно и одним из главных «старых мастеров» -
знаменитый фламандский Питер Пауль Рубенс (1577-1640). В июле 2002 года на аукционе Sotheby's его картина «Расправа над невинными» была продана за 76,7 миллиона долларов.
Весьма необычно, что высокие цены достигли именно полотна на сложной евангельской истории - казалось бы, более популярным было использовать, например, «Оргию» с
пышные красотки. Но нет. Одна из самых жестоких сцен Нового Завета - выполнена солдатами чудовищного ордена царя Ирода.
Именно поэтому, возможно, организаторы аукциона тщательно оценили в 6 миллионов фунтов. Однако на аукционе была жесткая конкуренция между четырьмя покупателями. В
В конце концов, полотно выкупил лондонский дилер рукописей, который высказался в пользу анонимного покупателя. Как выяснилось позже, этим покупателем был канадский коллекционер Дэвид Томсон, сын
газетный магнат лорд Томсон, бывший владелец London Times.
Возможно, причиной такого сильного волнения стала живопись музейного уровня - не за него на аукционе боролись представители ряда музеев, в том числе
Музей Гетти в Лос-Анджелесе. Роль сыграла неожиданная находка, сделанная экспертом аукционного дома по фламандской живописи Джорджем Гордоном. Тот факт, что до недавнего времени
Картина была приписана одному из учеников Рубенса, но Джорджу Гордону, после изучения сходства между «Дитем» и знаменитой картиной Рубенса «Самсон и
Далила »из собраний Национальной галереи в Лондоне предположил, что авторство принадлежит не ученику, а преподавателю. Хотя ведущие специалисты и исследователи
Чтобы картины Рубенса подтвердили вывод британских экспертов, представители аукционного дома, очевидно, не были уверены, что добрались до настоящего шедевра
мастер, который мог бы без преувеличения украсить любую музейную коллекцию.
20. 71 миллион долларов Константин Бранкузи. Изысканная девушка (Портрет Нэнси Кунард). Идея 1928. Кастинг 1932
Сын бедного крестьянина, который приехал пешком из Румынии в Париж, где ему суждено было стать пионером современной авангардной скульптуры, - так что, в двух словах, вы
Можно представить одного из величайших скульпторов ХХ века Константина Бранкузи (в Париже его стали называть по-французски Бранкузи). Константин Бранкузи (1876-1957),
который приехал в Париж в 1904 году и прожил в этом городе большую часть своей жизни, никогда не стыдясь своего низкого происхождения, и даже, наоборот, гордился им и решительно поддерживал легенду о
Сам: были в традиционной одежде румынского крестьянина даже на официальных приемах, а его мастерская на окраине Парижа превратилась в своеобразный румын
дома с резной мебелью и камином, в котором скульптор представляет из себя жареное мясо железной булавкой.
талант скульптора проснулся в Константине, когда он работал посланником в румынском городе Крайова. В свободное время Бранкузи начал вырезать фигуры
Из дерева и однажды, как гласит легенда, из подручных материалов скрипку настолько впечатлило местный промышленник, что он обучался в художественной школе Крайова. Тогда талантливый
крестьянин, учился в Школе изящных искусств в Бухаресте, а в Париже не очень долго работал в мастерской Родена, куда делись со словами «Ничто не вырастет в тени большого
деревья. "Но даже этот короткий опыт с Роденом, безусловно, оказал влияние на формирование Brancusi-скульптора - это одна из первых значительных работ была названа, по аналогии с
Роденовским шедевром "Поцелуй" (1907-1908). Только это был совсем другой поцелуй: Бранкузи ушел от реализма в сторону упрощенных, геометризованных форм; фигура
любовники, вырезанные из цельного куска камня, почти квадратного с схематичным рытьем волос, глаз и губ.
«Поцелуй» Бранкузи много считает историей современной абстрактной скульптуры. Хотя автор никогда не считал свою работу абстрактной. Совершенствуя свою любимую форму камня,
мрамор, бронза, дерево (Бранкузи неоднократно возвращался к своим сериям «Поцелуй», «Голова муз», «Птица в космосе», «Бесконечная колонна» и т. д.), скульптор стремился буквально показать
появление объекта или человека, животного, но передать его идею, внутреннюю сущность. Через полированные формы Бранкузи хотел выразить некоторую фундаментальную, скрытую природу
вещей. Работы румынского скульптора представляют собой чудесный сплав древнего, древнего искусства, наполненного мифами и легендами с современными авангардными идеями.
Самая дорогая на сегодняшний день скульптура Константина Бранкузи - бронзовая «Изысканная девушка (Портрет Нэнси Кунард)» (план 1928 года; кастинг 1932 года). На вечернем аукционе
Импрессионист и современник 15 мая 2018 года эта работа была приобретена за 71 миллион долларов, включая комиссию. Нэнси Кунард - писательница, политический деятель и одна из любимых муз
художники, поэты и писатели 1920-х, в том числе Тристан Цара, Эрнест Хемингуэй, Мэн Рэй, Луи Арагон, Джеймс Джойс и другие. Нэнси Кунард была знакома с Константином Бранкузи,
был в его студии, но никогда специально не позировал для него. Та Бранкузи создала скульптуру, которая носит ее имя, она узнала много лет спустя. Первая версия работы
под названием «La jeune fille sophistiquée (Портрет де Нэнси Кунар)» был исполнен Бранкузи по дереву в 1925–1927 годах. В 1928 году он хотел сделать портрет Нэнси Кунар из бронзы. В 1932 году он
Бранкузи отлил ее в виде гипса в единственном экземпляре и тщательно отполировал. В обобщенных, полуабстрактных формах скульптор изображен на тонкой шее головы Нэнси с волосами
собрались на затылке в пучок сложной формы. Возможно, форма волос относится к стилю крученых прядей человека. В одной скульптуре Бранкузи, сочетающей прямую
линии и женственные изгибы, гладкие и в то же время ломаные, искривленные формы, передали бы противоречивую красоту одного из главных муз "ревущих двадцатых". А это
румынский гений, конечно, потерпел неудачу.
21. $ 70,5 млн. CY Twombly. Без названия (Нью-Йорк). 1968
Американский художник Т.И. Твомбли (1928–2011) вошел в наш рейтинг авторов самых дорогих произведений искусства в мире с записями о работах «Без названия
(Нью-Йорк) »в 1968 году. На вечернем аукционе послевоенного и современного искусства Sotheby's 11 ноября 2015 года эта картина, связанная с циклом так называемых« досок »Twombly, была продана
на 70,53 миллиона долларов, включая комиссию.
CY Twombly признан во всем мире, много раз участвовал в Венецианской биеннале, создавал роспись потолка в одном из залов Лувра.
Однако он по-прежнему остается одним из самых трудных для понимания представителей американского абстрактного экспрессионизма. Как он писал куратору кирк Варнедо по случаю
после открытия ретроспективы Twombly в MOMA в 1994 году, Twombly, оказавший огромное влияние на многих художников, стал настоящим яблоком раздора для критиков. Это невероятно
Трудно понять, не только для широкой публики: Твомбли был чужд даже отцам - основателям высокопоставленного послевоенного искусства. «Не говоря уже о обывателе, который для большинства
Часть задается вопросом: да, мой ребенок мог бы сделать лучше. Вышеупомянутая статья Varnadowas называлась «Почему ваш ребенок не может: размышления о работе CY Twombly».
Эксперты из Twombly пишут, что всю глубину его творений можно понять только через личное знакомство с ними, а при воспроизведении оно полностью
потерянный. Все состоит из огромного количества мельчайших деталей - царапин, потертостей, капель, написанных карандашными отрывками из итальянской и классической поэзии. В 1957 году Туомбли переехал
на юг Италии - отсюда и увлечение историей и поэзией древней и средневековой Европы. В работах Twombly также найти ссылки на примитивное искусство,
Работы Да Винчи, подготовленные Марселем Дюшаном и итальянскими футуристами, постигают мифологию через принципы абстракции.
Вдали от шумной арт-сцены новоявленного Йорка родилась уникальная художница, которая нашла относительно позднее признание (по сравнению, например, со своими друзьями Робертом Раушенбергом
и Джаспер Джонс). Но Туомбли немного обеспокоен: всю жизнь он избегал репортеров и не обращал внимания на арт-критиков, многие из которых ставили под сомнение ценность его работ.
Тем временем Твомбли экспериментировал с мазком - например, пытался рисовать в темноте, чтобы сделать фигуру менее заметной и ясной.
Что такого особенного в работе «без названия (Нью-Йорк)», которая оценивается более чем в 70 миллионов долларов? Когда вы впервые смотрите на такие вещи, Twombly часто приходит на ум
это сравнение с нарисованной мелом школьной доской. Работа в этой серии называется - «доски». Тем не менее, я написал эту картину "классная доска" с краской и восковыми мелками на
холст. Если верить критикам, в своих «досках» Твомбли пытался передать на поверхность картины ощущение времени и движения. Эти быстро полученные белые линии можно рассматривать как
естественное явление, а не создание человеческих рук. Художник отметил, что самым важным для него является «аккомодация» каждой линии, каждого мазка. «Эта картина
Важным является не изображение, не иллюстрация, а переданная в смысле ее создания и реализации », - сказал Твомбли и добавил:« Когда я закончу следующую картину, тогда я
обычно проводят пару дней в постели, чтобы прийти в себя ». Таково было участие художника в процессе творчества. А в« досках »Сая Туомбли это выразилось, американская составляющая его
природа. Хотя первая «Доска» была написана в Риме, затем Туомбли на несколько лет вернулась в Нью-Йорк - серые, почти монохромные «доски» больше подходили городу
небоскребы чем солнечная италия. Ну, может, не новенький-йоркцу действительно сложно понять, что с ними не так - в этих таинственных безымянных работах Т.И. Твомбли?
22. 70,06 миллиона долларов Фернан Леже. Контраст форм. 1913
Виллем де Кунинг - один из главных представителей абстрактного экспрессионизма, величайший художник и скульптор послевоенного периода. Родился в 1904 году в Роттердаме, в
22 года уехал в Америку. В течение многих лет Виллем занимался декорированием квартир, витрин, столярных работ и т. Д., Но живопись оставалась свободной только от рабочего времени.
Однако в эти годы Де Кунинг встречался со многими представителями бурной художественной среды Нью-Йорка. Большое влияние на будущее великого абстракциониста
общение с Аршилом Горьким. К концу 1930-х - началу 1940-х годов формируется стиль Виллема де Кунинга (частица «де», которую он добавил к своему имени в 1937 году), на его
Абстракции восторженно говорят эксперты. В 1950 году Де Кунинг, Аршил Горки и Джексон Поллок представляли МОМ на Венецианской биеннале. Но публика тогда его работа
не понято и не принято.
В 1953 году Виллем де Кунинг представил серию из пяти гигантских картин с изображениями женщин, написанных в пастообразной, почти абстрактной манере. Эти пять знаменитых картин
женской фигуры превращается в ураган красок, сдерживаемый, кроме этой рамки для фотографий. От резких черных линий, золотистых и серебристых пятен образовались голова, шея, туловище,
рассекается на части в хорошо контролируемом хаосе. Женщина на картинах де Кунинга становится символом «тотема», которым художник «является» почти всю свою карьеру.
крупный коммерческий успех пришел к Виллему де Кунингу (это работает) при его жизни. В 1989 (а это было время арт-бумаги) двухметровая абстракция де
Куннинг «Микширование» был продан на Sotheby's за немыслимые в то время для современного художника $ 20,7 млн. Однако автору вряд ли на что пошло: к тому времени прогрессивный
Болезнь Альцгеймера сделала художника неспособным работать, но даже управлять его имуществом было вынесено соответствующее судебное решение. Тем не менее, последние восемь лет его
Жизнь Виллема де Кунинга официально признана автором самой дорогой работой ныне живущих художников.
Работы абстрактного художника после его смерти в 1997 году продолжали дорожать. И какие-то совершенно невероятные сделки с произведениями Виллема де Кунинга состоялись
в частном порядке, а не через аукционы. Изначально мы стараемся получать все результаты наших рейтингов только с открытых торговых площадок, потому что считаем их более реальным отражением ситуации.
на арт-рынке. Частные сделки более подвержены влиянию субъективных факторов: кто и что покупает, какие дилеры совершают сделки, исходя из которых цена
установлено. Иногда миллионеру не жалко дважды платить втрое, чтобы получить желаемую вещь. Оценка аукциона, как правило, более приближена к реальности, но если у вас есть несколько горячих
Жаждущих претендентов мы можем ожидать значительного превышения оценки. Однако пока лучший результат аукциона для Виллема де Кунинга не сравнится с его частными продажами.
Поступает в-первых известная частная распродажа картины «Женщина III», 1953 год. Это произведение из самой известной серии Виллема де Кунинга «Женщины» 1970-х годов.
годы принадлежали коллекции Тегеранского музея современного искусства. Но история исламской революции сделала невозможным продолжение присутствия там таких светских
работает. В результате в 1994 году «Женщина III» была продана и вывезена за пределы Ирана. Она пришла к американскому коллекционеру искусств Дэвиду Геффену, который, в свою очередь, в 2006 году перепродал его в частном
Сделка от Стивена Коэна была в то время безумной, до 137,5 миллионов долларов. За короткое время это было самое дорогое в мире произведение искусства. Не Пикассо, не Климт, а американец
абстрактный экспрессионист второй половины двадцатого века. В этом отношении сравнивать с Де Кунингом может только Джексон Поллок, у которого аннотация, или «капающая», наедине
сделки, купленные за те же деньги (несколько месяцев спустя, в том же 2006 году «№ 5» Поллока был продан в частной сделке за 140 миллионов долларов).
В 2016 году де Кунинг и Поллок подтвердили в паре. Инсайдеры рынка сказали, что в феврале 2016 года в частной сделке миллиардер Кен Гриффин купил работу Виллема де Кунинга« Путаница »за 300 долларов
миллионов (столько же, сколько в 1989 году было продано за 20,7 миллиона долларов), а абстракция Джексона Поллока «Номер 17» за 200 миллионов долларов. Является одним из крупнейших в мире сделок с
Арт. Нынешняя цена «Смешивания» - 300 миллионов долларов - ставит произведение де Кунинга в соответствие с работой Поля Гогена «Нафеа Фаа Ипойпо» («Когда ты выйдешь замуж?») 1892 года, проданной в
частная сделка в конце 2014 года на ту же сумму. Таким образом, если принять во внимание не только результаты аукциона и информацию о частных сделках, то эти две картины топ
список самых дорогих произведений искусства в мире (по состоянию на декабрь 2016 года).
Но ранжирование нашего рейтинга проводится по результатам аукциона, по этим показателям Виллем де Кунинг значительно отстает от таких лидеров, как Пикассо или Джакометти. Четный
подробнее - на аукционе повод добавить его в число лучших художников мира появился только в конце 2016 года. Абстракция «Без названия XXV» в 1977 году на аукционе послевоенного и современного искусства
Christie's 15 ноября 2016 года был продан за $ 66,3 млн. В последний раз эта работа переходила из рук в руки в 2006-м: тогда она ушла за $ 27,1 млн. Но с тех пор, благодаря вышеупомянутому
Частные сделки, а также громкая ретроспектива на MOMA в 2012 году на аукционном рынке De Kooning выросли, и теперь его максимум - $ 66,3 млн.
24. 60,5 миллиона долларов Пол Сезанн. Драпировка, кувшин и компотница. OK. 1893-1894
присутствие в списке Поля Сезанна (1839-1906) - это своеобразная дань открытию и поиску художника, заложенные основы кубизма и ряда
других областей двадцатого века. Примечательно, что на аукционе за рекордную сумму была приобретена эта классическая и столь типичная для Сезанна картина - «Драпировка, кувшин и
компотница ". Этот натюрморт представляет собой серию из шести работ, изображающих одни и те же предметы. Картина была продана на Sotheby's в 1999 году за 60,5 миллиона долларов
В этой работе показаны все наиболее яркие особенности стиля художника: стремление сводить все предметы к геометрическим формам - цилиндр, шар и конус,
чистый цвет, монументальные формы. Если импрессионисты пытались уловить меняющиеся черты природы, Сезанн создавал «картины для музеев», передавая неизменную часть
природа. Ему удалось в одной картине совместить несколько точек зрения на предметы, совмещая приемы прямой и обратной точек зрения, готовя переход к кубизму. Его
Натюрморты он долго писал, тщательно проверял изображение. Находки Сезанна создали целую армию его идеологических последователей, "сезаннистов", разделяющих и развивающих художника
идеи. Его влияние на художественный мир рубежа веков и, конечно же, русское искусство (вспомним «Бубновый валет») трудно переоценить.
Юлия Максимова, AI Владимир Богданов, AI Мария Онучина, AI Анна Савицкая, AI
Attention! All materials of the site and database of auction results ARTinvestment.RU, including illustrated reference information about the works sold at auctions, are
intended for use exclusively for informational, scientific, educational and cultural purposes in
accordance with Art. 1274 of the Civil Code. Use for commercial purposes or in violation of the rules established by the Civil Code of the Russian Federation is not allowed.
ARTinvestment.RU is not responsible for the content of materials submitted by third parties. In case of violation of the rights of third parties, the site administration
reserves the right to remove them from the site and from the database on the basis of an application from an authorized body.
06.02.2020Lostart.de won a court collectorsThe base is subject to a restitution of cultural values lostart.de proved in court their right to publish papers, even if their current owners are against. From now
on, to publish sufficient documentary evidence of the heirs, that piece of art changed owners under pressure
05.02.2020Art 2020 Russia: Moscow starts art-ярмарка new formatCompany Synergy Art, after the resonance project Synergy Art Forum, announced the creation of its own art fair. Given the experience of the organiser, the bet will be
placed on education and business-нетворкинг
04.02.2020BRAFA 2020: numbers and emotionsOn February 2 in Brussels ended 65-й edition of BRAFA, one of the oldest art fairs in continental Europe. Record attendance (68 thousand), the increase in sales and
international media attention — the main results of the event.
..
ФЕРНАНД ЛЕГЕР Контраст форм. 1913
